Martin "The One"

Star Wars XXX - A Porn Parody (2012) - Director: AXEL BRAUN

2012-01-09T09:26:00.001-08:00

AXEL es el hijo del legendario LASSE. Así que arranquemos con Lasse para quien no sepa quien es. Aclaro, nada que ver con Lassie.
Reconocido en los años setenta como "El Rey del Porno" por las revistas y periódicos del mundo, desarrolló su carrera principalmente en Suecia y aquí decidió en 1966 adoptar el seudónimo que hasta ahora lo identifica. Su nombre real era Alberto Ferro.
Director, escenógrafo y escritor, graduado en Derecho, Lasse Braun, promovió la lucha por la legalización de la pornografía; con su personalidad Dyonisiaca personificó el espíritu de la revolución sexual que inició en los años setenta. Desde 1962 hasta 1977 trabajó por la legalización de la pornografía. Su estrategia se basó inicialmente en la ley de mercado logrando con ello que el material pornográfico fuese popular a nivel de masas y en forma tal, que la legalización fue inevitable.

Entre los títulos más conocidos se encuentran cult movies como "French Blue" (el primero film hard que se representó al Festival de Cannes (1974) y "Sensations" (1975) con Brigitte Maier, "Love Inferno" (1977) y "Body Love" (1978) con Catherine Ringer y "American Desire" (1981) con Veronica Hart, que se encuentran ahora en DVD en sus versiones originales con su propia música.

LA INCREIBLE HISTORIA DE LASSE BRAUN, PIONERO DE LA PORNOGRAFIA
Padre de la pornografía moderna, fundador de la industria comercial del sexo en el momento que era ilegal, ferviente defensor de la libertad de expresión, revolucionario y liberal, ... o explotador y vulgar criminal; denomínelo como quiera, pero lo cierto es que la visión de Lasse Braun terminaría por cambiar el mundo. No es la historia de un simple pornógrafo sino la de un hombre que amasó una fortuna, impulsó un puñado de leyes revolucionarias en Europa, creó un imperio y se vió obligado a abandonar en pleno auge.
En 1961 se toparía con un hecho que cambiaría su vida: el hermano de su novia de aquel entonces había sido apresado en Génova con una valija repleta de material pornográfico adquirido en Montecarlo - lo que incluía novelas, copias de cortos caseros blanco y negro en 8 mm, y algunas revistas con imagenes explícitas pero impresas con muy mala calidad.
Haciéndose amigo de los propietarios belgas del negocio, y utilizando sus privilegios diplomáticos (venía de una familia de diplomáticos) comenzaría a desarrollar su propia actividad comercial pornográfica. Empezó a escribir novelas bajo seudónimo, y comenzaría a tomar fotos explícitas con las chicas que conocía en sus numerosas aventuras sexuales para inclurilas en las nuevas revistas que los belgas imprimirían bajo su dirección. A su vez, utilizando la inmunidad diplomática, viajaba a otros países cargando numeroso material pornográfico en el baúl del Mercedes Benz de su padre, visitando cigarrerías y otros establecimientos under, y regalando muestras gratis de sus productos para establecer una cadena comercial (sus clientes terminaría por apodarlo "Santa Claus" en esta etapa de su vida). En aquel momento los negocios que ofrecian material erótico y pornográfico eran víctimas de una ferviente persecución por parte de las autoridades, además de que el hampa interfería en la actividad. Demás está decir que los riesgos que corría era muchos y enormes.

Pero a medida que pasaba el tiempo, Ferro estaba cada vez más convencido de que era necesario legalizar la pornografía. Para él, la verdadera obscenidad era la censura, que alguien pudiera decidir lo que la gente podía leer y consumir. Sintiéndose el portador de una causa revolucionaria, Ferro se impuso la tarea de crear una industria millonaria para impulsar financieramente el cambio de las leyes así como para afrontar los numerosos juicios que tendría por delante. Lo primero que hizo fue adqurir una cámara hogareña de 8 mm y rodó el primero de sus cortometrajes explícitos - "Golden Butterfly", que data de 1966 -, e inmediatamente sacó avisos en revistas masculinas europeas. Como la pornografía era ilegal, los avisos eran muy discretos - simplemente decían que era material exclusivo para adultos - y vendía los cortos a través de una casilla de correo. Ferro se vió inundado de pedidos de compra y apenas daba abasto. Contrataba sobreturnos en laboratorios fotográficos de confianza hasta que resultó evidente que debía adquirir sus propias instalaciones. Para ello, Ferro imprimió un pequeño catálogo en donde anunciaba nuevos cortometrajes - cinco más en total - y los entregaba a los clientes que adquirían Golden Butterfly por correo. Obteniendo dinero anticipado por los nuevos productos, decidió mudarse a Suecia y allí se puso el seudónimo de Lasse Braun - quien era uno de los carpinteros que arreglaba sus recién adquiridas instalaciones -. Braun no sólo montó un moderno laboratorio fotográfico sino también una avanzada imprenta, y los cortos se entregaban en impecables cajas multicolor. Estaba decidido a ofrecer lujo y calidad - todos sus cortos tenían complejos argumentos, o representaban elaboradas fantasías, desarrolladas en escasos 8 minutos de duración - y ello quedaría claro en sus siguientes producciones, las que serían rodadas en los numerosos viajes que haría Braun alrededor del mundo - yendo de España hasta el Caribe, y filmando con actores locales -. Incluso una serie de cortos - "Casanova" - sería montada con trajes de época y alquilando castillos europeos durante los fines de semana.
Tras un par de años en la actividad, Braun recaudaría una enorme fortuna, aunque padecería el acoso legal de todos los países en donde extendía sus negocios. Era común que Braun cambiara de seudónimos y se mudara constantemente; pero la gigantesca rentabilidad del mercado le permitía darse esos lujos. Así es como pasaría a la siguiente etapa de su plan y comenzaría a sondear a parlamentarios europeos hasta que obtendría el eco que esperaba en un representante danés, de mentalidad tan liberal como la suya. Este parlamentario terminaría utilizando material de la descartada tesis universitaria de 1961 para elaborar sendos proyectos de ley con los cuales obtendría, primero, la despenalización de la literatura pornográfica (1966) y, por último, la de las imágenes y filmes. El 4 de Junio de 1969 la ley sería aprobada y terminaría siendo la victoria de su vida para Lasse Braun.
Con un pie en Dinamarca, Braun impulsaría la despenalización en otros países europeos (Alemania sería la siguiente etapa) y se dedicaría a expandir el negocio. Para principios de los 70 los cortos de Braun eran conocidos en Norteamérica y era introducidos de manera ilegal en el país - pero USA estaba en su propio período de cambios y en 1971, con los estrenos de Mona y Garganta Profunda, los juzgados norteamericanos comenzarían a reconocer legalmente a la actividad pornográfica como una variante valida de la libertad de expresión -. Braun sería contactado por el empresario norteamericano Rueben Sturman, y entre ambos terminarían concretando un enorme negocio: el montaje de 60.000 cabinas privadas en Estados Unidos, las cuales exhibían los cortos de Braun durante las 24 horas. Para tener una idea de la magnitud del negocio, las cintas de celuloide no alcanzaban a durar más de una semana debido al desgaste por el uso.
Ya en los años 70, Braun se veía como un pionero de la revolución sexual y decidió ir más allá, desarrollando largometrajes con complejos argumentos y lujosos decorados. Algunos de ellos - como French Blue o Sensations - lograron ser exhibidos en el Festival de Cannes y fueron recibidos con éxito por la crítica y el público. Fue el tiempo del llamado "porno chic", en donde los filmes explícitos tenían aspiraciones artísticas y se consideraban cine de autor - como El Diablo en la Señorita Jones, Detrás de la Puerta Verde o Cafe Flesh, por poner un ejemplo -. Pero a su vez ello demarcaría el comienzo de la decadencia de Braun. Sus filmes pornográficos llenos de pretensiones artísticas serían baneados y perseguidos tanto en Francia como en Holanda, y aunque Braun seguía mudándose de país y batallando con la censura, en Junio de 1977 decidió retirarse. La cantidad de causas acumuladas en su contra habían llegado al límite y Braun decidió alejarse temporalmente del negocio hasta que se aclarara el panorama.
Eso no impidió de que continuara rodando filmes - de manera esporádica - con el correr de los años, y de que su hijo siguiera por el mismo camino, pero Braun sintió que la industria había sucumbido bajo el peso de la ambición comercial en desmedro de los productos. Eso no quita de que sea reconocido como el fundador de la pornografía moderna - estableciendo el modelo comercial y artístico que seguiría la industria hasta el día de hoy -, además de ser un revolucionario que cambiaría el mundo para siempre. Aún si uno no está de acuerdo con la actividad que ha desarrollado, no puede ignorar la magnitud y los efectos de la obra de Braun, los que se viven hasta hoy en día.

AXEL BRAUN, EL REY DE LA PARODIA PORNO
El pebete hace porno desde la década de los '90s. Primero fue el Rey del Squirting.
Dirigió 125 pornos entre 1997 y 2009 antes de ser contradado por Vivid para dirigir sus parodias porno.
This Ain't Star Trek XXX (2009) fue una de las primeras. Ver: viewtopic.php?f=11&t=38944&p=485627
Luego vendrían, entre otras, This Ain't Avatar XXX, This Ain't Charmed XXX, This Ain't Glee XXX, This Ain't I Dream of Jeannie XXX, This Ain't Star Trek XXX 2: The Butterfly Effect y Batman XXX: A Porn Parody. Ver: viewtopic.php?f=11&t=38944&p=603397#p603397
Una genial fue Superman XXX: A Porn Parody (2011)

Ese año también hizo entre otras: This Ain't Ghostbusters XXX (2011) y Spider-Man XXX: A Porn Parody (2011)

Y para este año viene promocionando hace meses la parodia de las parodias: Star Wars XXX: A Porn Parody (2012)

Promete ser la mejor de todas. Y hasta coincide con el 35 Aniversario de Star Wars.

Trailer 1080p.

ENLACES/FUENTES:
http://www.datacraft.com.ar/notas-lasse-braun.html
http://www.myduckisdead.com/search?q=LASSE+BRAUN
http://pornogafapasta.blogspot.com/sear ... el%20Braun
http://www.imdb.com/name/nm1345701/
http://www.youtube.com/user/AxelBraun#g/u
http://www.vintage-erotica-forum.com/sh ... hp?t=31181 (Short Loops)
http://www.vintage-erotica-forum.com/sh ... hp?t=10634 (French Blue, 1974)
http://www.vintage-erotica-forum.com/sh ... .php?t=479 (Sensations, 1975)

Real Steel / Gigantes de Acero (2011) Blu-Ray USA - Director: Shawn Levy

2012-01-08T13:04:00.001-08:00

El maestro Richard Matheson

Real Steel se basa en parte del relato "Steel", escrito por el legendario maestro de la ciencia ficción Richard Matheson, que fue adaptado para un episodio de la célebre serie "La dimensión desconocida" (The Twilight Zone) protagonizado por Lee Marvin en 1963. La prolífica carrera de Matheson abarca más de 50 años y muchas de sus populares novelas, entre ellas "The Incredible Shrinking Man", "Stir of Echoes", "What Dreams May Come", "Somewhere in Time" and "The Night Stalker", han sido adaptadas y convertidas en largometrajes. Matheson ingresó en el Hall de la Fama de la Ciencia Ficción en 2010. Y ya tardó en hacerlo, él sí que es leyenda.
The Box (2009) había sido una de las última adaptaciones de sus historias al cine, también extraída de una episodio de The Twilight Zone. A Richard Matheson lo decepcionó esa adaptación como a la mayoría de la gente.
Sin embargo le gustó lo que hicieron con Real Steel y eso es suficiente razón para no dejarla pasar.

Real Steel / Gigantes de Acero (2011) Blu-Ray USA - Director: Shawn Levy

Disney have announced the US DVD and Blu-ray Disc release of Real Steel on 24th January 2012. Set in the not-so-distant future where boxing has gone high-tech and 2000-pound, 8-foot-tall steel robots have taken over the ring, the film stars Hugh Jackman, Evangeline Lilly, Dakota Goyo, Kevin Durand and Anthony Mackie.

3-Disc Blu-ray Combo Pack (1 Blu-ray Disc + 1 DVD + 1 Digital Copy)
- All 2-Disc Blu-ray Bonus Features
- All DVD Bonus Features

2-Disc Blu-ray Combo Pack (1 Blu-ray Disc + 1 DVD)
- REAL STEEL SECOND SCREEN
- Countdown to the Fight—The Charlie Kenton Story
- Sugar Ray Leonard: Cornerman’s Champ
- Deleted and Extended Scenes with introductions by Shawn Levy
—Extended “Meet Ambush”
—Deleted “Butterfly” Storyline
- PLUS All DVD Bonus Features

1-Disc DVD (1 DVD)
- Making of Metal Valley
- Building the Bots
- Bloopers

FOTOS:

Evangeline Lilly

Olga Fonda

Robots

TRIVIA:
- El director de fotografía es Mauro Fiore, el mismo de Driven (la de Stallone), The Island (la de Michael Bay), de Avatar y del corto The Black Mamba con Kobe Bryant.

FUENTES/ENLACES:
http://homecinema.thedigitalfix.com/content/id/74591/ real-steel-us-in-january.html
http://www.dvdactive.com/news/releases/real-steel.html
http://blog.hd-trailers.net/tag/real-steel/
http://www.todaslascriticas.com.ar/peli ... s-de-acero
http://screenrant.com/real-steel-richar ... hc-134914/
http://collider.com/hugh-jackman-real-s ... ew/113158/
http://www.ineedmyfix.com/2011/09/13/fo ... h-jackman/
http://lasaladecine.blogspot.com/2011/1 ... ntica.html

Las películas de: Olivier Smolders

2012-01-04T08:13:00.001-08:00

Director de cine Belga.
Interesantes sus propuestas.
Enmarcado dentro de lo que se conoce como "Art House" ("cine de arte y ensayo") o bien Cine de Autor.
Algunos de sus trabajos han sido editados en USA por Cult Epics, la compañía de Nico B. (director de cine también).

Spiritual Exercises / DVD-Video / Widescreen 1.78:1 Color & B&W / Production Year: 1984 / Region All

Studio: Cult Epics / Release Date: 11/13/2007 / Length: 180 mins/ Subtitles: English
INCLUYE: 10 Films by Olivier Smolders: Adoration (1987) 15 min. / Mort A Vignole (1998) 25 min. / L'Amateur
La Philosophie Dans Le Boudoir (1991) 14 min. / Pensees Et Visions D'Une Tete Coupee (1991) / Ravissements (1991) 7 min.
Point De Fuite (1988) 10 min. / L'Art D;Aimer (1985) 15 min. / Neuvaine (1984) 30 min. / Seuls (1989) 12 min.

Black Night (Nuit Noire) / DVD-Video / Widescreen 1.85:1 Color (Anamorphic) / Production Year: 2005 / Region 1

Studio: Cult Epics / Release Date: 10/30/2007 / Length: 90 mins/ Subtitles: English
INCLUYE: Deleted Scenes / Behind-The-Scenes / Interview with Directors / About Black Night / Short on "Spiritual Exercises"

Extracto de una entrevista al director hablando sobre Nuit Noire:
"Una película que contara un cuento como a través de un espejo roto, una historia que pudiera ser vista a través del distorsionado vidrio de un calidoscopio"
Quería hacer una película que contara un cuento como a través de un espejo roto o, ponerlo de otra forma, una historia que pudiera ser vista a través del distorsionado vidrio de un calidoscopio.
A veces tengo la impresión de hacer películas con un número limitado de objetos, un poco como un niño que mantiene escondidos todos sus juguetes en un armario. En mi caso, mi película es mi armario.
Nuit Noire, es para mí, un tipo de pintura con personajes cuyos rostros emergen lentamente de las sombras. Una pintura anidada o una basada en una serie de iconos ligeramente bizantinos. Imágenes provinentes de un rito de iniciación o de un secreto.
Me gusta bastante la idea de una película que no puedes absorber.

Al rodar Nuit Noire en digital, cosas como el grano tienen que tenerse en cuenta de modo diferente como cuando ruedas normal?
Un video ruidoso me aterroriza tanto como una película de mucho grano me encanta. Es muy subjetivo. Las imágenes cinematográficas con grano son bonitas para mí, además me recuerdan títulos antiguos, y el placer es instantáneo. Videos ruidosos me recuerdan a las cintas de VHS que han estado creciendo en mi escritorio polvoriento durante 4 años! En cuanto a Nuit Noire, intentamos ir lejos para conseguir las mejores imágenes posibles como el HD que se habían perfeccionado al final. También quería mantener tomas en Súper 8 con grano perceptible, para contar la infancia del personaje, que fue, en cierto modo, la infancia del cine. Si, por varias razones, el digital me ayudó, también permitió a las imágenes un ligero glaseado frío, una estética final, lo que es quizá una reflexión muy grande a cerca de la misma película.

CRÍTICA: Nuit noire es una fábula construida sobre la boda del negro y del blanco, de la nieve y de la noche, de la sangre y de la leche, de una vieja Europa y de una África que ella ha inventado, de la vida subterránea de los escarabajos y de la vida aérea de las mariposas. Prisionero entre el deseo y la repulsión que transmite el paraíso perdido de sus amores de crianza, Oscar abandona poco a poco la vida inquietante de los fantasmas.
Excepcionalmente rodada, con una fotografía magistral, Nuit noire abre las puertas a una nueva forma de hacer cine que bien podría recordarnos en ciertos momentos a Lynch e incluso en otros, a Jean-Pierre Jeunet.

Filmographie :
* Neuvaine, 1984 - film pour amuser les chaises, 30', N/B, 16mm
* L'art d'aimer , 1985 - film dramatique en couleurs, 15', Couleurs, 16mm
* Adoration, 1987 - film anonyme, 15', N/B, 35mm
* Point de fuite, 1987 - film pédagogique, 10', Couleurs, 35mm, d'après une nouvelle de Marcel Mariën
* Seuls, 1989 - co-réal. Th.Knauff, portraits d'enfants en institution psychiatrique, 12', N/B, 35mm
* La philosophie dans le boudoir + Ravissement, 1991 - 14' et 7'. Diptyque mettant en miroir deux "textes-limites" (N/B, 35mm ): fragments de D-A-F de Sade / fragments de Sainte Thérèse d'Avila
* Pensées et visions d'une tête coupée, 1991 - film pour Antoine Wiertz, 26', Couleur/Noir et Blanc, 35mm portrait d'un peintre imaginaire à partir de la vie et de l'œuvre d'A.Wiertz
* L'amateur, 1997 - film en forme de poire, 26', Noir et Blanc, 35mm, Dolby Stéréo
* Mort à Vignole, 1998 - film solitaire, 25', Noir et Blanc, 35mm, Dolby
* Nuit noire, 2005 - long métrage de fiction, HD & 35mm, 90’, couleurs, Dolby Digital
* Voyage autour de ma chambre, 2008 - film immobile, 27', Couleurs, HD & 35mm, Dolby Digital.
* Petite Anatomie de l'image , 2009 - film à l'eau de rose, 21' , Couleurs, HD & 35mm, Dolby Digital.

ENLACES:
Website: http://www.smolderscarabee.be/oli_bio.php?artiste=O
http://www.cultepics.com/art_house.html
http://www.cultepics.com/horror.html
http://cineuropa.org/ffocusinterview.as ... ntID=52486
http://myblogortiga.blogspot.com/2010/0 ... -2005.html
http://www.worldscinema.com/2010/08/oli ... -1987.html
http://avaxsearch.com/avaxhome_search?q ... &commit=Go
http://thepiratebay.org/search/smolders/0/3/200
http://cine.mysofa.es/peliculas-misteri ... las_belgas
http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_arte

De ALPHA a OMEGA, películas cuyo título es 1 letra GRIEGA

2012-01-03T08:11:00.000-08:00

Tomándose algunas libertades...

Δ (Delta) (2008) - Director: Kornél Mundruczó

Delta es una historia de amor entre hermanos. No se trata de una relación del tipo incestuosa como para provocar un morbo de orden pornográfico. En realidad es una historia enmarcada por un amor sencillo, silencioso, en medio de ríos, sin más pretención que la de consumarse con la construcción de un buen lugar donde habitar. Siendo una tragedia, en Delta observamos la violenta intolerancia de los familiares y habitantes del lugar. Violenta física y emocionalmente hasta sus últimas consecuencias: hasta dar fin a un amor que no aceptan ni comprenden. Repito: Delta es la historia de un amor puro, silencioso, sencillo, entre ríos.

ε (epsilon) (1997) - Director: Rolf de Heer

Más conocida como Alien Visitor.

Κ (Kappa) (1994) - Director: Tatsuya Ishii

Algo así es un Kappa, un bicho de la mitología japonesa usado en varias películas recientes.

μ (Mu) (1997) - Director: Paul Yacono

Corto japonés con un argumento interesante que no incluye ninguna vaca.

Ν (Nu) (2003) - Director: Simon Staho

Corto sueco con una premisa interesante también.

O (Omicron) (1964) - Director: Ugo Gregoretti

Conocida en la Argentina como Fogosa criatura del planeta Ultra.

π (Pi) (1997) - Director: Darren Aronofsky

Σ (Sigma) (2005) - Director: Jesse Heffring

Made in Canada

Ω (Omega) (2008) - Director: Vasilis Blioumis
<--- Vasilis Blioumis
Película griega que no la vió nadie. El argumento parece el de una de Haneke (Funny Games).

Blurayfan escribió:Beh, de todas esas solo conozco las mas comerciales ....... uds las vieron todas ???

La idea es conocer cosas nuevas ampliar un poco los horizontes, no dejar que lo comercial ocupe todo el tiempo libre que uno tiene.
Con pavadas como estas que se me ocurren, uno (o al menos yo) descubre cosas que probablemente valgan la pena rastrear, o no.
Yo la que tengo muchas ganas de ver es la francesa llamada Q (2011).

Vi algunas escenas y parece zarpadísima. Ver: http://upcomingnudescenes.net/index.php ... -others-fr

La que vi hace unos meses fue X (2011) con Viva Bianca, la rubia de Gladiator.

Me gustó y la recomiendo.

Hace unos meses encontré una serie francesa que parece buenísima, pero no existen subtítulos.
Se llama 1778 et demi y tiene una estética muy atractiva, onda la película Pacto con Lobos.

Canal de Youtube @ http://www.youtube.com/user/1788etDemi

FOTOS: http://comediennes.org/video/tag/1788-et-demi-photos

No hay que quedarse solo con lo comercial o lo de que más se habla. Hay muchas joyitas "escondidas" en los confines de la red de redes.
Para mi sería bueno poder conseguir la película "1", "3" seguro que la voy a comprar ya que es de Tom Twyker el de "Perfume..." "4" parece interesante también, "Zero" la ponen como algo entre David Lynch y David Cronenberg, habrá que verlo si se puede, SIX es cine independiente, su website es http://www.delamarepro.com/ y de ahí tenés un enlace a la película completa en Youtube (es un corto de 30 minutos y está en 1080p).
Canal de Youtube @ http://www.youtube.com/user/jackdelamare#g/u
Y otra que me interesa es "W" que es de Richard Quine, un director muy conocido.
Que se yo, no es una competencia de quien vió más, sino cuantas cosas nuevas e interesantes para ver se puede encontrar con una idea tan básica como ver cuantas películas cuyo título es una sola letra se pueden encontrar y/o recomendar.

De la A a la Z y de 0 a 9, películas cuyo título es solo 1 letra o solo 1 número

2012-01-03T08:09:00.000-08:00

Para ganar en el tutti frutti.

A (1968) - Director: Tatsuya Mori

'D' (2005) - Director: Vishram Sawant

F (2010) - Director: Johannes Roberts

G (2002-2005) - Director: Christopher Scott Cherot

H (2002) - Director: Jong-hyuk Lee

K (1997) - Director: Alexandre Arcady

Otra: K (2008) - Director: Piers Thompson

M (1931) - Director: Fritz Lang

Remake: M (1951) - Director: Joseph Losey

O (2001) - Director: Tim Blake Nelson

Nota: El director fue uno de los protagonistas de O Brother, Where Art Thou? (2000)

P (2005) - Director: Paul Spurrier

Q (2011) - Director: Laurent Bouhnik

Otra: Q (1982) - Director: Larry Cohen

R (2010) - Directores: Tobias Lindholm y Michael Noer

Sssssss (1973) - Director: Bernard L. Kowalski

T (2008) - Director: Amanda Overton

U (2006) - Director: Serge Elissalde

V (1983) - Director: Kenneth Johnson

W (1974) - Director: Richard Quine

Otra: W. (2008) - Director: Oliver Stone
Nota: Josh Brolin hizo un corto llamado "X" ese mismo año.

X (2011) - Director: Jon Hewitt

Otra: X: The Man with the X-Ray Eyes (1963) - Director: Roger Corman

Z (1969) - Director: Costa-Gavras

Para otro post me quedan las películas onda:
Adele H., Anna M., John Q., Martin Hache, Melissa P., etc.

1 (2009) - Director: Pater Sparrow

1: Film de ciencia ficción que nos llega desde Hungría, el director Pater Sparrow nos presenta esta ópera prima que se basa en el ensayo Un Minuto Humano de Stanislaw Lem. Cautivadora e hipnótica, a la vez que compleja y enigmática, empieza con una sofisticada librería en la que después de cerrar aparece un misterioso personaje a la vez que todos los libros de la tienda son repuestos por un solo libro de tapa blanca y de título 1. Es el libro definitivo, con más números que letras, es un compendio de estadísticas de todo lo que sucede en la vida. El caso será investigado por el Ministerio de Defensa de la Realidad, quienes encierran a los cuatro sospechosos que había en ese instante en la tienda, el jefe, la dependienta, un chico y el misterioso personaje, en busca de el culpable de este acto que se empieza a extender por todos lados.
El film empieza de manera muy atractiva y sugerente, intercalando la acción con una voz en off e imágenes de archivo que nos plantea reflexiones interesantes y curiosas sobre literatura, la vida y lo que sucede durante un minuto además de otras cosas. A medida que va avanzando el film, lejos de ir aclarando sus intenciones, se va liando más la cosa hasta el punto en que tanta información es difícilmente digerible, los caminos nos van llevando hasta la disfunción de la realidad y el poder de los sueños y la imaginación por encima de esta como vía de salvación. Habría que ver el film una o dos veces más para poder sacar más conclusiones, aunque al final, nos deja con el signo de interrogante en pantalla.
Fuente: http://www.masalladeorion.es/2009/10/ma ... rum-2.html

2 (2007) - Director: Dimitris Papaioannou

2 ("Dos") El 24 de noviembre de 2006, Dimitris Papaioannou (director, coreógrafo, performer, artista de cómics) estrenó “2” en Atenas, su primer trabajo después de su creativa dirección en las Ceremonias de apertura y clausura de los Juegos Olímpicos en Atenas de 2004. “2” fue producido en colaboración con el compositor de música electrónica K.BHTA. para la productora Theamaton Elliniki. Una "disección de la psique masculina", la producción atrajo la atención de la prensa griega, al menos no solo por sus referencias a la homosexualidad abierta. “2” resultó ser un éxito, su presentación fue prorrogada en dos ocasiones y se vendieron mas de 100.000 entradas.
El trabajo parece basarse en una amplia gama de influencias, incluyendo la obra de Jean Genet, René Magritte y Robert Wilson. La inspiración para el espectáculo también fue de Papaioannou de experiencias como gay en Grecia. Las revistas contemporáneas definen a “2” como un espectáculo "inspirador" y un trabajo que "captura el espíritu de la época".
Fuente: http://novatelenovela.creatuforo.com/-temas8874.html

3 (2010) - Director: Tom Tykwer

3 se presenta como una comedia cuyo núcleo reside en un triángulo amoroso a dos bandas, en una infidelidad en paralelo. Los protagonistas son una pareja heterosexual de unos cuarenta años que se enamoran por separado del mismo hombre. Con este filme, Tykwer pretende abrir la mente del espectador, hablar de que no existe un comportamiento correcto, de que no es malo seguir los propios sentimientos e impulsos.
Los actores principales son los alemanes Sophie Rois, Sebastien Schipper y Devid Striesow; siendo este último el más conocido, por sus papeles en Los falsificadores, Napola o El hundimiento.
Fuente: http://claudia-chinchilla-escribano.sui ... a-3-a31833

4 (2005) - Director: Ilya Khrzhanovskiy

El filme comunista "4 ( Chetyre ) de Ilya Khrzhanovsky, uno de los filmes mas bizarros que se ha visto en mucho tiempo.
En el filme tres personas se encuentran accidentalmente en un bar de madrugada y al salir de sus respectivos ( y mediocres ) trabajos; alli comenzaran a mentir, a fabular entre ellos sobre sus respectivos trabajos, una hecho este que posteriormente nos parecera una nimiedad en comparacion con los acontecimientos que viviran una vez que los tres abandonen el local.
El filme esta impregnado de una atmosfera enfermiza, decadente como su Conde, reflejando un pais degradado, obsoleto, fantasmal, evocaciones en estilo y forma que a este germano le recordaron a Tarkovsky y Svankmajer, a nivel cinematografico y a Kafka en el literario.
Fuente: http://ferdinandvongalitzien.blogspot.c ... ovsky.html

5 (2010) - Director: Brian Cuojoe Tolbert

Es un corto de 20 minutos, en Youtube está completo.

8 (2008) - Directores: Jane Campion (segment "The Water Diary") / Gael García Bernal (segment "The Letter")
Jan Kounen (segment "The story of Panshin Beka") / Mira Nair (segment "How can it be?")
Gaspar Noé (segment "SIDA") / Abderrahmane Sissako (segment "Tiya's dream")
Gus Van Sant (segment "Mansion on the hill") / Wim Wenders (segment "Person to Person")

"8" (2008), son ocho cortometrajes dirigidos por Abderrahmane Sissako, Jan Kounen, Jane Campion, Gus Van Sant, Wim Wenders, Mira Nair, Gaspar Noé y Gael García Bernal. Bajo imágenes y testimonios de vida destacan los films de Gaspar Noé quien recoge en una filmación opresiva un relato de un enfermo de SIDA, las cifras aterradoras de muertes infantiles en contraposición con jóvenes skaters en el corto de Gus Van Sant, el blanco y negro que replica una historia oral de un pueblo del Perú amazónico en el corto de Jan Kounen, o la hilera de niños y niñas que subiendo un cerro portan sus lágrimas en frascos para hacer llover en Australia en el corto de Jane Campion. Imágenes para la conciencia social y la acción.
Fuente: http://versus21.blogspot.com/p/peliculas-criticas.html

8½ (1963) - Director: Federico Fellini

9 (2002) - Director: Umit Unal

Sinópsis: Una joven y guapa chica, pero solitaria, es asesinada en un barrio pobre de la capital turca, Estambul. Nadie sabe a ciencia cierta quién es. Seis personas del lugar son interrogadas por la policía, descubriéndose así una historia secreta de la barriada.

Y con algo de trampita...

Zero (1997) - Director: James Fotopoulos

Six (2011) - Director: Jack De La Mare

Se7en (1995) - Director: David Fincher

La Inocencia

2011-12-28T08:53:00.001-08:00

La inocencia es un término que describe la carencia de culpabilidad de un individuo con respecto a un crimen. Puede también ser utilizada para indicar una carencia general de culpabilidad con respecto a cualquier clase de crimen, de pecado o de fechoría.

Puede también hacer referencia a un estado de desconocimiento, donde se da una menor experiencia bien en una visión relativa a los iguales sociales, bien por una comparación absoluta a una escala normativa más común. En contraste con la ignorancia, la inocencia se toma generalmente como un término positivo, denotando una visión dichosamente positiva del mundo, en particular una en que la carencia de conocimiento proviene de una carencia de maldad, mientras que el mayor conocimiento proviene de hacer mal. Esta connotación se puede conectar con una falsa etimología popular que explica el término inocente como el que no sabe (el noscere latino).

La gente que carece de capacidad mental de entender la naturaleza de sus actos puede ser considerado inocente sin importar su comportamiento. De este significado viene el término inocente para referirse a un niño de corta edad carente de razón o una persona de cualquier edad, que esté seriamente discapacitada mentalmente.
En algunos casos, el término inocencia connota un significado peyorativo cuando un nivel determinado de experiencia dicta un discurso común o calificaciones de base para la entrada en otra experiencia social diferente. Puesto que la experiencia es el primer factor para la determinación del punto de vista de una persona, la inocencia a menudo también se utiliza para implicar una ignorancia o carencia de experiencia personal por lo que en su sentido mas extremo negativo puede ser causante de lastima.

La inocencia se representa bajo la figura de una joven, coronada de flores que se lava las manos en una jofaina colocada sobre un pedestal teniendo cerca de ella un cordero blanco.
El Día de los Santos Inocentes es la conmemoración de un episodio hagiográfico (relativo a la historia de las vidas de los santos) del cristianismo: el mito de la matanza de todos los niños menores de dos años nacidos en Belén (Judea), ordenada por el rey Herodes con el fin de deshacerse del recién nacido Jesús de Nazaret.

La iglesia católica recuerda este acontecimiento el 28 de diciembre, aunque de acuerdo con los Evangelios, la matanza debió haber sucedido después de la visita de los Reyes Magos al rey Herodes (uno o dos días después del 6 de enero), aunque también la fecha de la adoración de los Reyes Magos a Jesús no tiene una fecha dada exactamente en las escrituras.
En Hispanoamérica y en España es costumbre realizar en esta fecha bromas de toda índole. Los medios de comunicación hacen bromas o tergiversan su contenido de tal modo que la información parezca real. Se trata de una libertad que se dan los agentes mediáticos para dar rienda suelta a su sentido del humor, oportunidad que solamente tienen una vez al año. Es tradición que los periódicos publiquen páginas enteras de noticias cómicas, con la advertencia de que es día de los inocentes, que van desde las que son una obvia mofa a cualquier suceso reciente, hasta las que parecen serias y engañan al lector desprevenido. El día de los inocentes se vive en todo el mundo hispanohablante.

En algunas zonas de América es importante no prestar ningún bien, sea objeto o dinero, pues el prestatario es libre de apropiarse de los bienes. Este tipo de festejo ha venido a menos en años recientes y ya no es usual que la gente pida prestado con la esperanza de que el prestador no recuerde la fecha y se le pueda hacer mofa con la muy popular frase: «Inocente palomita que te dejaste engañar» o su versión ampliada: «Inocente palomita que te dejaste engañar, sabiendo que en este día nada se puede prestar» o «Inocente palomita que te dejaste engañar, hoy día de los inocentes te dejaste engañar», «Que la inocencia te valga» o «Herodes mandó a Pilatos, Pilatos mandó a su gente; el que presta en este día pasará por inocente»;«Inocente palomita te dejaste engañar hoy por ser día 28 en nadie debes confiar».

El 1° de abril tiene lugar una tradición similar, el pescado de abril, cuyos orígenes no guardan relación con la leyenda bíblica que originó el Día de los Inocentes. Se celebra en Italia, Francia, Portugal, Alemania, Polonia (Prima Aprilis), Reino Unido, Estados Unidos y otros países, así como también en la isla de Menorca, en España, debido a su pasado francés y anglosajón, donde es conocido como el poisson d'avril ('pescado de abril') o el Dia d'enganar ('día de engañar').

Santa Claus y LA LA LA (LA botella, LA hija y LA sangre)

2011-12-24T11:52:00.000-08:00

Este siglo nos ha sorprendido más que nunca.
- La Sra. Santa Claus probablemente falleció o se divorció, ya que Santa anda besando a las madres de los niños.
- Santa es un borracho encarnado por el ex-marido de Angelina Jolie.
- La hija de Santa Claus fue conejita y poster central de Playboy en los '90s.
- Vuelven los Santa Claus asesinos que habían pasado de moda luego de los gloriosos 70's y 80's.

I Saw Mommy Kissing Santa Claus (2002)

"Ví a Mamá besando a Santa Claus"
¿ QUE FUE DE....CONNIE SELLECCA ?
En 1981 llegó su primera oportunidad con "El gran héroe americano", encarnando a Pamela Davidson, la novia del superhéroe a la fuerza Ralph Hinkley (William Katt), secundados como siempre por el entrañable Robert Culp. La serie funcionó medianamente bien, manteniéndose en antena hasta 1983, después de tres temporadas.
Su carrera ha proseguido en el terreno de los telefilms basados en hechos reales, siendo el último de ellos "Anna's Dream" (2002). En 2003 realizó su última actuación hasta la fecha en "La magia de Santa Claus", una comedia romántica distribuía directamente en vídeo , al lado de Corbin Bernsen.

Bad Santa (2003) con Billy Bob Thornton

Argumento: La historia comienza una noche de diciembre en un bar de Milwaukee, donde se encuentra Willie Stokes (Billy de seguridad después de que el centro comercial cierra, y roban. Más tarde, Marcus regresa a casa con su esposa (a quien Willie encuentra muy fea y molesta), Lois (Lauren Tom), mientras que Willie viaja a Miami y gasta todo su dinero en bebida, hoteles y otros materialismos.
La conducta alcoholica de Willie crea sospechas en el nuevo centro comercial en donde planean robar, el encargado Bob Chipeska (John Ritter) le ordena al jefe de seguridad, Gin (Bernie Mac), que investigue. Mientras tanto, Willie conoce a la camarera Sue (Lauren Graham) y comienza una relación.

La proximidad de la temporada navideña generalmente trae a los cines un desfile de cintas bobas y predecibles, que sólo buscan explotar la comercialización de la Navidad y aprovechar que los padres de familia, desesperados por encontrar entretenimiento para sus niños en vacaciones, los llevarán a ver cualquier película que se ofrezca como "alternativa" familiar. Por lo general evito esas películas, pero entiendo su utilidad. Afortunadamente, esta temporada tenemos "Un Santa No Tan Santo", la cual es como una bofetada en la cara del cine comercial navideño.

Antes que nada, quiero advertir que "Un Santa No Tan Santo" definitivamente no es una cinta familiar; la película está hecha para los cínicos que desprecian la temporada navideña; para quienes están cansados de los inevitables mensajes de "espíritu navideño" que nos bombardean en los medios de comunicación... y para quienes disfruten una buena comedia subversiva.

Al principio de "Un Santa No Tan Santo" conocemos a dos vulgares individuos: Willie (Billy Bob Thornton) y el enano Marcus (Tony Cox). Ofreciéndose como Santa Claus y su duende, el extraño par aprovecha la temporada navideña para pedir trabajo en las tiendas departamentales que acostumbran tener un Santa Claus para atraer a los niños. Desafortunadamente, Willie es un alcohólico violento y malhablado, y trata a los niños (y a sus padres) de forma despectiva y grosera. Pero el negocio de Willie y de Marcus no está en personificar a Santa Claus... en realidad, aprovechan ese trabajo para robar la caja fuerte de la tienda en la que trabajan, cosa que han logrado con éxito durante mucho tiempo. Pero este año las cosas se complicarán cuando Willie conozca a un perturbado niño que cree que el violento borracho se trata realmente de Santa Claus.
Leyendo esa sinopsis algunos lectores pensarán que al final de la cinta Willie recuperará su auténtico espíritu navideño gracias al afecto del niño... pero aunque se podría interpretar así, la verdad es mucho más compleja, triste, cruel y vulgar. No revelaré más, aunque sólo diré que el final de la cinta es a la vez satisfactorio e inusual... particularmente para una cinta con tema navideño.

Santa Baby y Santa Baby 2 (2006-2009) con Jenny McCarthy

"Me enamoré de Santa Claus"

Serie de ‘TV movies’ de la cadena ABC norteamericana (hay dos) en las que Jenny interpreta el papel de la hija de Santa Claus, que no tiene suerte en el amor. La presencia de la ex conejita Playboy es de lo poco que merece la pena de las cintas, si hemos de ser sinceros.

Eso si que es un regalo !!!

Santa's Slay (2005) y Santa Claus Vs. The Zombies (2010)

Una imagen... (vale más que mil palabras)

Satan's Slay nos quiere vender que Santa Claus es en realidad el hijo del diablo, un demonio que en diciembre acostumbraba a matar gente, así que los humanos se reunían el 23 de ese mes (día al que llamaban “día de las muertes") a rezar para que nada les pase, un día un ángel bajo del cielo y haciéndose pasar por humano retó a Santa en un juego, si el demonio perdía tendría que dejar de matar y no sólo eso, sino también trabajar por 10, 000 años para cambiar "el día de las muertes" por "el día de la alegría". El bien triunfó sobre el mal y desde eso los niños que se portan bien reciben juguetes.
Si hay algo rescatable en Santa's Slay es la curiosidad de ver a Fran Drescher (la niñera) siendo asesinada al principio del metraje, al actor Dave Thomas que tiene una cara de "a ese tipo lo he visto en algún lado" como padre de la iglesia del pueblo que gusta divertirse por las noches y a la guapa Emilie de Ravin quien poco tiempo después aparecería en la serie LOST.

Black Christmas (1974) y Silent Night, Deadly Night (1984) fueron exponentes del terror navideño, Satan's Slay, mmm, no.

Tuvo una remake Black Christmas (2006), pero pasó sin pena ni gloria.

Santa Claus Vs. The Zombies, si alguien la aguanta por más de 30 segundos, se merece un regalo.

ENLACES:
http://quefuede.lacoctelera.net/post/20 ... e-sellecca
http://www.cinencanto.com/critic/p_badsanta.htm
http://www.dvdactive.com/reviews/dvd/bad-santa.html
http://www.dvdbeaver.com/film2/DVDRevie ... lu-ray.htm
http://albherto.wordpress.com/2010/12/20/mamas-noel/
http://vintage-erotica-forum.com/showpo ... stcount=56
http://www.werdyo.com/girls/jenny-mccar ... carthy.php
http://www.vakacosmica.com/2011/11/sant ... -2005.html
http://www.vakacosmica.com/2011/11/sile ... -1984.html
http://anythinghorror.com/2011/12/24/ho ... bies-2010/

Santa Claus musculoso y La señora Santa Claus

2011-12-24T11:51:00.000-08:00

La década de los '90s nos dejaría no 1, sino 2 clásicos:

Santa with Muscles (1996) con Hulk Hogan

Ah, Nochebuena. Ese momento en el que la familia se reúne en torno a una mesa llena de comida y pasa una entrañable velada junto a sus seres queridos, felices pese a la inminente amenaza del especial de Nochebuena.
Si, como la mayoría de los españoles, está usted harto de las eternas reposiciones del espantoso capítulo Sin blanca Navidad de Los Simpson, échele un par de güebos, quítele el mando a distancia a su abuela a base de puñetazos y únase a Hulk Hogan en Santa with Muscles, o, como se llamó en España en un intento de aprovecharse del éxito de la película de Tim Allen, ¡Menudo Santa Claus!. Sí, amigos, esta es una de las pocas veces en las que hasta el título hispanoamericano es más fiel al original: Un Santa Claus musculoso, aunque la vaguería de las distribuidoras brasileñas es el no va más: Héroe por error. Personalmente, que nadie aprovechase para hacer el chusco juego de palabras Santa Cachas me hace llorar. Sirva el título de esta entrada como tributo a lo que pudo ser.
La película, por llamarla de alguna forma, data de 1996, pero qué demonios, es intemporal. Quiero decir, que probablemente fuera igual de mala en el momento de su estreno que ahora.

Sí, amigos: ¡Hulk Hogan es Papá Noel, y les va a saltar los dientes a los niños malos! Para empezar, ¿a quién se le ocurrió producir este guión? ¿Al señor Crapsmith? Quizá les diga algo el hecho de que el guionista original exigió que retiraran su nombre de los créditos, mientras que, según IMDb, los tres restantes no han vuelto a escribir nada que se haya rodado en su vida. Aunque, la verdad sea dicha, yo he disfrutado la película. Y mucho. Para mí, es un nuevo clásico navideño que veré año tras año… si es que me acuerdo, claro.
Antes que nada, debo advertirles de que esta película DEBE ser disfrutada en versión original. No conseguí bajCOMPRARME la versión doblada, pero la interpretación de Hulk Hogan es tal que no hay manera de hacerle justicia. ¿Han visto American Psycho en inglés? ¿Recuerdan cómo hablaba Christian Bale? ¿Sí? Pues Hulk Hogan habla igual durante TODA la película. La diferencia es que a Bale le pegaba porque hacía de un tío que no está bien, mientras que Hulk Hogan… oh, bueno, le pega.

RESEÑA COMPLETA AQUÍ: http://reflexionesdeuntipoconboina.blog ... achas.html

Mrs. Santa Claus (1996, TV) con Angela Lansbury

La Señora Claus, Mrs. Claus, Mamá Noela o Viejita Pascuera es un personaje navideño de las versiones modernas de la leyenda de Santa Claus, descrito como su esposa.
La dama también fue retratada en un programa de televisión musical, La Sra. Santa Claus (1996), interpretado por Angela Lansbury, con canciones de Jerry Herman. Abandonada por su marido, ella va a Nueva York, a su vez de la última del siglo, y se involucra en agitando los derechos de la mujer y contra el trabajo infantil en la fabricación de juguetes. Por supuesto, ella va a aprender "se pierde la Sra. Santa Claus", como la canción sentimental letras tienen.

ENLACES:
http://es.wikipedia.org/wiki/Se%C3%B1ora_Claus
http://www.vagos.es/threads/916991-Mrs- ... sical-1996

Santa Claus Is a Stinker (1982)

2011-12-24T11:40:00.000-08:00

Un Papá Noel pícaro y vicioso, una mujer muy simple, un depresivo travestido... Toda una panda de chiflados coincide en una oficina de servicios sociales una tarde de Nochebuena. Un clásico obligatorio, lleno situaciones cómicas e imprevistas. Adaptaciónde la célebre pieza teatral, que se ha convertido en un filme de culto.

Le père Noël est une ordure (1982)

Sinópsis: Es Nochebuena y en las oficinas de SOS Amistad, que ofrecen asistencia telefónica a todo aquel que se sienta solo, parece todo muy tranquilo. Pero poco a poco la noche se irá desmadrando de la mano de un travesti depresivo o una pareja de los suburbios completamente chiflada, entre otros. Comedia de gran éxito en Francia, que fue adaptada por Hollywood en "Mixed Nuts (1994, Un día de locos)" con Steve Martin. (FILMAFFINITY

Una de las películas cómicas más controvertidas que ha sido hecha en Francia en la década de 1980, Le Père Noël est es uno de las películas clásicas de culto más respetadas del país. Ciertamente, el humor cáustico de la película es difícilmente aceptable para todos los gustos, y algunos espectadores quedarán, sin duda impresionados por el tratamiento grotesco caricaturesco que se imprimen a estos individuos desafortunados como amas de casa golpeado y depresivos suicidas. (Asesoramiento a un hombre con un arma a su cabeza: "Sólo tiene que pulsar el botón ...") Sin embargo, la película tiene un lado serio y lejos de ser una "película de enfermos", hace algunas profundas, aunque provocativas, observaciones sobre la vida contemporánea.

Le Père Noël est une ordure está tratando de señalar - posiblemente - las hipocresías que abundan en nuestra sociedad, especialmente durante la temporada de Navidad. El cinismo y la ineptitud de un samaritanos como equipo de servicios sociales refleja un mundo donde la gente responde a la desgracia de los demás, mecánicamente, sin compasión ni compromiso. El cuento de hadas deslumbrantes, como la apertura a la película pronto se desvanece descubriendo la triste realidad de la vida de los marginados: la inseguridad económica, la violencia doméstica, trastornos personales, y cosas peores.
Para los que no se ofenden fácilmente, Le Père Noël est une ordure es una película tremendamente divertida que merece su condición de clásico. Brillante guión, sublime, se las arregla para ser a la vez divertida y estimulante.

ENLACES:
http://www.amazon.es/pere-No%C3%ABl-est ... B0038N8TBI
http://blogdecineyseries.blogspot.com/2 ... rdure.html
http://www.cine-clasico.com/foros/viewt ... 93&t=27487
http://cinema.jeuxactu.com/test-blu-ray ... e-9574.htm
http://80shdmovies.blogspot.com/2011/08 ... nuray.html
http://tehparadox.com/forum/f89/le-pere ... d-2849166/
http://thepiratebay.org/search/ordure/0/3/200

Santa and the Ice Cream Bunny (1972)

2011-12-24T11:39:00.001-08:00

Santa and the Ice Cream Bunny (1972)

Este filme tiene todos los ingredientes de un buen thriller: Un hombre atrapado, un Santa Claus interpretado por Jay Ripley (¡quien tres años atrás se dejó ver en Valor de Ley!), personajes misteriosos (la pareja que interpreta a Tom Sawyer y Huckleberry Finn me dejó intrigado), acción a raudales (y si no mirad la captura que viene a continuación) y una potente trama secundaria... Tan potente que realmente es una película en sí misma.
En su viaje veraniego anual para ver qué niños se han portado mal Santa Claus se estrella en una playa de Florida y sus renos se escapan. Sin animales de tiro y con el trineo enterrado unos milímetros en la arena nuestro héroe no tiene más remedio que contactar mentalmente con los niños de la zona para ponerlos a trabajar en su rescate mientras él vigila para que nadie se siente en su sitio en el trineo. Pese a que los niños ponen todo su empeño en llevarle distintos animales que sustituyan a sus renos (desde un perro hasta un hombre disfrazado de mono) el vehículo no avanza. Para que los ánimos no decaigan Santa les cuenta la historia de Pulgarcita. Al final un hombre disfrazado de conejo a los mandos de un camión de bomberos será quien recoja a nuestro desafortunado protagonista.

Un guión digno de Hitchcock, pero de Hitchcock hasta arriba de farlopa. La gracia de la película, lo que remata a sus espectadores, es que el cuento de Pulgarcita que Santa cuenta no es sino una película entera que había sido creada para el cine dos años antes, en 1970, con su propio director y su propio reparto y, agarraos, un metraje más largo que las escenas de nuestro atrapado protagonista.

Pulgarcita (o Thumbelina en inglés) bien daría para otro Cine de Barro ella solita. Se trata de un musical basado en el popular cuento de Hans Christian Andersen y que dirigió Barry Mahon y protagonizó Shay Garner, actriz cuyo trabajo más importante fue el de secundaria en Flying, una de las primeras películas de Keanu Reeves. Al director hay que cogerlo aparte: héroe de la II Guerra Mundial (donde derribó varios aviones alemanes, fue hecho prisionero y colaboró en la excavación de los túneles que haría famosos La Gran Evasión), tras la guerra fue el piloto personal de nada menos que Errol Flynn (Robin de los Bosques, Objetivo: Birmania) de la mano del que se metió en la industria del cine, comenzando con cintas de tipo erótico/pornográfico (Sex Club International, Prostitutes Protective Society) y derivando después al cine infantil, en el que sería el primero en utilizar los ordenadores para la producción y planificación de los filmes.
Thumbelina es fiel heredera de la intensa vida de Mahon, es más, durante toda la película uno espera que en cualquier momento la actriz se desnude y comience el folleteo... Así está el ambiente. Como si no tuvieran suficiente con el trauma creado por Santa Claus, los niños que vieran esta película saldrían de ella muy confusos.

Thumbelina es una de las peores monstruosidades de todos los tiempos, se rumorea que te ponen esta película al llegar al infierno para que te vayas acostumbrando al dolor...

ENLACES:
http://www.lanocheamericana.net/cine-de ... idena.html
http://www.rarecultcinema.com/2011/12/1 ... eam-bunny/
http://criticalmassesmedia.com/2011/12/ ... eam-bunny/
http://lacimadelarealidad.blogspot.com/ ... cream.html

Santa Claus conquista a los marcianos (1964)

2011-12-24T11:38:00.001-08:00

Llevate el VHS por solo u$s 59.95 !!!

Santa Claus conquista a los marcianos (1964)

Damas y caballeros, les presentamos la mayor costra navideña jamás filmada. Los marcianos están tristes y para alegrarse no se les ocurre mejor idea que bajar a la Tierra y abducir a Santa Claus y a dos repelentes niños rollizos y dentudos (la niña por cierto es Pia Zadora, años antes de convertirse en el sex symbol más incomprensible de la historia del show bussiness), para llevar la alegría de la Navidad al Planeta Rojo. Los marcianos del filme tienen una pinta inenarrable, y no los habrían contratado ni como extras en El chavo de ocho. Esta película es la constatación definitiva de que en Marte no hay vida inteligente y en el planeta Tierra…. pues tampoco mucha. Para que engañarnos.

¿Qué fue de… Pia Zadora?
Con diez años ya había debutado en el cine con la bizarra “Santa Claus Conquers the Martians”, y ya se veía que la carrera cinematográfica de Zadora iba a ir por este camino. Cuando Pia Zadora tenía 17 años conoció al hombre que marcaría su trayectoria profesional, Meshulam Riklis, uno de los principales accionistas de la distribuidora Dubonnet, y que era 30 años mayor que ella. Se casaron en el año 1977.

Cuando se habla de posibles tongos en los Globos de Oro siempre se ilustra con el ejemplo de “La marca de la mariposa”. La Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood siempre ha sido muy cuestionada, primero porque la mayoría de sus miembros no trabajan en grandes medios de comunicación, y mucho menos en la prensa especializada, y segundo, porque son altamente influenciables por la industria y por las estrellas. En febrero del año 1982 se estrenó “La marca de la mariposa”, un verdadero fracaso de crítica y público, pero meses antes, en diciembre, la película había cosechado tres nominaciones a los Globos de Oro, mejor actor de reparto (Orson Welles), mejor canción (compuesta por Ennio Morricone y Carol Connors, y cantada por Zadora) y estrella emergente para Pia Zadora. La película nadie la había visto, pero la campaña que había hecho el marido de Zadora era brutal. En enero de 1982, un mes antes del estreno real del film, estalló el escándalo, ya que Pia Zadora se alzó con el Globo de Oro a estrella emergente frente a Kathleen Turner por “Fuego en el cuerpo”. A las pocas semanas se destapó que el marido de Zadora había invitado a Las Vegas a los miembros de la asociación, para que además de disfrutar gratuitamente de todo aquello que le podía ofrecer la ciudad del juego asistieran a un espectáculo que ofrecía Pia Zadora en un hotel, se comentó que la excursión a Las Vegas costó la nada desdeñable cifra de 2 millones de dólares. Lo único que sucedió en los Globos de Oro fue que se eliminó la categoría de “estrella emergente”. Cuando la película se estrenó, fue completamente ignorada por el público y masacrada por la crítica, y por este trabajo Zadora recibiría en el año 1983 dos premios Razzies, el de peor actriz y el de peor nueva actriz.
Fuente: http://www.loqueyotediga.net/diario/sho ... pia-zadora

Santa Claus Conquista A Los marcianos (1964) ("Santa Claus Conquers the Martians")

Sinópsis: Los marcianos adultos notan que sus hijos son muy sosos: no ríen, no juegan, no incordian, no parecen niños en fin... Sólo se dedican a ver idiotizados programas de la televisión terráquea (más o menos como aquí). Para lograr que sean niños plenamente felices, deciden ir a La Tierra y secuestrar a Santa Claus. Dicho y hecho, consiguen secuestrar a Papa Noel y de propina a dos niños terráqueos. Ellos tendrán la difícil misión de lograr la felicidad de los niños marcianos. Pero claro, no todos los habitantes del Planeta Rojo están por la labor y querrán terminar con el obeso personaje navideño.

Comentario: Hay películas que son muy malas,… terriblemente malas. Tanto que al final resultan más entretenidas que otras de calidad superior. Es el caso de “Santa Claus Conquista a los Marcianos”, un engendro cinematográfico que se encuentra entre las peores películas de la historia del cine. Pero aún así ha entrado dentro de los filmes de culto de la serie Z más freaky y bizarra. No creo que ni su director fuera capaz de predecir la notoriedad que ha alcanzado este film con el paso del tiempo.
Porque en realidad nos encontramos ante el típico producto navideño sólo consumible en dichas fiestas, aunque, claro está, acompañado de ciencia-ficción de papel Albal (de plata) y cartón piedra. Porque baste con ver al robot que más parece realizado en los talleres de manualidades de cualquier escuela de primaria de la época, o los mismísimos marcianos, vestidos con mallas y con una antena en la cabeza, para percatarse que está hecha con cuatro duros.
Pero eso sí, con mucha imaginación. Ya que la historia narra el secuestro de Papa Noel, y no por un grupo terrorista armado, sino de la mano de un grupo de marcianos que deciden trasladarlo a Marte para llevar la felicidad a los niños de ese planeta. En realidad, supera en mucho los manidos guiones de las películas protagonizadas por Tim Allen y sus clones, lo que le hace ganar puntos en originalidad “navideña”.
Qué más da que el Polo Norte esté hecho de papel maché, o que el oso sea un hombre (descaradamente) disfrazado, o que las actuaciones sean pésimas, lo importante es cómo vais a partiros la caja viéndola… Pero eso sí, sólo una vez. Si es visionada más veces puede producir deterioro cerebral irreversible.
Aquí os pongo un enlace donde la película es diseccionada con gracia y salero. Os podéis desternillar no sólo con el film sino con la "review" que hace del mismo el blog "Qué grandes son las Pelis Cutres". Un lugar que os recomiendo enfervorecidamente por el arte y el gran sentido del humor que destila su autor a la hora de analizar películas.

FUENTE: http://capricornio-uno.blogspot.com/200 ... ianos.html

ENLACES:
http://www.lacasadeloshorrores.com/2010 ... a-hoy.html
http://www.lanocheamericana.net/cine-de ... dades.html
http://rock-baker.blogspot.com/2011/12/ ... claus.html
20 Great Christmas posters for the holidays @ http://www.thereelbits.com/2011/12/11/2 ... -holidays/
10 películas para odiar la Navidad @ http://www.quo.es/ciencia/hombre/10_pel ... a_navidad/

Santa vs Satan! ... Papa Noel vs. El Diablo

2011-12-24T11:36:00.000-08:00

Desde lo bizarro hasta lo enfermizo, Santa Claus tiene más versiones que Robin Hood o que Jesús de Nazareth.
¿ Porqué atrae tanto este gordo ? Exacto, por los regalos.
Veamos algunas de las versiones menos convencionales de este personaje clásico en el Cine y la TV.

Santa Claus de René Cardona, la única película en donde Santa Claus se une con el mago Merlín para combatir al diablo.
Santa Claus (1959) - Director: René Cardona

Reseña: Santa Claus y el Diablo se debaten por la infancia cada uno para cumplir sus propios designios, llevar paz y esperanza a los niños de todo el orbe el uno y desactivar toda iniciativa de festejo de la Nochebuena el otro. A esta muestra de estereotipos maniqueístas se complementa el plantel de personajes infantiles, con el típico niño rico, la típica niña pobre, el típico niño malcriado. En esta lucha celestial entre el Bien y el Mal, cumple un importante rol el niño Pedrito (el adorable Pulgarcito mexicano), incondicional ayudante de Santa Claus. Como en toda película navideña, se escuchan "Noche de Paz" y "Jingle Bells" - ambas largamente en el dominio público-, "Fascinación" de Marchetti, "El Zopilote Mojado" de Miguel Macías F. y canciones populares de los niños de todo el mundo, por el coro dirigido por el maestro Armando Torres. Como si todo esto fuera poco, se presentan el "Ballet de las Muñecas" y la "Danza del Infierno", ambas de Antonio Díaz Conde. [Cinefania.com]

Sinópsis: Con la ayuda del Mago Merlín (Armando Arriola), Santa Claus (José Elías Moreno) debe impedir que el demonio Precio (José Luis Aguirre) lleve a cabo sus planes para arruinar la Navidad. Ignoro si alguien hechó algún psicotrópico en mi taza de café antes de ver esta película, pero este Santa Claus mexicano, dirigido por Rene Cardona, es una de las cosas más chiripitiflauticas que he visto jamás en mi vida. Satanás, envidioso de la felicidad que se vive en los días navideños, envía a un demonio colorado y con unos cuernos enormes, para que sabotee la labor de Papa Noel. Santa Claus, que vive en su guarida del Polo Norte, en una taller en el que en vez de duendes trabajan niños (ya ven… Papa Noel abusando de la esclavitud infantil, por dios, por dios), necesitará la ayuda del Mago Merlín y de Pulgarcito (si, en serio), para vencer al demonio y rescatar a Lupita, una repipi niña huérfana a la que el diablo ha tomado como rehén. Humor estúpido, sobredosis de almíbar, delirios cromáticos, antiinterpretaciones y diálogos pazguatos, conforman esta cinta que no puede haber sido concebida por una mente normal.

Película completa

Believe it... or not, existe en Blu-Ray.

Santa Claus: Una Navidad como ninguna otra
Tras el término de la Segunda Guerra Mundial, el empresario K. Gordon Murray comenzó a importar cintas mexicanas a los Estados Unidos. Aunque eventualmente adquiriría cierta fama gracias a los films de terror que distribuía, sus primeras adquisiciones estaban mayormente dirigidas a un público infantil. Fue así como dio con “Santa Claus”, una desconcertante fábula navideña del guionista y director cubano René Cardona, quien durante años había estado trabajando en diversas producciones realizadas por la industria cinematográfica mexicana. Filmada por completo en los estudios Churubusco-Azteca, los cuales eran propiedad del gobierno mexicano, la película se centra en la batalla entre Santa Claus y un demonio llamado Precio, quien ha sido enviado por el Diablo para acabar con la Navidad. En su cruzada por salvar la Navidad, Santa Claus será ayudado por el Mago Merlín y una buena parte de los niños que trabajan en su taller, junto a los cuales no sólo deberá seguir los pasos de Precio, sino que también deberá evitar que este último contamine la mente de los niños del mundo.

La cinta comienza con un número musical de alrededor de diez minutos de duración, donde rápidamente son apreciables las diferencias que René Cardona realiza en la mitología clásica de Santa Claus. Para empezar, el centro de operaciones del protagonista ya no se encuentra en el polo norte, sino que está ubicado en un castillo en las nubes. En aquel lugar, ya no son un grupo de duendes los que ayudan a Papá Noel en la fabricación de juguetes, sino que son niños de diversas nacionalidades los que se encargan de dicha labor (lo que habla muy mal de la política laboral del Sr. Claus). Además, podemos ver que Santa utiliza una serie de curiosas computadoras para monitorear el comportamiento de los niños alrededor del globo (incluso tiene una curiosa máquina que tiene una boca y que transmite las palabras que dicen los pequeños). Acto seguido, somos transportados al mismísimo infierno, donde diversos demonios danzan alrededor del fuego. Es ahí donde nos es presentado el villano de esta historia, el demonio Precio, quien de no cumplir la labor que le ha encomendado el Diablo, será condenado a comer helado de chocolate por la eternidad (lo que es cruel, ya que los demonios no soportan el frío y menos el chocolate).

Básicamente, Precio centra sus esfuerzos en corromper a una niña pobre llamada Lupita (Lupita Quezadas), a un niño rico (Antonio Díaz Conde Jr.), y a tres traviesos hermanos cuyos nombres jamás son revelados. Mientras que los dos primeros le dan más importancia a la familia y a los valores familiares (por ejemplo, Precio intenta sin éxito convencer en múltiples ocasiones a la niña para que esta robe la muñeca que tanto quiere y que sus padres no pueden comprarle), los tres hermanos terminan cayendo en las garras del demonio, realizando una serie de travesuras con las cuales intentan sabotear la labor de Santa Claus. Más allá de la trama, lo que hace tan especial a esta película es lo perturbador que resulta el mismísimo Papá Noel. A la ya mencionada explotación infantil, se le suma su risa siniestra, y su costumbre de espiar a los niños incluso cuando estos están durmiendo. Lo que resulta aún más extraño, es que él tiene la capacidad de ver los sueños de los pequeños e influir en ellos. Visto de esta manera, Santa Claus es retratado como una suerte de Gran Hermano que aprueba la esclavitud infantil, lo que obviamente se contradice por completo con la imagen hollywoodense del alegre gordinflón.

Existen otras extrañas particularidades de la versión mexicana de Santa Claus. En su castillo además de los niños que trabajan para él, viven su buen amigo el mago Merlín, y Vulcano el herrero (Ángel Di Stefani). Mientras que el primero está encargado de realizar las pócimas que le permiten a Papá Noel hacerse invisible o dormir a los niños que se despiertan cuando sienten su presencia, Vulcano es el responsable de la fabricación de una llave que le permite abrir todas las puertas del mundo. Además, cabe mencionar que en esta ocasión, Santa se transporta en un trineo tirado por unos siniestros renos mecánicos. Durante gran parte de la cinta, Santa se dedica a mostrarnos su castillo, sus costumbres, y a espiar a los niños en los cuales se centra el relato. Será recién durante la última media hora de metraje, que veremos cómo este viaja a la Tierra a repartir los regalos, y a enfrentarse con Precio, quien tiene una serie de sorpresas preparadas para su archienemigo (las cuales a decir verdad, no son demasiado elaboradas).

En el ámbito de las actuaciones, estas son más bien mediocres, aunque también hay que pensar que los actores hacen lo que pueden considerando la escasa profundidad de sus personajes. Aunque el Santa Claus de José Elías Moreno resulta simpático, inevitablemente adquiere un cariz algo siniestro debido a las costumbres antes mencionadas. Armando Arriola por su parte, interpreta a un Merlín con serios problemas de memoria, por lo que en gran medida se asemeja a un abuelo algo senil, mientras que José Luis Aguirre interpreta a un demonio bastante caricaturesco. Los diálogos distan de ser memorables, e incluso hay algunos que se repiten hasta el cansancio. Por otro lado, el trabajo de fotografía de Raúl Martínez Solares es bastante mediocre, al igual que la banda sonora de Antonio Díaz Conde, que toma prestadas una serie de canciones populares y las mezcla con música navideña. En cuanto al diseño de los escenarios, estos se asemejan bastante a los de las cintas de ciencia ficción serie B realizadas en norteamérica durante los cincuenta, lo que extrañamente le otorga un encanto especial a esta peculiar producción.

Aunque al momento de su estreno la cinta no obtuvo muchas ganancias en norteamérica, con el correr de los años adquirió el estatus de film de culto, lo que llevó a que K. Gordon Murray la exhibiera durante 30 años durante la época navideña. Y es que las diferencias culturales llevaron a Cardona a crear un Santa Claus proveniente de un universo paralelo, donde solo las buenas intenciones del protagonista se mantienen y se cambia todo lo demás. “Santa Claus” es una de esas películas que deben ser vistas por su “factor alucinógeno”, aún cuando la producción sea un completo desastre. La trama en si es casi inexistente (de hecho, da la impresión de que son pequeños episodios que están débilmente ligados entre sí), hay una buena cantidad de números musicales que dejan bastante que desear (y que son utilizados mayormente para sumarle minutos al film), e incluso se tiende a estereotipar las costumbres y las vestimentas de ciertas culturas, rozando peligrosamente el racismo. En definitiva, esta película pese a todo resulta entretenida, y es perfecta para aquellos que quieran ver algo distinto a los típicos clásicos navideños a los que estamos acostumbrados.

ENLACES:
http://thecinemasochist.wordpress.com/2 ... -vs-satan/
http://fantomas-cinemascope.blogspot.co ... nguna.html
http://thepiratebay.org/torrent/6067287/ Santa_Claus_1959_Cine_Mexicano_Jose_Elias_Moreno_Y_Pulgarcito
http://www.vagos.es/showthread.php?t=974988 Santa Claus 1959 [DVDR NTSC]Aud[Esp.Latino]Cine Mexicano[AVENTURA]
Las 10 películas peores peliculas de Navidad @ http://10curiosidades.com/las-10-pelicu ... e-navidad/

Las películas de: SION SONO / SHION SONO

2011-12-18T20:08:00.000-08:00

Hace 10 años ya que SHION SONO se ha hecho un hueco entre los directores de Cine de Culto japonés reconocidos internacionalmente.
Su carrera como director empezó en 1985 y es un contemporáneo, entre otros, de TAKASHI MIIKE, ya que nació en 1961, un año después que Miike.

Ya casi tiene en su haber 25 películas como director. La N°25 será Kenkichi (2012).
Bicycle Sighs aka Jitensha toiki (1991) creo que fue su primera película que salió de Japón. No soló la guionó y dirigió, sino que también la protagonizó.
Tuvo gran éxito de taquilla en Japón, y durante casi dos años se presentó en más de 30 festivales de cine de toda Europa y Asia.
Suicide Club aka Suicide Circle aka Jisatsu sâkuru (2001) fue su novena película. Y su primer gran éxito. La película llegó a los festivales de cine de todo el mundo como varios de sus proyectos anteriores (The Room aka Heya de 1992) pero está vez sería distinto.
Tokyo, Rotterdam, Philadelphia, el BAFICI, Hamburgo, Chicago, San Sebastián, etc. Lanzamiento en DVD en USA. Tocó el cielo con las manos.

El Club del Suicidio (2001) tuvo una precuela llamada La Mesa de Cena de Noriko (2005, Noriko's Dinner Table aka Noriko no Shokutaku).
Desde el principio esta película está marcada por la desmesura (la sangre salpica a baldazos la cámara) y por una serie de "stops" de corte naif que cortan el suspenso para dar paso a temas musicales y secuencias cómicas.

Como ya dije, comienza en una estación de tren. La secuencia arranca bajo los designios del film noir, con un montaje que sugiere que algo terrible va a suceder y con la nocturnidad propia del género, y desemboca cerca del gore, con un grupo de colegialas agarradas de la mano que saltan a las vías. Ventanillas salpicadas de litros de sangre y cabezas rebanadas extreman la secuencia. El último plano de tan impactante arranque deja claro que, por mucho que Sion Sono se haya dejado llevar por el rojo profundo, está familiarizado con los mecanismos del noir: un bolso blanco patina sobre un charco de sangre, esta será una de las pistas para recomprender el rompecabezas de ‘Suicide Club’, una película de misterio y de terror que parece salida del universo oscuro, crítico y sugerente de otro director japónes contemporáneo, el gran Kiyoshi Kurosawa (Kairo/Pulse, Tokyo Sonata).

Noriko's Dinner table toma lugar antes, durante y después de la primera película, propone a los espectadores atar los cabos sueltos que dejó la primera entrega y profundizar más en el concepto. Es considerada una película de culto en japón, posee su propia alma y una infinidad de significados para aquel que sepa descifrar su código, puesto, que como he dicho antes, es un filme críptico, y que además es lento, largo y se aleja del sensacionalismo comercial, buscando un lugar en los corazones de aquellos que la sepan apreciar.
El 2005 fue un año ocupado para Sono, ya que estrenó cuatro películas.
Into a Dream aka Yume no naka e (2005) y Hazard (2005) no tuvieron gran repercusión, pero si la tuvieron Noriko... y Strange Circus.
En Strange Circus aka Kimyô na sâkasu (2005), dirigió un drama que incluía violaciones, incesto, suicidio y asesinato.

Exte aka Ekusute (2007), fue otra película de terror. Una chica que sueña con ser peluquera, y un nuevo tipo de asesino en serie: el pelo (y sus extensiones) de un chica a la que extirparon los órganos mientras estaba viva.

Love Exposure aka Ai no mukidashi (2008), de más de cuatro horas de duración, es una visión crítica, rodada con extrema ironía, de las religiones, en particular del cristianismo, cuyo hilo conductor es el amor idealizado que sienten los personajes principales.

Comienza con una introducción que es casi una película en sí misma, un carrusel de lujuria con religión de fondo en la que su autor no duda en mezclar formas y en narrar con celeridad. Los retratos estilizados de la virgen María se combinan con el ágil montaje de cómo fotografiar a escondidas las bragas de las colegialas, un entrenamiento que parece salido de un filme de artes marciales. Entre la impresión en la pantalla del nombre del director, Sion Sono, y el título de la película transcurre una hora: puede ser un ejercicio de coherencia (si la cinta dura cuatro horas no es extraño que su presentación ocupe una cuarta parte) o, sencillamente, la obra de loco, de un cineasta que construye su cine sobre dinamita, dispuesto a volar por los aires las normas narrativas habituales para luego reinventarlas.

En el 2009 dirigió Be Sure to Share aka Chanto Tsutaeru (2009) en donde su protagonista lucha contra el cáncer de su padre y, ante la amenaza de una muerte inminente, comprende que debe expresar su amor y admiración por él antes que sea demasiado tarde. Otra que paso sin pena ni gloria.
Cold Fish (2010), es sobre un asesino en serie que además es comerciante de peces.

La película se basa en las hazañas de dos asesinos en serie de Tokio, Sekine Gen y Hiroko Kazama, marido y mujer, que eran dueños de una tienda de mascotas y asesinaron a por lo menos cuatro personas.

Guilty of Romance aka Koi no Tsumi (2011) es su último película estrenada comercialmente y por último Himizu (2011) que se estrenó y ganó un premio en Venecia hace 3 meses.

Guilty of Romance tiene todos los elementos clásicos de Sono: una disección oscura y sin concesiones de la sociedad japonesa y de lo más recóndito de la naturaleza humana, secuencias muy luminosas contrarrestando las oscuras, personajes fuertes que se sostienen por sí mismos, una comedia cruel y un realismo desgarradoramente hiperbólico.
Retrata la liberación de una mujer que, encorsetada en un matrimonio anodino, poco a poco va descubriendo los placeres y las perversiones del sexo, a través de la prostitución y la pornografía. Sono adereza el trayecto vital de la protagonista con colores saturados, luces de neón y rosados fluorescentes. ‘Guilty of Romance’ versa en torno a la lujuria y la perversión y así lo refleja su puesta en escena, su narración desbocada, dispuesta como una espiral que engulle tanto al personaje como al espectador.

Himizu (2011) está basado en el manga de Minoru Furuya, con unas modificaciones por parte del director para poder incluir en la historia la catástrofe del último terremoto en Japón. La historia ya estaba en mente del director y aprovechó la ocasión para cambiar parte del guión y así reflejar lo que el terremoto había supuesto para los japoneses.

SUS PELÍCULAS EN LA ÚLTIMA DÉCADA:
(6.60) - Suicide Club (2001)
(7.19) - Noriko's Dinner Table (2005)
(6.90) - Strange Circus (2005)
(6.83) - Into a Dream (2005)
(6.69) - Hazard (2005)
(6.43) - Exte: Hair Extensions (2007)
(7.98) - Love Exposure (2008)
(7.14) - Chanto tsutaeru (2009)
(7.19) - Cold Fish (2010)
(7.21) - Himizu (2011)
(7.08) - Guilty of Romance (2011)

ENLACES:
Wiki @ http://es.wikipedia.org/wiki/Sion_Sono
Website @ http://www.sonosion.com/
Asia-Team @ http://www.asia-team.net/foros/showthread.php?t=39948
http://anfibiamente.blogspot.com/search ... ion%20sono
http://elumiere.net/exclusivo_web/sitge ... s11_08.php
http://forthedishwasher.blogspot.com/se ... ion%20sono
http://japanmovieposters.blogspot.com/s ... ion%20Sono
http://madeinchinablog.wordpress.com/?s=sion+sono
http://numerocero.es/articulo/Manual-de ... n-Sono/309
http://phantomofpulp.blogspot.com/searc ... ion%20Sono
http://www.cultmoviez.net/search/label/Sion%20Sono
http://10kbullets.com/reviews/c/cold-fish-bluray/
http://www.blu-ray.com/movies/Cold-Fish ... creenshots
http://www.rockshockpop.com/forums/cont ... -Cold-Fish

El arte surrealista de: Clovis Trouille

2011-12-18T18:41:00.001-08:00

Camille Clovis Trouille (La Fère, Aisne, 24 de octubre de 1889, París, 24 de septiembre de 1975) fue un pintor francés.
Su pintura exaltaba el color y el erotismo, estaba cercana al surrealismo, y fue destacado en 1930 por André Breton. Sin embargo, se alejó de esa corriente reivindicando sus infliencias renacentistas.
No es muy conocido, ya que nunca persiguió la gloria. Pintaba como afición cuadros en los que el anticlericalismo y el antimilitarismo se repiten con frecuencia. Había sufrido un gran trauma durante la Primera Guerra Mundial. Se autodefinía como anarquista, y su obra debe mucho a la cultura de masas y al kitsch.

“El fracaso comercial es para mí, espiritualmente, un éxito, y la venta, un triste signo de conformismo burgués, al haber considerado siempre mi pintura como anarquizante, anticuada y anticomercial”

Algunas de sus obras pueden verse en el Museo de Picardía de Amiens.

La irreverencia de Clovis Trouille
Amiens expone la divertida y provocadora obra de su pintor menos ortodoxo

Hay artistas que nunca logran que les tomen en serio. Porque no lo merecen, porque ellos mismos no lo hacen o porque su vida diaria parece relativizar su condición de artista. Es el caso de Clovis Trouille, pintor surrealista al que recuerdan en Amiens en el Musée de la Picardie.
Trouille nació en la minúscula población de La Fére en 1889 y estudió en la escuela de Bellas Artes de la vecina Amiens. Empezó ahí a ejercitarse como ilustrador publicitario o colaborando con sus dibujos en la prensa local para instalarse definitivamente en París en 1920. En la capital trabajará para una misma empresa, Pierre Imans, que fabrica maniquíes para escaparates o personajes para atracciones de feria. Trouille se ocupará de maquillar y decorar esas figuras, en la mayoría de los casos femeninas.
Dotado de una buena formación académica, convencido de que sólo la figuración tiene sentido y gran aficionado a la fotografía, Clovis Trouille se sirve de esos tres parámetros para componer sus telas, de naturaleza altamente simbólica, siempre atravesadas por el humor. En ellas ridiculiza todos los poderes -el del dinero, el militar, el político, el de la Iglesia católica- en unas composiciones que son antecedentes de la figuración narrativa y del pop art. Respecto a la primera está el deseo de contar algo, de poner en relación los personajes, de reflexionar sobre un acontecimiento. Respecto al segundo movimiento, anticipa la utilización de toda una iconografía popular, así como la de técnicas de reproducción en serie.

La obra de Trouille es abiertamente erótica. Los desnudos femeninos no son ejercicios de estilo sino objetos de deseo. La obsesión por las nalgas y los pechos de las mujeres, siempre maquillados de un rojo oscuro, remite a esos maniquíes de los que Trouille vivía. Las escenas son variadas: Jesucristo se ha bajado de la cruz y se pasea riéndose por la catedral de Amiens; un tren ha descarrilado y eso excita la libido de algunos parisienses; una pareja de amantes se besa dentro de la iglesia; una monja fuma dejando ver su atrevida corsetería; llueve medallas sobre los muertos de la Primera Guerra Mundial; André Breton intenta burlar la vigilancia de los gendarmes que controlan la prisión de artistas y, sobre todo, Clovis Trouille pone en escena su propia muerte, ya sea en el ataúd y siendo objeto de una felación por parte de una dama de la que sólo vemos dos hemisferios blanquecinos, o en una comitiva en la que participan todas las fuerzas vivas.
¿Buen pintor? Nunca pretendió serlo. Es más, la simple idea de preocuparse por la precisión de la pincelada o por resolver los problemas de perspectiva se le antojaba una pérdida de tiempo. Trouille era un espíritu libre e iconoclasta al que un contemporáneo definió espléndidamente diciendo que era "un Aduanero Rousseau con huevos". Y quizá por eso, por su carácter directo, por su antiintelectualismo y su voluntario mal gusto, el Papa André Breton, que tenía uno de sus cuadros, nunca quiso incluirlo en ninguna antología de pintura surrealista. Ahora, en Amiens, adivinamos por qué.

ENLACES:
http://bxzzines.blogspot.com/2010/10/cl ... uille.html
http://www.elpais.com/articulo/revista/ ... irdv_5/Tes

Alien Love Triangle: El Sexo entre Especies en el cine (Parte 3)

2011-12-15T06:00:00.000-08:00

Algunas cosas que completan lo anteriormente posteado.

My Stepmother Is an Alien (1988) es genial.

Y me acordé de una que vi hace un par de años...

Alien Trespass (2009)

Website: http://www.alientrespass.com/

Encontré un artículo en inglés del que sacar algunas más...

Sex with Aliens in Science Fiction Movies
Sex with aliens has been a staple of the genre ever since its inception and has appeared in many guises and incarnations in science fiction movies. By turns, quirky, gross, terrifying, romantic, it captured the imagination of movie makers and audiences alike.
Let's look at some notable examples.

Sex with Aliens - Starman (1984)

The Starman is gentle, funny, disarming and vulnerable. You can find these adjectives attached to the noun "man" only in the Personal Ads. Equally good at defusing an argument and reviving dead animals. Loves apple-pie and whipped cream. They don't come sweeter than this.

Sex with Aliens - Superman (1978-1980)

The prodigy from Crypton is another example of a romantic alien lover. After many roles: bespectacled well-meaning klutz, a lonely demi-god, the most eligible bachelor among the superheroes, the "man (alien) of steel" seems to have finally come to embrace his humanity. When we last see him he looks ready and willing to make some major commitments. It will be interesting to see how he juggles the new-found responsibilities with his daytime job.

Sex with Aliens - Fifth Element (1997)

The Fifth Element gives you a fresh take on the Beauty and the Beast theme. To his credit, Corben Dallas is chasing the first kiss halfway across the galaxy, and before he gets it he fights the nasty space terrorists, criminals, and all kinds of cosmic low life, including a very, very unpleasant alien entity that wants to end all life. But, hey, it's not just any kiss, and it's not just any woman.

Sex with Aliens - Species (1995)

On a different note, the sultry alien seductress Sil from the Species is an example of a very sexy and very deadly alien. Alien having sex with human, alien having sex with another alien. Nothing is left to the imagination in the sizzling world of the Species and its sequels. If you can take it all, of course.

Sex with Aliens - Lifeforce (1985)

Did you see Lifeforce? If you didn't just so you know, don't trust a woman who walks around stark naked and wants to have sex with you on sight. She may be straight out of a looney bin or she may just be a deadly life-sucking alien of vampire variety.

Sex with Aliens - Galaxy Quest (1999)

Who says alien seduction can only land you in a trash can? Take a look at Galaxy Quest. There you have a very hot alien seductress, who happens to be very much in love with a human. Just bear in mind the old saw, beauty is in the eye of the beholder. If you're in the mood for some laughs? As far as sex with aliens goes it doesn't get funnier, or safer, than this.

Sex with Aliens - Coneheads (1993)

Actually, it does, if you happen to be watching Coneheads, which is yet another movie featuring very harmless and very amusing take on alien sex, to whit, even aliens can get jealous especially if they suspect their spouse for cheating on them with humans.

Sex with Aliens - Slither (2006)

Talk about marital sex and aliens and immediately Slither springs to mind. It is a black comedy I would recommend to all married couples. Works like the Ten Steps You Can Do When Your Marriage Starts Falling Apart. Believe me, you'll have lots of laughs, and shrieks, with Grant and Starla.

Sex with Aliens - The Faculty (1998)

Aliens meets Dawson's Creek, or The Faculty and steamy locker room romance with a difference. When I first saw The Faculty it finally dawned on me why I had never screwed up the nerve to peek into girls' showers. All the guys in the class had done it. Not I. Then twenty years later it came to me. I was afraid I might see her! The sexiest babe in the school shedding her human guise.
Another thing springs to mind when it comes to adolescent fantasies - well, of course, sex with your teacher. Is there a healthy adolescent who never dreamed about this? Luckily there are still fewer of us who have actually done it. Just see what happens to the dude in The Faculty.
Say what you like about sex with aliens in science fiction movies, whether it is humans having sex with aliens or aliens having sex with other aliens or aliens doing whatever, one thing is certain. Sex, love, romance, mating instinct, call it what you want, it remains one of the most powerful forces in this or any universe.

FUENTE: http://www.explore-science-fiction-movi ... liens.html

Esto aquí termina pero sigue aquí: http://www.forodvdmania.com/phpBB3/viewtopic.php?f=4&t=57011&start=0

Alien Love Triangle: El Sexo entre Especies en el cine (Parte 2)

2011-12-15T05:57:00.000-08:00

En los '60s tuvimos por un lado películas bizarras como Invasion of the Star Creatures (1962), Queen of Blood (1966, Curtis Harrington) o Space-Thing (1968) y por el otro a Jane Fonda como Barbarella (1968, Roger Vadim).
¿ Sexo con ángeles ? ... mmm, eso sería material para otro post (Date with an Angel, City of Angels, etc.)

En los '70s fueron Invasion of the Bee Girls (1973), The Rocky Horror Picture Show (1975) y The Man Who Fell to Earth (1976, Nicolas Roeg) que fue la contracara de Superman II (1978-1980, Richard Donner / Richard Lester), Bowie parece un Alien en serio y Superman es un Alien que en la segunda parte se humaniza para tener sexo con Louise Lane.

En Star Wars (1977-1983) no sabemos si hubo sexo entre los Aliens, pero suponemos que sí.

En los '80s Spaced Out (1979/81, Norman J. Warren) usó a Glory Annen, Ava Cadell y Kate Ferguson como reinas del espacio que "abducían" a un grupo de "caballeros ingleses".

Al igual que pasó con la temática Robots/Cyborgs/Androides, en los '80s hubo una explosión de películas en donde había Aliens y sexo.
Ya de por sí, el Alien de Ridley Scott parecía como una película en donde un violador persigue a una mujer pero en el espacio y con un Alien faliquísimo.
Por su culpa se empezaron a hacer montones de películas en donde criaturas extraterrestres "impregnaban" a las mujeres terrestres.
Aunque hubo de todo, vampiras del espacio, vainas, parientes de Alf de colores, etc.

Star Trek (1979-2009) y ni hablemos de las hazañas del Capitán Kirk en la serie de los '60s.

Galaxy of Terror (1981)

Inseminoid (1981, Norman J. Warren) llevó a la fama a Judy Geeson.

Parasite (1982, Charles Band) con Demi Moore.

Xtro (1983) con Maryam d'Abo.

Starman (1984, John Carpenter) y Sexmission (1984) Juliusz Machulski
Lifeforce aka Vampires from Outer Space (1985, Tobe Hopper) con Mathilda May.

Posters HQ @ http://www.wrongsideoftheart.com/2009/0 ... e-1985-uk/

Cocoon (1985, Ron Howard) y Cocoon: The Return (1988) con Tahnee Welch.

Evils of the Night (1985) y Breeders (1986)

My Stepmother is an Alien (1988) con Kim Bassinger y Not of This Earth (1988) con Tracy Lords.

They Live (1988, John Carpenter)

Dr. Alien (1989) y Earth Girls Are Easy (1989) con Geena Davis

En los '90s la cosa no arrancó hasta que se hizo Species, después ya la cosa se desmadró otra vez.

Coneheads (1993) con Michelle Burke

Vampire Vixens from Venus (1995) y Alien Abduction: Intimate Secrets (1996)

Femalien (1996) y Femalien II (1998)

Epsilon aka Alien Visitor (1997, Rolf de Heer)

Del director de Bad Boy Bubby (1993).

The Fifth Element (1997) con Milla Jovovich

Progeny (1998, Brian Yuzna) con Jillian McWhirter.

The Faculty (1998, Robert Rodriguez) con Famke Janssen.

Sex Files: Alien Erotica (1998) con Kira Reed y Gabriella Hall

Galaxy Quest (1999)

Emmanuelle In Space (1999) con Krista Allen

Y este siglo, las secuelas para el video de Species y cosas como estas...

Sex Files: Alien Erotica II (2000) con Kira Reed y Regina Russell

Species 3 (2004) y Species 4 (2007)

Decoys (2004) y Decoys 2: Alien Seduction (2007) con Kim Poirier.

Evil Aliens (2005)

Slither (2006) con Elizabeth Banks y Tania Saulnier

Alien Trespass (2009) con Emily Booth

Avatar (2009) con Zoe Saldaña

Ah... y como olvidarnos de este dúo que nos dejó la TV.

Pam Dawber y Robin Williams.

ENLACES:
http://blogs.indiewire.com/spout/9_grea ... sex_scenes
http://www.film4.com/galleries/alien-sex-in-the-movies
Alien: A Film Franchise Based Entirely on Rape @ http://www.cracked.com/article_18932_al ... -rape.html
http://www.myduckisdead.com/2011/07/gal ... clark.html
http://www.myduckisdead.com/2011/08/ins ... arren.html
http://www.myduckisdead.com/2011/04/xtr ... nport.html
http://www.myduckisdead.com/2010/06/sex ... ulski.html
http://www.myduckisdead.com/2010/05/not ... orski.html
http://www.myduckisdead.com/2011/10/the ... enter.html
http://www.myduckisdead.com/2011/06/dr- ... oteau.html

Alien Love Triangle: El Sexo entre Especies en el cine

2011-12-15T05:56:00.000-08:00

En el año 2002, Danny Boyle (Trainspotting, La Playa, 127 Horas) estrenó Alien love triangle (1999), una película de corta duración de género cómico / ciencia ficción. El estreno fue parte de la ceremonia de clausura del teatro más pequeño de Gales, La Charrette (con sólo 23 asientos).

La película, originalmente, iba a ser drigida por Kevin Smith (cuando no, ja ja ja) que pensaba estrenarla como parte de una trilogía que se estrenaría al mismo tiempo ya que cada película sería un corto de aproximadamente 30 minutos de duración (y que juntas armarían algo así como una antología de Ciencia Ficción), pero el proyecto de estrenarlas juntas fue finalmente cancelado.
Las otras películas cortas de esta "trilogía" se convirtieron finalmente en largometrajes: Mimic (1997, Guillermo Del Toro) e Impostor (2002, Gary Fleder). Basadas en relatos de Donald A. Wollheim y Philip K. Dick respectivamente, mientras que la rareza del grupo era Alien Love Triangle, escrita por el guionista de Danny Boyle, John Hodge.

El argumento es más o menos así: El profesor de física Steven Chesterman finalmente cumple su largamente acariciado sueño de perfeccionar un dispositivo de teletransporte y corre a casa a decirle a su esposa, Alice. Pero ella también tiene una noticia para darle: ella es una extraterrestre hombre disfrazado de una hembra humana. A continuación, llega Elizabeth, otro extraterrestre cuya misión es escoltar a Alice en su regreso al planeta Nulark.

El elenco estaba conformado por Kenneth Branagh como Steven, Courteney Cox como Alice y Heather Graham como Elizabeth.
Courteney Cox cuenta en la entrevista que hay en Youtube en el Rosie O'Donnell Show que interpreta al personaje basándose en su hermano y que Heather Graham hace de su esposa. Un disparate total, pero que mejor manera de abrir este nuevo post que con la historia de un corto que solo vieron 23 personas, realmente es algo de otro planeta.

Sin duda que las películas que redefinieron por última vez El Sexo con Aliens en el cine fue Species (1995, Roger Donaldson) y su secuela Species II (1998, Peter Medak)

UN ALIEN EN LA CAMA
Se presentó y fue elegida entre más de 800 aspirantes por el director Roger Donaldson.
La película, que no pasará a los anales del cine (yo apuesto a que sí), se convirtió en un éxito precisamente gracias a la aparición de Natasha en el papel protagonista de Sil, la "marciana" fruto del cruce de un ADN llegado del espacio con un óvulo humano. El bello bicho siente de repente la llamada del celo y se dedica a buscar pareja con el afán de una mantis religiosa. El resultado es un insecto de considerables proporciones y la apariencia externa de la propia Natasha, es decir, un verdadero impacto visual que cautivó a los espectadores hasta el punto de propiciar la continuación de la saga con el rodaje de un Species II, dirigida por Peter Medak, que ahonda más en el mensaje de dos alienígenas, macho y hembra, intentando reproducirse a toda costa.

Natasha Henstridge le puso la cara y el cuerpo a Sil en las dos primeras entregas, y luego vinieron Sunny Mabrey y Helena Mattsson en las otras dos que se lanzaron directo al video en 2004 y 2007 respectivamente. Pero rebobinemos un poco, porque la cosa se inicia en los años '50s.

Abbott and Costello Go To Mars (1953) y Cat-Women of the Moon (1953)

Durante los años cuarenta, Bud Abbott y Lou Costello protagonizaron una serie de películas que parodiaban a los personajes clásicos del cine de terror de la Universal, como Drácula, Frankenstein, el hombre lobo o la momia. Llegados los años cincuenta, el éxito del cine clásico de terror había menguado, siendo reemplazado por la ciencia ficción, que durante esa edad de oro alcanzó una edad de oro, cualitativa, pero en especial cuantitativa.
No es por ello de extrañar que, llegados a este punto, abandonaran los monstruos sobrenaturales y se internaran en emular el cine fantacientífico que por aquel entonces se hacía. Un émulo bastante fiel, pues si eliminásemos los insertos humorísticos, sería muy similar a películas de la época como Red Planet Mars (1952, Harry Horner). De hecho, inclusive algunos de los decorados se reaprovecharon para una película seria como fue This Island Earth (1955, Joseph M. Newman y Jack Arnold), a tal nivel de convicción llegaban éstos.
La imaginería de ese Venus es apabullante, y recuerda bastante a lo que se haría en la película de ese mismo año Cat-Women of the Moon (1953, Arthur Hilton).

Las mujeres gato de la Luna
Una expedición espacial al mando del Comandante Laird Grainger, aterriza sobre la cara oculta de la Luna. La navegante Helen Salinger guía la expedición hacia una cueva en la que descubren un mundo habitado por mujeres gato que han eliminado a los hombres de su especie. Las mujeres gato revelan que atrajeron a Helen telepáticamente hacia ellas. Planean robar la nave para regresar a la Tierra y liberar a las mujeres terrícolas del poder masculino.
La película tiene momentos inolvidables (la pelea con las arañas gigantes, o el baile de las Mujeres Gato), y tiene también diálogos que lindan con lo absurdo (Kip, al conocer a las Mujeres Gato, le dice a Helen: “Helen, hablan inglés”; Helen responde: “Sí, pertenecen a una cultura muy antigua. Su sistema de comunicación es mucho más avanzado que el nuestro”)

Devil Girl from Mars (1954) y Fire Maidens of Outer Space (1956)

'Devil Girl From Mars', la marciana que quería sexo terrestre

No creo que haya muchas actrices cuyos títulos referenciales en su carrera sean una superproducción como Quo Vadis y un film de serie B como Devil Girl From Mars, pero ése es el caso de Patricia Laffan, una gran actriz que habría merecido mejor suerte y una carrera cinematográfica más potente; seguro que habría podido dar más de sí. Su reptiliano papel de Popea en Quo Vadis lo demuestra.

El argumento es simple: en Inverness, Escocia, ha caído un gran objeto no identificado del cielo en algún lugar del campo. Unos lugareños serán testigos de algo completamente delirante, una nave espacial tripulada por una mujer y su robot ha aterrizado allí. Su misión no es otra que la llegar a Londres para dominar a los humanos, y concretamente a los hombres, ya que éstos empiezan a extinguirse en Marte debido a una guerra de sexos que hubo allí. Como las marcianas no quieren extinguirse necesitan al macho terrestre para que la especie continue con vida. ¿Lo conseguirá?

Love-Starved Amazons in Outer Space
<--- Susan Shaw
Durante ka primera mitad de la década de los 50 Susan Shaw interpretó papeles principales que le depararon encuentros con Dirk Bogarde en “Woman in question” (1950) de Anthony Asquith, con Robert Newton en “Waterfront” (1950) de Michael Anderson o con Laurence Harvey en la película dirigida por Lewis Teague “There is another sun” (1951).
Con el transcurso de la década fue interviniendo principalmente en personajes secundarios, destacando su participación en la película de ciencia-ficción realizada por Cy Roth “Fire maidens from outer space” (1956).

Fire Maidens of Outer Space es una película de ciencia ficción de los años '50 que gira en torno a un viaje espacial hacia la 13ª luna de Júpiter. Al llegar a su destino, lo que la expedición encuentra es un sitio que posee características similares a las de la Tierra y que está habitado por bellas jovencitas que se la pasan todo el día en minifalda.
En dicho satélite también viven otros dos personajes: un hombre mayor que dice ser el padre de todas las mencionadas jovencitas y último ejemplar masculino sobreviviente; y una horrible criatura que es descrita como "un hombre con la cabeza de una bestia".

The Astounding She-Monster (1957) y I Married a Monster from Outer Space (1958)

Primer proyecto dirigido por Ronnie Ashcroft, The Astounding She-Monster se inspira en Devil Girl from Mars, Day the World Ended y Ultimátum a la Tierra. Pero es al cine de Ed Wood al que más se parece. Con su extraterrestre plateada y con tacones de aguja (interpretada por la playmate Shirley Kilpatrick), sus paupérrimos efectos especiales, sus actores de segunda clase y sus diálogos existencialistas, The Astounding She-Monster se clasifica junto a Plan 9 from Outer Space como una de las peores pero más cómicas birrias de la historia del cine. ¡Suculenta!

Me casé con un monstruo del espacio exterior
Es bastante probable que una mirada teñida de superioridad sería motivo suficiente para destrozar literalmente este pequeño título de la S/F cinematográfica de la segunda mitad de los 50. I MARRIED A MONSTER FROM OUTER SPACE (1958, Gene Fowler, Jr.). La pobreza de la recreación de los alienígenas o la extrema simpleza de sus efectos especiales son elementos que en unos tiempos en los que los dólares sobre la mesa o la simple digitalización parece que todo lo arregla, indudablemente invitarían a la sonrisa al contemplar esta simpática variación –y hasta cierto punto trivialización- de la clásica LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (Invasión of the Body Snatchers, 1956. Don Siegel).
La película es tremendamente entetenida. Los efectos especiales buenos e ingeniosos, teniendo en cuenta lo chungos que solían ser en este tipo de producciones. Tampoco hay que ser un lince para intuir que tras este desquiciado argumento se escondía una nada sutil metáfora: que el amor y la pasión se acaban siempre con el matrimonio.

Queen of Outer Space (1958) y Missile to the Moon (1958)

En el cine, al igual que en la literatura, mitología,…, desde sus inicios ha existido un subgénero en el que aventureros, náufragos, astronautas,… Hombres en general, se encuentran con civilizaciones perdidas compuestas sólo por mujeres. Oportunidad para mostrar mujeres ligeritas de ropa y, en la mayoría de los casos, presentar un mensaje marcadamente machista ya que en casi todos los filmes se deja claro que la mujer sin el hombre no puede vivir.

Y este es un claro ejemplo de ello, ya que nuestros náufragos espaciales llegan a Venus (no podía ser otro, tenía que ser Venus) encontrándose con un planeta habitado sólo por mujeres ya que el hombre ha sido erradicado por ser sinónimo de dominación, violencia y belicismo. Aunque existe un grupo de subversivas que añoran la compañía masculina, y que ayudarán a nuestros protagonistas a derrocar el gobierno tiránico anti-hombres, para restablecer “el orden natural de las cosas”.

“Queen of outer space” podríamos considerarla como una fantasía sexual interestelar por dos razones: en primer lugar ya que el único planeta habitado del Sistema Solar, además de la tierra, está completamente lleno de preciosas mujeres en minifalda ansiosas (aunque sea en su fuero más interno) de hombres. Y, en segundo lugar, porque unos pocos astronautas muy machotes conseguirán cambiarlo todo y destruir su orden establecido, domándolas a fuerza de piropos y seducción.

Sí, amigos. “Queen of Outer Space” es mala con avaricia. Con unos decorados cutres a más no poder (se nota que es de muy bajo presupuesto), unos efectos casi inexistentes (lo mejor las imágenes de archivo del lanzamiento) y que en verdad ha adquirido en algunos sitios el carácter de película de culto porque la protagoniza es la exuberante Zsa Zsa Gabor.

En Missile to the Moon, la población selenita que habita las entrañas de los cráteres que desde aquí vemos la componen una serie de alegres misses (Miss Illinois, Miss Nebraska, Miss Arkansas, Miss Oklahoma...), seguramente engañadas por Cunha a la salida de un concurso de belleza. Fama, fortuna y gloria inmortal debió prometerles, y miren por dónde, los fans hemos acabado por darle la razón.
Mozas espectaculares, minifalderas, escotadas y con sandalias de tacón, que dedican su tiempo -en un mundo cerrado que desconoce lo masculino- a pasear indolentes por la corte de quien es su soberana, una buena mujer empeñada en lucir un extraño armatoste en la cabeza símbolo de su omnímodo poder. Su monótona existencia se ve alterada cuando desde América arriba al satélite el cohete de un sabio, tripulado por cuatro varones y una hembra harto más recatada, que van a revolucionar en un santiamén la diminuta civilización lunar. Una araña gigante, un golpe de estado, una cámara de torturas y varios monstruos de piedra viviente completan el exótico panorama.

Sí, ya imagino que se han dado cuenta de que ni su planteamiento, ni su desarrollo ni su ejecución son muy originales; aún así, Missile to the Moon es puro artefacto Pop, sin duda la más refrescante de todas las incursiones de los astronautas humanos en el Espacio ingenuo y carnavalesco de los años cincuenta. Qué quieren: es ágil, desvergonzada, corta, simple y eficaz... ¡Este cine tontuelo y chispeante cada día me gusta más...!

ENLACES:
http://vintage-erotica-forum.com/t25802 ... ridge.html
http://www.xjuggler.de/product/1483769-Species-III/
http://perramuerte.blogspot.com/2010/06 ... ies-4.html
http://www.zodcaps.com/zodcapz/h/helena ... index.html
http://www.pasadizo.com/index.php/compo ... pe=critica
http://capricornio-uno.blogspot.com/200 ... -vose.html
http://www.octavosentido.com.ar/ver/46/ ... -moon.html
http://www.blogdecine.com/criticas/devi ... -terrestre
http://grimoriovoynich.blogspot.com/201 ... -1954.html
http://www.golobthehumanoid.com/devilgirl.html
http://www.alohacriticon.com/elcriticon ... e1721.html
http://b-flicks.blogspot.com/2010/05/fi ... -1956.html
http://www.wrongsideoftheart.com/2010/0 ... e-1956-uk/
http://latelier13.es/2009/10/the-astoun ... e-monster/
http://thecinema.blogia.com/2005/100201 ... r-jr.-.php
http://capricornio-uno.blogspot.com/201 ... -vose.html
http://teenagethunder.wordpress.com/201 ... ter-space/
http://eroticscifi.blogspot.com/2011/11 ... -1958.html
http://weirdposters.blogspot.com/2008/0 ... 8-usa.html
http://zontarmag.blogspot.com/2011/10/imdb.html
http://eldesvandelabuelito.blogspot.com ... -moon.html
http://templeofgodrobert.blogspot.com/2 ... earth.html
http://www.moviepostercollectors.com/VL ... index.html
http://belladonna.org/Gynotopia/venusneedsmen.html

La vida sexual de los robots: Robots sexys en el cine y la TV (Parte 3)

2011-12-15T05:51:00.000-08:00

¿ Había una androide femenino en esa película ?

Me acordé de otra... Bernadette Peters como Aqua en Heartbeeps (1981)

Heartbeeps (1981) DVD-Video - Director: Allan Arkush @ http://www.forodvdmania.com.ar/phpBB3/v ... =7&t=36356
Fotos: http://www.themakeupgallery.info/fantas ... tbeeps.htm

Eve of Destruction (1991) también tiene una página en esa web. La actriz era Renée Soutendijk.

Fuente: http://www.themakeupgallery.info/fantasy/robot/eve.htm

Otra película... Beyond the Rising Moon aka Outerworld (1987) con Tracy Davis.

Joan Cusack en Toys (1992) era un robot.

Solar Crisis (1990) con Annabel Schofield

Directed by Alan Smithee, que en ese caso fue Richard C. Sarafian, director del clásico Vanishing Point (1971), una de las películas que inspiraron Death Proof de Tarantino.

Sin estrellitas aquí: http://wijzeman.wordpress.com/2008/09/0 ... wel-naked/
Y aquí: http://www.celebritymoviearchive.com/to ... e.php/1814

En la TV ha habido muchísimas. No quería comentar mucho sobre las Robotinas de la TV, pero ya que estamos...

A For Andromeda (serie inglesa de los '60s con Julie Christie y luego Susan Hampshire como Andromeda)

Ver: http://cosmobells.blogspot.com/2008/03/ ... rough.html
Amazon.co.uk: http://www.amazon.co.uk/The-Andromeda-A ... 000FPV8IS/
Tuvo una poco inspirada remake en 2006.

My Living Doll (1964-65) con Julie Newmar como Rhoda Miller

Posteriormente inmortalizada como Gatúbela en la serie Batman.

Lost In Space (1966-67) con Dee Hartford como Verda

Ver: http://irwinallen.wikia.com/wiki/Verda

Get Smart (El Superagente 86) con Gayle Hunnicutt como Octavia (ya nombrada)

En los '70s obviamente están las Fembots de El Hombre Nuclear / La Mujer Biónica que ya nombré al principio junto con Austin Powers que las recuperó del olvido.

En los '80s la más famosa probablemente haya sido Vicky the Robot de la serie Small Wonder (1985–1989)

La actriz era Tiffany Brissette.

En los '90s creo que no hubo una robotina destacada, salvo las del anime y cosas por el estilo que hay muchas.

Y obviamente en la última década, las ya nombradas de las series Galáctica y las varias Borgs de Star Trek (serie y/o películas).

A mi me encanta Alice Krige... me acuerdo de Habitat, Sleepwalkers, etc.

Y no olvidarse de Cameron de Terminator: The Sarah Connor Chronicles con Summer Glau.

Y Shirley Manson que entró en la segunda temporada.

Sin duda lo de Tricia Helfer de rojo fue insuperable.

La Marilyn Monroe de las robotinas.

Fuente: http://daily-celeb.net/tricia-helfer/

Aunque está claro que es otra actriz (al igual que Yvonne Strahovski) que cultiva ese look onda Brigitte Lahaie que tanto me gusta.

CLAB escribió:Leo Andromeda... y me acordé de Lexa Doig!

Tremenda esa chica Lexa Doig. Algunas fotos de calidad.

Hay un website tremendo sobre Andromeda aquí: http://trance-gemini.com/wordpress/

Una de Lexa Doig en otro rol...

A ver a Lisa Ryder en Jason X...

Y en Andromeda... y en otro lado.

Esto sigue aquí: http://www.forodvdmania.com/phpBB3/viewtopic.php?f=4&t=56897&start=30#p762148

La vida sexual de los robots: Robots sexys en el cine , la música y la TV (Parte 2)

2011-12-15T05:46:00.000-08:00

Continuando con una entrada anterior...

Y... en la TV hubo muchas robotinas... después veo que encuentro.

En Star Trek ya desde la película de 1979 se abordó el tema, la gran Persis Khambatta.

El gran Hajime Sorayama hizo esto en los '90s...

http://webringjustice.wordpress.com/200 ... robot-art/

En la música también hubo, recuerdo un video de Mick Jagger.

Hard Woman (Mujer Dura), todo un homenaje a las robotinas.

Ah, y como olvidarse de las Fembots...

Que creo que se originaron en La Mujer Biónica.

Volviendo a la música...

Aerosmith's Just Push Play

Björk - All if full of love

Fuente: http://www.cyberpunkreview.com/movie/st ... l-of-love/

Algo de Futurama...

Me da gracia que use la frase Programmed for Pleasure, o sea, el título de una porno de 1980 que ya mencioné en el segundo post de este hilo.

Lo que más me ha gustado siempre de Duran Duran son sus videos.
La modelo de ese video es Myka Dunkle. También participa Devon Aoki.

La direccion fue de la fotógrafa Ellen von Unwerth y la muñeca robot fue interpretada por la modelo norteamericana Myka Dunkle. Simon Le Bon contó durante una entrevista con Carson Dailey en Total Request Live que Von Unwerth especificamente pidió que Dunkle interpretara a la robot, a pesar de que la banda tenía otras modelos y amigas, incluyendo a Sophie Dahl ( quien aparece también en varias escenas del video, ya que Dunkle poseía background como bailarina y la habilidad de realizar "la mímica que era requerida para imitar a un robot."
Partes del video fueron censuradas en MTV y VH1.
También hay un cameo de la actriz Devon Aoki (2 Fast 2 Furious)
La razón por la cual incluyo este video musical en la lista de los buenos es que el ritmo de la canción, la letra y el glam necesario esta muy bien acompañado de las imágenes y la edición realizada. La actuación de Myka Dunkle es muy buena también

El otro video famoso de DD de esa época era GIRLS ON FILMS, que se puede encontrar UNCUT en TPB.

ENLACES:
http://thepiratebay.org/torrent/4204712 ... red%29.avi
http://www.durancroatia.com/privatecollectionpage.html

Revista Heavy Metal

ARCEE, la Transformer femenina.

Dejo un par de enlaces...

Androids and Robots in the Movies @ http://www.androidworld.com/prod07.htm
List of fictional robots and androids @ http://en.wikipedia.org/wiki/List_of_fi ... d_androids
Notable Robots or Droids in Sci-Fi Films @ http://www.filmsite.org/sci-fifilms6.html
Top 85 Robot Movies @ http://www.onlygoodmovies.com/blog/movi ... ot-movies/
Robots On Film - Chronological List of Film Titles (1890-1979) @ http://www.podster.pwp.blueyonder.co.uk ... hron1.html
Robots On Film - Chronological List of Film Titles (1980-Present) @ http://www.podster.pwp.blueyonder.co.uk ... hron2.html

I am not a robot

can you teach me how to feel real?
can you turn my power on?
well, let the drum beat drop
guess what? i’m not a robot
guess what? i’m not a robot

La vida sexual de los robots: Robots sexys en el cine

2011-12-15T05:42:00.000-08:00

INTRODUCCIÓN:
Todos hemos oído hablar de las "fucking machines" y el que no lo haya hecho aquí lo está oyendo.
Y no, no estoy solamente insultando a los robots, si quieren averiguar que son las "fucking machines" vayan a los enlaces al pie.
Pero volviendo al tema robots en el cine, que es lo que nos convoca, este post intentará mostrar un panorama de la evolución de los "sexy robots" en el cine.
No, Arnold no fue el primero ni lo considero sexy, sin duda podría arrancar con Metrópolis, pero esa ya la conoce todo el mundo, así que lo mejor va a ser arrancar con la década del '80 que fue el gram boom de los robots en el cine.
Pero antes, un resumen de uno de los últimos trabajos del artista plástico Michael Sullivan.

Robots cinematográficos y/o pornográficos

Empezaron siendo meros muñecos, pero la formación de Michael Sullivan como animador y productor cinematográfico le llevó a convertirlos en los protagonistas de la película Sex Life of Robots. El film gira en torno a una excitante institutriz que muestra a los bebés que tiene a su cargo todo lo que deben saber para introducirse en las artes amatorias.
“Es como una película porno de otro planeta, con secuencias muy creíbles sobre la eyaculación de las máquinas”, explica Sullivan.
La cantante de Blondie, Deborah Harry, ha prestado su imagen a Michael Sullivan para “encarnar” a la robótica diosa-niñera que protagoniza esta película de máquinas y sexo

ENLACES:
ROBOMIKE'S WEBSITE: http://www.robomike.com/1-Sex_Life_of_Robots.html
Robotsutra: ¿sueñan los robots con posturas eléctricas? @ http://www.gizmodo.es/2008/04/14/robots ... ricas.html
http://www.quo.es/sexo/curiosidades/rob ... s_articulo
http://www.taringa.net/posts/videos/305 ... Harry.html
http://www.fuckingmachines.com/
http://thepiratebay.org/search/fucking+machines/0/3/500

Robot Women & Film: The Bad Girl 'Bots
Un intento de listado de películas que contienen "sexy robots", "sexy cyborgs" o "sexo con robots" de los '80s en adelante...
Como ya dije dejo Metropolis (1927) de lado, aunque sería imposible empezar este listado sin incluír un par de películas setenteras como The Stepford Wives (1975) y Demon Seed (1977, Donald Cammell).

Desde los primero dias del cine, los contadores de historias han estado fascinados con la imagen de la mujer mecánica. María, la oscura y destructiva 'fembot' de Metrópolis (1927) requiere muy poca presentación y ha capturado por completo el imaginario cultural.

Podemos decir que Maria es el prototipo de las "chicas malas robot" que la siguieron. Las chicas malas robot parecen estar patologicamente procupadas por la destrucción de la humanidad y esto permanece un rasgo de carácter dominante de las mujeres robot en el cine. A diferencia de sus contrapartes masculinas (Terminator, Robocop, etc.) ella rara vez encargada de mantener o restaurar el orden en nombre del estado. Y si lo hace, inevitablemente sufrirá un malfuncionamiento, se rebelará, o ambas cosas a la vez.

Galaxina (1980) con Dorothy Stratten

Programmed for Pleasure aka La Femme Objet (1980, XXX)

Heavy Metal (1981)

Humanoid Woman aka To the Stars by Hard Ways (1982)

Android (1982) con Kendra Kirchner (no tiene parentesco alguno)

Blade Runner (1982)

Deadly Friend (1986)

Cherry 2000 (1987)

Programmed to Kill (1987)

Spaceballs (1987)

I Love Maria aka Roboforce aka Tie jia wu di Ma Li A (1988, Hong Kong)

Cyber-C.H.I.C. (1989)

Not Quite Human II (1989)

Eve of Destruction (1991)

Robotrix aka Nu ji xie ren (1991)

Cyborg 2 (1993)

Ghost in the Shell (1995, Japón)

Robot Stories (1995)

Veronica 2030 (1998)

Bicentennial Man (2000)

Artificial Intelligence: AI (2001)

Perfect Lover (2001)

Terminator 3: Rise of the Machines (2003)

I'm a Cyborg, But That's OK aka Ssaibogeujiman gwaenchanha (2006, Corea)

Cyborg Girl aka Boku no kanojo wa saibôgu (2008, Japón)

RoboGeisha (2009, Japón)

Transformers: Revenge Of The Fallen (2009)

Erotibot (2011, Japón)

Si buscamos al robot hombre, una comedia ochentera infaltable es Making Mr. Right (1987) con John Malkovich.
Jean-Claude Van Damme fue Cyborg (1989) y Russell Crowe demostró sus virtudes en Virtuosity (1995).
RoboDoc (2009) y Terminator Salvation (2009) son también ejemplos recientes del uso del robot masculino.

A ellas también les gusta el hombre mecánico, entero o por partes.

ENLACES:
GALAXINA (DOROTHY STRATTEN) (1980) http://dimensionfantastica.blogspot.com ... -1980.html
ROBOTRIX (AMY YIP) (1991) http://www.katanasycolegialas.es/pelicu ... echo-mujer
ROBOFORCE (MARIA TE QUIERO) (1988) http://terrorfantastico.com/foro/index. ... ic=12656.0
BICENTENNIAL MAN (GALATEA) (2000) http://www.themakeupgallery.info/fantas ... imankw.htm
EROTIBOT (MARIA OZAWA) (2011) http://www.katanasycolegialas.es/pelicu ... poco-robot
http://glendashaw-garlock.blogspot.com/ ... -bots.html
http://www.androidtabletfanatic.com/and ... -androids/
http://www.coolorama.com/nerdbastards-c ... le-robots/
http://en.wikipedia.org/wiki/List_of_fictional_gynoids

Las películas de: Lewis Teague

2011-12-15T05:33:00.000-08:00

imdb.com dice:

Extremely efficient and underrated director Lewis Teague was born on March 8th, 1938, in Brooklyn, NY. He apprenticed with director Sydney Pollack at Universal Television, and was a production manager on the landmark rock concert documentary Woodstock (1970).
Teague found gainful employment working for legendary producer Roger Corman throughout the 1970s: he handled second-unit director chores on Death Race 2000 (1975), Thunder and Lightning (1977) and Avalanche (1978) and served as an editor for Monte Hellman's outstanding Cockfighter (1974) and Jonathan Demme's delightful Crazy Mama (1975). Teague also tackled second-unit director responsibilities on Samuel Fuller's classic World War II epic The Big Red One (1980).
Teague made his feature debut as the co-director of the entertainingly trashy Dirty O'Neil (1974). He followed this with the lively Depression-era crime exploitation winner The Lady in Red (1979), which he also edited. The witty horror-creature feature Alligator (1980) and the gritty urban vigilante opus Fighting Back (1980) (TV) were likewise solid and satisfying movies. Teague directed two superior Stephen King adaptations in the 1980s, the terrifying Cujo (1983) and the immensely enjoyable anthology outing Cat's Eye (1985). His other films include the fun Romancing the Stone (1984) sequel The Jewel of the Nile (1985), the exciting action romp Navy Seals (1990), the cool futuristic sci-fi offering Wedlock (1991) and the nifty made-for-TV supernatural shocker The Triangle (2001) (TV). In addition to his film work, Teague has directed episodes of such TV shows as "The Alfred Hitchcock Hour" (1962), "Barnaby Jones" (1973), "Shannon's Deal" (1990), "Profiler" (1996) and "Nash Bridges" (1996). After a regrettable five-year absence from directing, Lewis Teague made a welcome comeback with the dramatic short Cante Jondo (2007).

El eficiente y “subestimado” o “infravalorado” director Lewis Teague, empezó en la TV como aprendiz de Sidney Pollack.
De ahí paso a trabajar con el productor Roger Corman en donde sirvió como Director de la segunda unidad y editor en un montón de películas entre las que se incluye Death Race 2000 (1975) y Crazy Mama (1975).

Finalmente debutó como co-director en Dirty O'Neil (1974). Su debut como director en solitario sería en 1979 con The Lady in Red (1979), película que además editó.

Sus grandes éxitos vendrían en la década del '80 con: Alligator (1980), dos adaptaciones de novelas de Stephen King: Cujo (1983) y Cat's Eye (1985) y la divertida La Joya del Nilo / The Jewel of the Nile (1985).

Cerraría la década con Collision Course (1989) una 'buddy movie' en donde Pat Morita se alía con Jay Leno (si, Jay Leno, ) y Navy Seals (1990), una de paracaisistas capturados por "terroristas con armas de destrucción masiva" (:lol: ) con un elenco que incluía a Charlie Sheen, Michael Biehn y Bill Paxton.

Las joyitas de su filmografía probablemente sean la olvidada Fighting Back / Death Vengeance (1982) con Tom Skerritt, Patti LuPone, Michael Sarrazin y Yaphet Kotto; la copia barata de The Running Man llamada Wedlock (1991) con Rutger Hauer, Mimi Rogers, Joan Chen y James Remar (el actor que hace del padre de Dexter) y el especial para la TV titulado The Dukes of Hazzard: Reunion! (1997) en donde reunió al elenco original de Los Dukes de Hazzard.

No volvería a dirigir cine hasta el 2010, en donde hizo Charlotta-TS (2010), una comedia bizarra con la actriz Laura Bayonas.

Aquí van algunas muestras del arte setentero/ochentero, algo que se perdió casi por completo en los '90s con el Photoshop, lamentablemente.

Los '70s y '80s:

Los '90s:

Lewis Teague's MOVIE POSTERS @ http://www.c1n3.org/t/teague01l/index.html
Navy Seals MOVIE POSTERS @ http://mymovies.ge/ka/movie/1990/Navy+Seals/posters

Las películas de: BERTRAND BLIER

2011-12-15T05:31:00.000-08:00

Otro director francés con el que ando metido ultimamente es BERTRAND BLIER.

Sobre Bertrand Blier... Una delicada capa de absurdo - Por Diego Ruiz

Bertrand Blier (Francia, 1939) es básicamente un escritor, como él mismo lo afirma, y como lo ha ratificado con una permanente presencia literaria y escénica en el espectro artístico francés y europeo. Sin embargo, el medio que ha permitido nuestro acercamiento a sus cualidades creadoras no ha sido precisamente la novela o el teatro, ha sido el cine. Entre 1974 y 2010 ha dirigido 16 largometrajes, que además de plasmar su potencialidad narrativa y dramática, han fracturado de manera sana las estructuras formales del arte audiovisual. Ha unido con meticulosidad piezas diminutas de originalidad hasta configurar un estilo de amplias direcciones interpretativas, oblicuas figuras narrativas, espejos de fría intimidad y personajes pulcros al igual que llenos de aberración. Bertrand Blier lidera una intención estética que demanda la atención en el mejor sentido: para comunicar las reflexiones de un hombre inteligente, él mismo.
El margen de las consideraciones de Blier respecto al drama humano es de indistinta definición debido a una intensa capa de absurdo, una característica de automática lectura en todas sus realizaciones. Un absurdo dominante en sus personajes y extendido a los ambientes, a los hilos conductores de las historias y a cada cuadro representado. Pero lo contrario, lo opuesto a la razón, el sin sentido; se oscurecen más que de por sí cuando se acompañan de estructuras dramáticas simples, razonables y con pleno sentido. De este modo, los argumentos que Blier expone se aproximan a cierta indefinición en la que siendo temas cotidianos del discurso existencial se esfuman en la forma; y por otra vía, esos mismos argumentos se distinguen con brillantez siendo representaciones sentimentales encarnadas por sus personajes.

Un caso ejemplar de lo anterior puede ser el que se desarrolla en Beau Père (Tu me hiciste mujer, 1981), su quinta película, cuando Rémi (Patrick Dewaere) siendo el padrastro de Marion (Ariel Basse) se enamora de su hijastra y ésta de él, luego de la muerte de la madre. El absurdo aparece al revolucionar la relación de un padrastro de 30 años con su hijastra de 14 en una relación amorosa. Pero este impresionante artilugio sumergido en la casualidad y el amor se difumina lentamente al permitir el delicado desenlace del absurdo en cada uno interiormente; es decir, las circunstancias que envuelven a Rémi lo arrojan hacia un cúmulo de sentimientos dramáticamente más conmovedores que la fachada de un semi-incesto. Igualmente, la actitud de Marion es más cautivante en tanto más ansiosa de amor y menos sometida por el contexto.
Así pues que hablar de los asuntos o temas cinematográficos de Blier podría ser la proposición de palabras que se evaporan, como se evaporan esos mismos temas en sus películas ante el estallido dramático de los personajes. Esos brotes interpretativos son una textura audiovisual en el marco de sensaciones que abruman, son dibujos infectos de alma; son el tornillo colosal que sujeta un entorno apesadumbrado, girando hasta dejarlo caer y liberarse, girando hasta asirlo con fuerza y soportar su revoltijo, o sin girar y aún así, desprenderse sin explicación o mantenerse aprisionado. Son los personajes de Bertrand Blier el rasgo más intenso de su fabulación con las imágenes.

Alejado de un pragmatismo natural como el de "A veces me pongo a mirar una piedra./ No me pongo a pensar si siente."; si para Bertrand Blier las piedras fueran un motivo las haría sentir, actuar y decirlo todo sin esperar entendimiento. Se acerca, más bien, a un pragmatismo anti-natural como el de continuar con los sentimientos en los muertos o materializar los pensamientos a la vez que se suceden en la turbia mente de los personajes. En Un, deux, trois soleil (Un, dos, tres sol; 1993) después de sacudir mortalmente con un tiro de escopeta a Pablito (Petit Paul interpretado por Oliver Martinez) inserta nuevamente su figura y su acontecer post-mortis al acompañar a su novia Victorine (Anouk Grinberg) a un bar. En Trop belle pour toi (Demasiado bella para ti, 1989) cenan Bernard y Colette cómodamente (Gérard Depardieu, Josiane Balasko) a manera de suceso real idealizado por Bernard mientras camina por la calle; y en esa misma cena aparece Florence (Carole Bouquet) para lavar los platos y compartir un café mientras es idealización de Bernard y Colette en su conversación, imaginada ya antes por Bernard. Con esta clase de artificios de estilo, de trucos narrativos, Blier concilia lo ilógico para transmitir, algo así, como lo que padecen anímicamente sus personajes. Dispone un conjunto de ocurrencias en apariencia incoherentes para que los individuos se manifiesten íntegramente, expongan su pena y compartan su aliento con el espectador.

La elaboración de un mundo de ficción habitado por seres con tal precedente constitutivo tiene su primer día de luz a manos del manipulador de existencias, Señor Blier, con Les valseuses (traducida como Los Rompepelotas y Las cosas por su nombre, 1974) está inspirada en una novela del mismo nombre publicada por Blier en 1972. Sus tres protagonistas son Patrick Dewaere, Gérard Depardieu y Miou-Miou. En ella aparecen también Jeanne Moreau e Isabelle Huppert interpreta uno de sus primeros papeles. Gérard Depardieu (Jean-Claude) y Patrik Dewaere (Pierrot) son dos jovenzuelos que pasean por toda Francia deslizando su jovialidad de fechoría en fechoría. Como ángeles rapaces engullen el planeta acomodando en el rostro una risita cínica después de fugarse de un escenario a otro; no sólo mordisquean los sucesos sino que los devoran con una mueca cómica. La excusa es "descubrir la vida" experimentándolo todo, agotándola. "Es una película desesperadamente optimista... Es la prefiguración de un momento revolucionario cuyo dominio es la utopía." decía Bernardo Bertolucci de la primera realización de Blier. Es una película de carreteras al ritmo de hormonas en ebullición clamantes de cierta libertad, manifiesta por medio de símbolos de transitoriedad como los autos, los trenes, la promiscuidad y las prolongadas líneas de asfalto. Transitar durante dos horas a la par de Jean y Pierrot es un baño de ingenuo idealismo que remueve en el espíritu el moho que cubre la utopía.
En los setenta muchos espectadores se afligieron ante tal desparpajo satírico arrojado con frescura en el andar de Jean y Pierrot: - Tú lo que necesitas es una mujer que brinde amor de verdad, dice Jean a Pierrot. – Sí, eso es; contesta Pierrot. De inmediato se aprestan tras una mujer de cincuenta años que sale de prisión; abordan a Jeanne Pirolle (Jeanne Moreau) en la puerta de la penitenciaría y la convencen de brindarse placer mutuamente, sin compromiso ni intereses incógnitos. Jeanne accede inerme y parca al goce para luego suicidarse como acto consciente de plena satisfacción. Lo maravilloso de cada personaje es que sus deseos no admiten postergación, los anhelos son inmediatos y sus sueños se reducen al acto que ejecutan; suprimen la expectativa del futuro accionando con pasión el estar en presente.

Un par de años después reaparece Blier con Calmos (1976), "una inspirada explosión de fantasía porno" afirmaba la crítica norteamericana Pauline Kael. En esta ocasión Jean-Pierre Marielle y Jean Rochefort interpretan a un ginecólogo y un gígolo respectivamente, agotados de cualquier sugerencia sexual femenina. El doctor no soporta ver una vagina más y el gígolo está exhausto de la exigencia sexual de las mujeres. Deciden refugiarse en una villa con la única compañía de los sacerdotes del lugar, pero el casto encierro se torna en pesadilla concúbita al presentarse un regimiento de mujeres armadas que los obliga a trabajar en un burdel. En aire de comedia discurre delirante hacia la reflexión entorno a los esquemas de dominio sexual prefigurados por el sentido común. La película termina con los dos hombres caminando hacia el interior de la vagina de una mujer gigante penetrada en el acto por su amante.

Préparez vos mouchoirs (¿Quiere ser el amante de mi mujer?, 1978) es el tercer largometraje de Blier que se suma con vitalidad a una intención no subterránea de liberar de hipocresía los confusos fundamentos humanos. Nuevamente Gérard Depardieu y Patrik Dewaere son punto de convergencia de una fábula subversiva "más extravagante y menos abrasiva" afirma Blier. Con sosiego narrativo, a diferencia de Les Valseuses y Calmos, se presenta una ulceración en valores tradicionales como la pareja, la familia y la maternidad con la mediación de un ridículo revestimiento de los acontecimientos y los personajes. Raoul (Depardieu) es un instructor de conducción incapaz de procurar en su esposa Solange (Carole Laure) una caricia, una sonrisa, mucho menos la intención de tener un bebé o alguna cosa diferente a tejer. Solange habita sin tener incentivos del entorno, como una durmiente cuya respiración es el único indicio de vida. Raoul propone a Stéphane (Dewaere), un completo extraño, brindar algo de felicidad a su esposa y hacerle un hijo, éste acepta pero al tratar a Solange no consigue despertarla de su letargo. Sin embargo, los dos hombres desarrollan una extraña amistad respaldada en una gran pasión por Mozart, alimentada en Raoul por Stéphane. "Quería hacer una película acerca de dos imbéciles que hablan de Mozart como lo harían de un partido de fútbol" dice Blier.
Posteriormente Raoul y Stéphane llevan a Solange al campo con la idea de que un cambio de aire mejorará su condición, allí se topan con Cristian, un pequeño prodigio de trece años, propietario de un emporio industrial en plan de visita para observar a los pobres, sus futuros empleados. El chico despierta inquietud en Solange que se lo lleva a la cama, se convierten en amantes y al final Solange es felizmente preñada por el pequeño. Solange "es el símbolo perfecto de la feminidad –el ideal– porque nadie la entiende. Creo que los hombres, yo mismo, por ejemplo, entendemos muy pocas cosas acerca de las mujeres. Por eso es que hago películas de hombres que no entienden lo que pasa en la mente femenina.", comenta Blier.

Sin chistes respecto a las comidas, a continuación el plato frío, Buffett Froid (1979). Se recomienda abrigo porque el ambiente, en esta ocasión, es de bajas temperaturas anímicas. En esta película un suspiro es congelado y luego quebrado en fragmentos que se esparcen por el lugar sin perder su estado sólido, de ninguna manera esas piezas de exhalación recobran la calidez de una expresión. La poética se suprime con un parlamento frígido, la consecuencia de los actos se interrumpe ante la ausencia de anhelo por un acto siguiente, ni una sola sonrisa, menos una emoción; tan sólo apatía y malas maneras. En la cuarta realización de Blier los gestos son secos, sin fibra sentimental, entonces uno se parte... de risa árida. Blier extrae la sustancia de las cosas y las exhibe pálidas, a punto de fenecer; de hecho, cada personaje, luego de rodear un tanto la poquedad, muere.
Alphonse Tram (Gérard Depardieu), un desempleado psicópata que apuñala casualmente a un simple ciudadano en el metro (Michel Serrault); Morvandiau (Bernard Blier), un inspector de policía con más de criminal que de justiciero, y un asesino en serie (Jean Carmet) que mata a la esposa de Alphonse, se alían para ejecutar un contrato de asesinato, para protegerse y huir atemorizados del peligro que encierra la urbe francesa. Pero hasta el campo los persigue la muerte, los aniquila uno por uno hasta cerrar el círculo de juegos agónicos con un disparo sobre Alphonse a manos de la hija del simple ciudadano del metro (Carole Bouquet).
La escena urbana contemporánea es el objeto de esta sátira. En una melodía de contrapunto reflexivo se ridiculizan los entes que encarnan la alienación, la violencia y la justicia. Los primeros en temer y esconderse del crimen son los criminales, entonces se enlaza una cadena de miedo que se alimenta espontáneamente: los criminales acosados por un temor creciente acometen con ferocidad para protegerse, ejercen la violencia como respuesta ante el temor, éste a la vez más grande por la misma violencia que ellos han generado. Llegado el punto en que nosotros, ciudadanos, cargamos armas para el caso de...; ya se está en esa cadena de temor en la que el quicio es lo primero en asfixiarse; lo siguiente es el desborde de la cadena, su rompimiento, la muerte o la huida.

En 1980 Blier publica la novela Beau-Pére (Step-Father) que adaptará para cine en 1981 con el mismo nombre. Como citaba al inicio es la historia de un amor entre Rémi y su hijastra Marion en medio de la aparente aberración que encierra una relación entre cuerpos dispares; pero como además de los cuerpos existe una plano interior en los seres que domina, o intenta dominar las formas a que estan sometidos, se consigue convertir la aberración en un gesto íntimo de verdad amorosa. Lo difícil es conservar limpia esa verdad con la humildad y entrega que se requiere; allí es cuando claudican Rémi y Marion marcando tan sólo una experiencia de vida y no ese precioso ideal denominado convivencia.
"Rémi es un símbolo de mi generación... Estamos marcados por que falta, ustedes saben, el conocimiento de la vida. Por eso es que mis personajes son un poco estúpidos... porque su generación lo es." comenta Blier. Lo paradójico en los comentarios del director es que sin proponerse enfocar personajes maravillosos; es decir, superiores; y apuntando más bien hacia individuos imbéciles o estúpidos, ha creado seres extraordinarios. Su grandeza no consiste en demostrar lucidez en las palabras o en las acciones, sino en denotarlas con una flexión interior que los hace ver transparentes, pulcros; aunque sea desde la torpeza. La inteligencia se suscribe generalmente a estigmas demasiado complejos que muy pocos hombres podrían desenmarañar a favor de dicha transparencia. La inteligencia, dado el amplio y necio cuerpo de prefiguraciones de orden y status humano, sólo en escasas ocasiones deja de ser una roña en el centro del alma, cada vez la ayuda menos a resplandecer. En este sentido, bienvenida la estupidez de Rémi.

La Femme de mon pôte (My best friend´s girl, 1983) o "El arte de filmar nada" como la denominó sarcásticamente el crítico francés Jean-Pierre Jeancolas, es la siguiente realización de Blier. Además: "un tedioso fracaso", "excelente uso de las locaciones", "ejercicio superficial", "virtualmente indistinguible entre el torrente de otros, deliberadamente casuales, juegos románticos producidos en serie cada año en Francia". En otros términos, según la crítica internacional, no hay con qué hacer un caldo en el drama triangular de Pascal (Thierry Lhermitte), Mickey (el reconocido comediante de teatro Coluche) y Viviane (Isabelle Hupert). Pero sorteando, al igual que Blier, el ¿ataque? de la crítica, digamos que en vez de caldo es un amasijo de experiencia, claro está, desde la perspectiva que propician diez y seis años transcurridos.
Los amigos del título son Pascal y Mickey, un par de solteros que pasan una temporada en el chalet de Pascal ubicado en los Alpes. Los problemas comienzan con el arribo de Viviane, la última conquista de Pascal, que torna su atención sobre Mickey en la ausencia del otro. Pero la chica, acostumbrada a los amoríos, abandona abruptamente al par de amigos por un desconocido que finalmente le roba y la abandona; entonces regresa a casa de Pascal, precisamente, cuando los dos mejores amigos discuten sobre qué hacer en caso de que esa puta regrese.
Lamentablemente, como otras películas del director, ésta no ha sido posible verla en nuestro país; por tanto, se hace imposible corroborar el tino de los comentarios de la crítica o el desatino del director, y menos completar una mirada íntegra sobre su cinematografía, que sea entonces, referente informativo respecto a la progresión cinematográfica de Bertrand Blier.

Al año siguiente Blier presenta Nôtre histoire (Nuestra historia, 1984) con la misma correspondencia por parte de la crítica a pesar de haber ganado algunos premios en los Césars al mejor guión y mejor actor para Alan Delon. Es la historia del encuentro casual en un tren entre Robert Avranche (Alain Delon), propietario de una taller y Donatienne, una ama de casa divorciada. Repentinamente Robert sigue a Donatienne a su casa para luego instalarse en un sillón de la sala a beber cerveza todo el tiempo, a la manera de un marido de domingo. Donatienne se las arregla para que los amigos de Robert vengan a recogerlo, pero Robert se refugia en sus sueños a fin de procurar la escabullida de una vida vacía. Es la ambigüedad entre la realidad y la fantasía el soporte narrativo que permite a Robert buscar un lugar en el que su profunda decepción se transforme en satisfactoria certidumbre existencial.
Si bien Blier ha pretendido experimentar con estructuras complejas que permitan un relato más cercano a lo emotivo que subyace en personajes como Robert, sus intentos ocasionalmente fallan, justamente, por el exceso de artificio. Sobrepasado cierto punto en las elaboraciones formales, se hace perceptible una distancia entre el desarrollo del estilo y la línea argumentativa, develando así, fisuras en la relación eufónica de una cosa con otra. Sin embargo, es de reconocer que la experimentación de Blier obedece a una intención sensata de hallar herramientas novedosas que permitan la expresión amplia de pliegues sentimentales como alternativa frente al uso reiterativo de clisés y al agotamiento de posibilidades expresivas. No es una experimentación que pretenda justificarse de por sí; por el sólo hecho de ejecutarse amparándose en la reverencial condescendencia que encierra culturalmente el término.

Tenue de sortiée (Traje de etiqueta, 1986), continuando con la caprichosa línea que dibujan las críticas en la carrera de un director, es la obra de Blier que permite comentarios como: "uno de los más tiernos episodios románticos del cine reciente", "la imaginación abrasiva y la mala crónica prueban que se prendió fuego contra algunas de las primeras películas de Blier", "Bertrand Blier es verdaderamente grandioso", "sus dos películas anteriores fueron subestimadas", etc. A este punto, esa cualidad que sobrecoge a la crítica cinematográfica en la permanente contradicción se balancea entre la virtud y la ineptitud. En cualquier caso, se patenta que las obras cinematográficas, por su amplio proceso de elaboración, merecen de sus más fieles observadores –los críticos– una apreciación más que casual según el abrupto estado anímico.
Traje de etiqueta es la historia de Bob (Gérard Depardieu), intruso en la relación de Antoine (Michel Blanc) y Monique (Miou-Miou). Bob pretende el amor de Antoine y lo consigue echando mano de finas estrategias de seducción. Comenta Blier "No es una película acerca de la homosexualidad. Es acerca de los problemas actuales del hombre y la mujer joven. Es una película que hace un punto de diferencia entre el amor y las relaciones sexuales... también es acerca de la mujer como un objeto soñado." En la apariencia general de la historia no se descubre el porque de un giro en el reconocimiento a Blier tanto de la crítica como del público (en la primera semana de exhibición en Francia se registraron 900.000 entradas); pero, como se dice al inicio de este artículo, los temas (o historias) en este director se disipan rápidamente para dar paso al tránsito liberado de los personajes. La fuerza de esos personajes y no de los temas se convierte en lo más revelador gracias a cierta comunión con el espectador, con su mundo particular, su vivencia real, lo que motiva sus lágrimas, lo que incita la risa, su asombro o miedo. Para el espectador, el humano, son episodios fragmentados acaecidos en la cercanía del entorno y no sucesos observados en un plano general (a la mera de estudios sociológicos) los que determinan su personalidad. El transeúnte que recorre una acera mirando toda clase de artículos en las vitrinas o el que conduce su auto, cualquiera, no está dotado de una percepción tan amplia como para asumir las diminutas piezas (cosas y acciones reales) que configuran su vida, como temas. En otras palabras, la individualidad permite dilucidar directamente y como punto de referencia, la intimidad, no lo amplio y universal. Entonces, al representar seres que se desenvuelven partiendo de esa misma intimidad y no asumiendo las dimensiones de un tema, se concibe dicha comunión.

Trop belle pour toi esconde la experimentación tras una certeza narrativa que no admite cuestionamientos de forma. La precisión constructiva logra ahora el concierto que no consigue Nôtre histoire. ¿Qué concierto? ¿Qué forma? Me reservo el intento de respuesta porque a este punto, Bertrand Blier es un director verdaderamente complejo. No se entienda, por favor, "lejano de entendimiento"; por el contrario, la historia de Bernard, Colette y Florence es tan sencilla como la del pájaro que quiere el pan y el queso. En ambas historias aparece un zorro que se lo lleva todo, pero que en realidad no es sagacidad del zorro, es la ingenuidad del pájaro que lo quería todo y ahora vuela ligero pero lleno de remordimiento. Lo complejo es la forma bajo la cual se establece el concierto.
Bernard es el gerente de una concesionaria de autos que se enamora al instante de Colette, su nueva secretaria; una mujer madura sin tantos aparentes atractivos como su hermosa esposa Florence. Está completamente enamorado de Colette pero es que Florence es tan bella..., demasiado bella. Mientras resuelve desaparece Colette y mientras regresa a buscarla desaparece Florence. La piedra que lanza el zorro como engaño y consuelo para el pájaro, en el caso de Bernard son las melodías de Schubert, a la manera de una patada en el culo, como dice Bernard.
Si al principio el cúmulo de relaciones ridículas, cambios de lugar y tiempo, saltos narrativos y características ambiguas en los personajes podía denominarse como absurdo; en Trop Belle pour toi los sucesos acontecen consecuentemente y aun así, son inexplicables. Se trasciende el uso de los planos dimensionales pasando del ensueño a un pensamiento, a un recuerdo; se disloca el tiempo real uniendo varios tiempos alternativos. El medidor que determina la coherencia de los movimientos particulares en el relato es la capacidad receptiva del espectador, calculada certeramente por Blier.

Su siguiente producción es Merci la vie (Thanks for Life, 1991) protagonizada por Charlotte Gainsbourg (Camille) y Anouk Grinberg (Joëlle). Mercí la vie no se ha presentado en Colombia; pero, según vagas reseñas es "Una deslumbrante exhibición de estilo y destreza por Blier y su tropa. Es el relato de la inocente Camille y la preciosa Joëlle que se hacen amigas e inician el camino del auto-conocimiento en una nebulosa de diferentes períodos: entre el presente y la época de la ocupación Nazi en Francia..." Además la señalan como "Histéricamente graciosa, ultrajante y liberadora."

Un, dos, tres stop; o un, dos, tres estatua; así le decíamos por mi cuadra al juego que en la cuadra de Victorine llaman Un, deux, trois soleil; el sol, el sol, la poética naturalista mientras que uno estaba inspirado en la colonización gringa. El juego consiste en que alguno de los chicos se hace contra la pared y cuenta mientras los demás se acercan por la espalda, al pronunciar la última palabra el chico de la pared debe darse vuelta de inmediato para identificar quiénes no están congelados y expulsarlos del juego. La finalidad es llegar hasta la pared para luego ser quien cuenta y se da vuelta. Lo que me parecía más difícil de este juego era que se salieran los que uno decía que se habían movido, para Victorine, lo difícil es que no la violen sus amigüitos al acercarse por la espalda. "Pero si ya es momento Victorine, ya tienes tetas"; le dicen los compañeros. Es cierto, ya tiene teticas, ha llegado el momento de crecer. Entonces la película es sobre Victorine, dejando la niñez a regañadientes y aceptando con lástima la adultez. "Victorine / Sí papá / Me falta un poquito de valor (para aceptar la muerte) / A mí también me falta un poquito (para aceptar la vida) / Victorine / Sí papá / Hay que caminar con la frente en alto / Sí papá / Aun cuando desees bajarla / Sí papá / Mira como me mantengo erguido (cruza el umbral) / Sí papá, te veo, estás erguido. Eres bello, eres fuerte... y a los infelices los joden, los joden." Así concluye la onceava película de Bertrand Blier; las palabras son de Marcello Mastroianni como papá de Victorine en una de sus últimas actuaciones y de Anouk Grinberg (Victorine) la esposa del director.
Es una crónica social plagada de extremos no lejanos a la Francia contemporánea de los suburbios y el neoliberalismo. Estos extremos son la figuración de una protesta contra la pobreza, el hambre, la escuela con violadores de 12 años, el amor conforme e idealista, la estupidez humana, los gestos de humanidad y el amor por el padre; entorno de obligatoria circulación para la dulce Victorine. Su lugar entre el tumulto de desdichas es brindar consuelo a la manera de una madre. A pesar del contexto social realista, Victorine es una creación urdida adicionalmente por el asomo del desvarío. Se advierte en casos como el de proceder maternalmente con su propia madre; está obligada a asumir lo que sería su madre si no fuera como ella, una niña. – ¿Cuándo de te vas a morir?, pregunta Victorine a mamá, en su caso es peor tenerla viva que muerta. La desprotección en que se inscribe a Victorine desde el inicio, al desestimar a su madre, predispone en Un, deux, trois soleil hacia el padecimiento, que es finalmente su dominio.

Mon Homme (Mi hombre, 1996) es la historia de una prostituta feliz (Anouk Grinberg) por el hallazgo del chulo ideal (Oliver Martinez), la obsesión de su vida, a quién consagrarse en cuerpo y alma. Se acompañan, pues, las aventuras de esta prostituta y de su proxeneta amado. "Es quizá un cuento de hadas, pero un serio cuento de hadas... Es un poco la historia de una chica que cuenta una historia maravillosa, luego su historia es rota por él (su chulo) y finalmente descubre otra historia, verdadera, más autentica y quizá mucho más maravillosa que la narrada por ella al principio" comentaba Blier en rueda de prensa del Festival de Berlín en 1996.

Uno de los directores más renovadores de la narrativa cinematográfica. Su frescura y dimensión estilística reivindica, a cada estreno, la mocedad del cine. Esa frescura o inteligencia expresiva bien ha sido distinguida en Cannes, Berlín, Venecia, en fin; incluso hasta en Los Ángeles, en los premios Oscar. Es momento de apreciarlo también, comenzando por valorar ampliamente sus películas.
Resulta inevitable comentar que su fortaleza creativa es tan edificante como la de cualquier párvulo realizador recién salido de la Escuela de Nueva York o del London Film Institute –con todo el ímpetu hacia lo experimental–; o en una comparación mejor, tan edificante como el joven director Francés Mathieu Kassovitz, quién actuó para él en Mon Homme.
La afamada "magia" del cine realmente existe, precisamente, porque directores como Bertrand Blier tienen la capacidad de conjurarla.

Breve Cronología:
1959 - Asistente de John Barry en Ox Mambo.
1966 - Dirigió su primer película "Hitler, Connais Pas"
1974 - Dirigió Les Valseuses (Going Places), basada en una novela suya. A esta altura un clásico el cine francés con Patrick Dewaere, Gerard Deperdieu, Miou-Miou y Jeanne Moreau.
1978 - Gracias a la cinta Preparez vos mouchoirs (¿Quiere ser el amante de mi mujer?) ganó el Oscar a la mejor película extranjera.
1983 - Su película La femme de mon Potte participó en el Festival de Cannes
1989 - Su película Trop belle pour toi, recibió el Gran Premio del Jurado en Cannes, el César al Mejor film, mejor director, Mejor guión y mejor actríz
1990 - Conoció a la actríz Anouk Grinberg, y dirigió 3 películas junto a ella.

FILMOGRAFÍA:
Hitler, connais pas (1963)
La grimace (1966)
Si j'étais un espion (1967)
Laisse aller, c'est une valse (1971)
Les Valseuses (1974)
Calmos (1976)
Préparez vos mouchoirs (1978)
Buffet froid (1979)
Beau-père (1981)
Debout les crabes, la mer monte! (1983) (story)
La femme de mon pote (1983)
Notre histoire (1984)
Tenue de soirée (1986)
Trop belle pour toi (1989)
Merci la vie (1991)
Un, deux, trois, soleil (1993)
Grosse fatigue (1994) (story)
Mon homme (1996)
Les acteurs (2000)
Les Côtelettes (2003) (dialogue) (play) (scenario)
Combien tu m'aimes? (2005)
The Clink of Ice (Le bruit des glaçons) (2010)

ENLACES:
http://idiomas.udea.edu.co/~pulpmovies/ ... Blier.html
http://www.c1n3.org/b/blier01b/index.html
http://avaxsearch.com/avaxhome_search?c ... rand+blier

Las películas de: John D. Lamond

2011-11-27T10:04:00.002-08:00

Este director australiano ha dirigido un puñado de películas "memorables" siempre y cuando la "sintonía fina" que tengan como cinéfilos incluya el Ozploitation (o Australian Exploitation).
Contemporáneo de Philippe Mora, Richard Franklin y Brian Trenchard-Smith (entre otros), aquí les dejo un repaso de su breve filmografía.

Su debut fue una especie de documental llamado Australia After Dark (1975) al que le siguió otro llamado The ABC of Love and Sex: Australia Style (1978).

Estas 2 películas tendrán su debut en DVD Zona 1 a fines de Enero de 2012, a 15 años de la creación del formato.

- Bonus Features: Audio Commentary With Director John D. Lamond and "Not Quite Hollywood" Director Mark Hartley, John D. Lamond Trailer Reel.

Su obra "cumbre" sería Felicity (1978) editada en DVD Z1 por Severin Films en 2006. Y en UK también salió bajo el mismo sello.

- Audio Commentary with Director John Lamond and Star Glory Annen
- Theatrical Trailer
- Intimate Still Gallery
Sinopsis: Situada entro del subgénero erótico-softcore, Felicity (1979), es la historia de una bella joven, interpretada por Glory Annen, que estudia en un colegio de monjas y emprende un viaje vacacional a Hong Kong. En este exótico lugar pierde la virginidad y vive, posteriormente, una serie de aventuras sexuales en compañía de otras bellas mujeres. Es notable el gran esfuerzo del director John D. Lamond por seleccionar actrices de una belleza deslumbrante que se desnudan a la menor provocación, para deleite del espectador. ¿Abuso del desnudo? Sí, pero qué buenos están.

Luego vendrían Terror a medianoche aka Nightmares aka Stage Fright (1980) y Líneas Aérea Banana aka Banana Airlines aka Pacific Banana (1981).

- Audio Commentary by director John Lamond and NOT QUITE HOLLYWOOD director Mark Hartley
- A Brief History of Slasher Films featurette (16:9; 15:11)
- Theatrical Trailer (16:9; 3:17)
- John Lamond Trailer Reel (including THE ABC OF LOVE AND SEX, FELICITY, PACIFIC BANANA, BREAKFAST IN PARIS, and SKY PIRATES)
- Trailers for BLOODY MOON, HORROR EXPRESS, and PSYCHOMANIA

Sinopsis: Una pequeña niña llamada Cathy provoca sin querer un accidente de coche donde su madre muere. 16 años después de aquella tragedia Cathy, que no ha olvidado lo que le ocurrió a su madre, se ha cambiado el nombre por el de Helen y participa como actriz en una obra de teatro. Pronto comenzaran a morir asesinadas personas que tienen alguna relación con la obra.

<--- Son algo así como las aventuras de Recalde en A.A. desde el punto de vista australiano de los 80's.
Abandona el género "exploitation" para dirigir un par de películas mediocres: Breakfast in Paris (1982) y A Slice of Life (1983).
Una década después vuelve con North of Chiang Mai (1992) al pochoclo y otros 10 años después nos entrega su última película: Crime of Passion aka Shanghai Lily aka True Files (2002).

ENLACES:
JOHN D. LAMOND NEWS @ http://mcbastardsmausoleum.blogspot.com ... .%20Lamond
AUSSIEROADSHOW @ http://www.youtube.com/user/AussieRoadshow#g/u

1974/1976 - http://www.myduckisdead.com/2010/10/aus ... amond.html | http://www.vintage-erotica-forum.com/sh ... p?t=155564 | http://xtremeli.com/movies/australia-af ... inter.html | http://mediafire.im/movies/australia-af ... inter.html
1978 - http://www.myduckisdead.com/2010/10/abc ... style.html
1979/1980 - http://www.myduckisdead.com/2011/09/fel ... amond.html | http://www.vintage-erotica-forum.com/sh ... hp?t=56491 | http://avaxhome.ws/video/video_time/sev ... _1979.html | http://www.rapidsharezone.net/movies/29 ... vdrip.html
1980 - http://terrorfantastico.com/foro/index. ... ic=13059.0 | http://www.rockshockpop.com/forums/cont ... Nightmares | http://sinsofcinema.com/Reviews/Nightma ... Review.php | http://hellbounheart.argentina-foro.com ... mares-1980
1981 - http://www.rarovhs.com.ar/2010/11/linea ... anana.html
2002 - http://mondostumpo.blogspot.com/2010/05 ... -2002.html
Ozploitation @ http://www.myduckisdead.com/search/label/Australia
OZPLOITATION!: DEMENCIA EN EL CINE AUSTRALIANO @ http://alfonsovirues.wordpress.com/2011 ... straliano/
Ozploitation en VHS @ http://www.rarovhs.com.ar/search/label/Australia

Las películas de: SEIJUN SUZUKI

2011-11-27T10:04:00.000-08:00

Seijun Suzuki, iconoclasta realizador nipón reivindicado por Tarantino o Jarmusch, renovador del cine de yakuzas en los 60's que es un hombre tan aficionado a la botella de sake como renuente a la ducha diaria, y que fuera el chico malo del estudio Nikkatsu y acabó pagando caras sus osadías formales: en 1967, tras ultimar su obra maestra, Branded to Kill / Koroshi No Rakuin (Marcado para matar), fue expulsado del estudio por dirigir lo que sus jefes consideraban «películas incomprensibles» y la industria de su país le hizo el vacío durante 10 largos años.
Seitaro Suzuki, nombre que se cambió con posterioridad, nació un 24 de Mayo de 1923 en Tokio. Como él mismo declaró, cuando era un niño tuvo la suerte de poder ver muchísimo cine, aunque más tarde, y con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, tuvo que abandonar esta práctica.

Su primera etapa como director, en definitiva, sus primeros años en la Nikkatsu, se podría resumir por la alternancia entre cine noir, muy influenciado por los filmes norteamericanos, y la realización de dramas, apoyados por el auge del gendai-geki eiga (cine que trata acerca de dramas modernos ó contemporáneos) de los años 50.
No fue hasta principios de los años 60, coincidiendo con el despertar del yakuza eiga, que Suzuki entra de lleno con las películas de yakuzas, así como producciones que abordaban de forma más o menos abierta el tema de la prostitución; temas que según palabras del propio director, tampoco es que le gustasen o le atrajesen demasiado, sino que servían para cumplir las exigencias impuestas por la Nikkatsu. También coincidió con la creación del Guryu Hachiro, un grupo de ocho guionistas que ayudaron a Suzuki durante toda la década de los años 60, trabajando en 1963 por primera vez con el director artístico Takeo Kimura, que le influye decisivamente en el montaje de sus filmes, en el ritmo, decorado, y en general, en toda la obra posterior. De este período se puede destacar como obras imprescindibles a visionar: Yaju no seishun (1963), una durísima yakuza eiga con escenas que parecen sacadas de un film de Kinji Fukasaku; Akutaro (1963), una película bastante bien recibida por la crítica y público, sobretodo por su sorprendente puesta en escena, soberbia y estilizada, recordando vagamente a las películas japonesas de los años 50; Nikutai no mon (1964), en donde se fomenta la morbosidad en una película que parece un preludio a las roman porno que la propia Nikkatsu había empezado a idear; Shunpunden (1965), más conocida como Historia de una prostituta; Akutaroden (1965), una especie de remake de Akutaro; Irezumi ichidai (1965), una magnífica producción que empieza como un drama social pero que se perfila como una película de yakuzas pura y dura; Kawachi Carmen (1966), un filme políticamente incorrecto, por lo menos a ojos del puritanismo occidental, igual que en los años 90 han sido las películas japonesas de Takashi Miike o las producciones de Abel Ferrara . Finalmente se podría destacar como mención especial, dos filmes aplastantes en la obra de Suzuki: Kenka elegy (1966) y Koroshi no rakuin (1967). El primer film, más conocido por Elegy to violence, se trata de una producción con tintes revolucionarios, además de contar con el guión escrito por Kaneto Shindo, el director de Onibaba. El segundo film, también conocido como Branded to Kill, probablemente sea la obra clave e indispensable de Suzuki, aunque su atrevido montaje, su hasta cierto punto rebuscada historia, y su aire de cierta intelectualidad molestaron profundamente al presidente de la Nikkatsu, el señor Kyusaku Hori. Por rodar esta película, Suzuki fue despedido de inmediato del estudio, ya que según los directivos, hacía películas que el público no llegaba a comprender. Una vez despedido, demandó a la Nikkatsu, y esta última, ordenó la prohibición de exhibir cualquier película de Suzuki.

Inspirado en la abstracción del teatro kabuki, su estilo, onírico y ferozmente antirrealista, desmontó las convenciones de los filmes de gángsteres a partir de un tratamiento psicológico del color, una narrativa fracturada y un sentido del humor (y de la tragedia) mutante como la flora de Hiroshima. Sus mejores filmes tienen algo del primer Godard pero son pura serie B, entendida de una manera lúdica, despreocupada del contenido, nunca de la emoción. Sus únicos parangones posibles en el cine occidental serían, quizá, francotiradores parapetados en las trincheras de la ficción de género como Samuel Fuller, Edgar Ulmer o Joseph H. Lewis, cuyos hallazgos estuvieron escritos en los márgenes del discurso dominante de los grandes estudios. Los herederos más directos de Suzuki son dos cineastas japoneses que comparten nombre y un mismo afán por reinventar el lenguaje del medio: Takeshi Miike y Takeshi Kitano.

Con la colaboración del director artístico Takeo Kimura, Suzuki cruzó historias de yakuzas con aires de western y explosiones de musical policromo, ambientó tiroteos en decorados de blanco inmaculado y sembró de erotismo explícito y sofisticado unas tramas que sumían el lugar común en los limbos de la deconstrucción críptica. A él se debe Nikutai No Mon (Puerta de la carne), el primer filme comercial del cine nipón que incluyó desnudos, verdadero preámbulo de la posterior especialización de la productora Nikkatsu en el género pink, o erotismo blando. Disfrutar de sus cintas exige del espectador una receptividad sin condiciones ante lo imprevisible: sus héroes se excitan sexualmente oliendo un cazo de arroz hervido, sus heroínas muestran una enfermiza inclinación por la taxidermia morbosa, sus tipos duros entonan baladas románticas mientras pasean bajo la nieve.

El cine negro yakuza de Suzuki es, pese a sus limitaciones de género, muy profundo y recoge un pálpito social de prostitución y gangsterismo que fue muy demandado por los espectadores japoneses en la época de recesión. Sin ir más lejos, en Gate of Flesh se cuelan de rondón reflexiones existenciales: “Comemos carne por 40 yenes y nos vendemos por 40 yenes, ¿qué es lo que queda? ¿Nos vendemos para comer o, al revés, comemos para vendernos? Y, en ese caso, ¿qué significado tiene la vida?”. Otras perlas que contienen estos filmes, “Incluso la muerte de un asesino es desagradable” o “podría haberte matado, pero estoy en deuda por lo que hiciste por mí. Saldaré mi deuda avisándote de que voy a matarte”, hablan al espectador de un cine hecho de conceptos encerrados en un disparo a quemarropa, tan cortantes como un cuchillo ritual.

Luego de que el estudio Nikkatsu despidiera a Suzuki por hacer películas "incomprensibles", su primer intento de volver después de un largo periodo de supresión por parte de la industria fue Una historia de dolor y tristeza. En esta denuncia de las víctimas de las corporaciones, una modelo profesional, Reiko, es preparada para triunfar en el mundo del golf. Sus controladores la ven fácil de “vender” si ella logra destacarse en el deporte elegido. Su sorprendente victoria en la primera competición profesional en que toma parte le abre la puerta a un puesto de celebridad como anfitriona vestida en bikini en un programa de televisión. Toda la parafernalia de la adoración pública queda expuesta; la indiferencia de la protagonista hacia sus fans, el abuso, la irresponsabilidad, y un toque de coqueteo sexual. Que quede claro - ésta es tan incomprensible como la mayoría de las películas de Suzuki – con algo de la sexualidad del estilo Imamura y cada escena tan inesperada e imprevisible como la siguiente. Sin duda otro producto bizarro de la mente psicodélica de un icono del cine japonés de “culto”.

Filmografía:
1956: Victory Is Mine / Minato no kanpei: Shori o wagate ni
1956: Pure Emotions of the Sea / Hozuna wa utau: Umi no junjo
1956: Satan's Town / Akuma no machi
1957: Inn of the Floating Weeds / Ukigusa no yado
1957: Eight Hours of Terror / Hachijikan no kyōfu
1957: The Naked Woman and the Gun / Rajo to kenjū
1958: Underworld Beauty / Ankokugai no bijo

1958: Spring Never Came / Fumihazushita haru
1958: Young Breasts / Aoi chibusa
1958: Voice Without a Shadow / Kagenaki koe
1959: Love Letter / Rabu retaa
1959: Passport to Darkness / Ankoku no ryoken
1959: Age of Nudity / Suppadaka no nenrei
1960: Take Aim at the Police Van / Jūsangō taihisen yori: Sono gosōsha o nerae

1960: Sleep of the Beast / Kemono no nemuri
1960: Clandestine Zero Line / Mikkō zero rain
1960: Everything Goes Wrong / Subete ga kurutteru
1960: Go to Hell, Hoodlums! / Kutabare gurentai
1961: Tokyo Knights / Tōkyō naitsu or Tōkyō kishitai
1961: The Big Boss Who Needs No Gun / Muteppō taishō
1961: Man with a Shotgun / Shottogan no otoko or Sandanjū no otoko
1961: A New Wind Over the Mountain Pass / Tōge o wataru wakai kaze
1961: Blood Red Water in the Channel / Kaikyō, chi ni somete
1961: Million Dollar Smash and Grab / Hyakuman doru o tatakidase
1962: Teen Yakuza / Hai tiin yakuza
1962: The Guys Who Put Money on Me / Ore ni kaketa yatsura
1963: Detective Bureau 23: Go to Hell, Bastards! / Tantei jimusho 23: Kutabare akutōdomo
1963: Youth of the Beast / Yaju no seishun

1963: The Bastard / Akutarō
1963: Kanto Wanderer / Kantō mushuku

1964: The Flower and the Angry Waves / Hana to dotō
1964: Gate of Flesh / Nikutai no mon

1964: Our Blood Will Not Forgive / Oretachi no chi ga yurusanai
1965: Story of a Prostitute / Shunpu den

1965: Stories of Bastards: Born Under a Bad Star / Akutarō den: Warui hoshi no shita demo
1965: Tattooed Life / Irezumi ichidai

1966: Carmen from Kawachi / Kawachi Karumen
1966: Tokyo Drifter / Tōkyō nagaremono

1966: Fighting Elegy / Kenka erejii

1967: Branded to Kill / Koroshi no rakuin

1977: A Tale of Sorrow and Sadness / Hishū monogatari

1980: Zigeunerweisen / Tsigoineruwaizen / 1981: Kagero-za / Kagerō-za / 1991: Yumeji / Yumeji

1985: Capone Cries a Lot / Kapone ōi ni naku
1985: Lupin III: Legend of the Gold of Babylon / Rupan sansei: Babiron no ōgon densetsu
1993: Marriage: Jinnai-Harada Family Chapter (segment) / Kekkon: Jinnai-Harada goryōque hen
2001: Pistol Opera / Pisutoru opera

2005 Princess Raccoon / Operetta Tanuki Goten

Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Seijun_Suzuki_filmography
http://scalisto.blogspot.com/2011/02/se ... -1977.html
http://seijunsuzuki.blogspot.com/
http://www.asia-team.net/foros/showthread.php?t=13824
http://www.dvdempire.com/Exec/v4_list_c ... 1#Director
http://www.elmundo.es/laluna/2001/150/1006362539.html
http://www.iberarte.com/content/view/4423/99/
VAGOS.ES / ZonaDVD.com:
Pack Seijun Suzuki - Filmoteca Fnac http://www.zonadvd.com/modules.php?name ... &sid=23610
Gate of Flesh [Full DVD9][Pal][Audio: Jap][Subs: Esp][1964] http://www.vagos.es/showthread.php?t=757877
Tokyo Drifter [Full DVD5][Pal][Audio: Jap][Subs: Esp][1966] http://www.vagos.es/showthread.php?t=758370
Branded to Kill [Full DVD9][Pal][Audio: Jap][Subs: Esp][1967] http://www.vagos.es/showthread.php?t=759284
El Baile de los Sicarios (Filmax) http://www.zonadvd.com/modules.php?name ... &sid=13492
El Baile de los Sicarios (Pistol Opera) [Full DVD5][Pal][Audio: Jap][Subs: Esp][2001] http://www.vagos.es/showthread.php?t=762594
Princess Raccoon (Operetta tanuki goten) [Musical_2005][Japón][DVDRip][VOSE] http://www.vagos.es/showthread.php?t=705409
Amazon.com.uk / Yume Pictures:

1960: http://www.amazon.co.uk/Fighting-Delinq ... 000JU9L4W/ | 1964: http://www.amazon.co.uk/Gate-Flesh-DVD- ... 000051YIC/

1964: http://www.amazon.co.uk/Flowers-Angry-W ... 000JU9L4C/ | 1966: http://www.amazon.co.uk/Fighting-Elegy- ... 000J4PGQK/

1966: http://www.amazon.co.uk/Tokyo-Drifter-D ... 000J4PGQU/ | 1967: http://www.amazon.co.uk/Branded-Kill-DV ... 000KHYKKE/

2001: http://www.amazon.co.uk/Pistol-Opera-DV ... 000H1QR22/ | 2005: http://www.amazon.co.uk/Princess-Raccoo ... 000GQMM2M/
La edición de PISTOL OPERA de UK es "en los papeles", la mejor que existe. DVD Review: http://homecinema.thedigitalfix.co.uk/c ... ntid=64883

More Brains!: A Return To The Living Dead (2011) DVD Z1

2011-11-27T09:58:00.000-08:00

Los creadores de Never Sleep Again: The Elm Street Legacy (2010), un documental de 8 horas de duración sobre la saga de películas de Freddie Krueger, ahora hicieron uno de 4 horas sobre la saga de El Regreso de los Muertos Vivos (1985) e incluye material extra sobre varias de sus secuelas.

More Brains!: A Return To The Living Dead / DVD-Video
Widescreen 1.85:1 Color (Anamorphic) / Region 1

Studio: CAV / Production Year: 2011 / Release Date: 10/18/2011 / Length: 240 mins

Linnea Quigley at 50

La película que le otorgó la fama entre los amantes del cine de terror fue El Regreso de los Muertos Vivientes, dirigida por Dan O´Bannon en 1985. En ella interpretaba a Trash, una jóven punk que, no sabemos muy bien movida por qué motivo, se encaramaba a una tumba en un cementerio y, tras desnudarse, se ponía a bailar una canción de SSQ. El tema era "Tonight (We´ll Make Love Until We Die)".

Linnea fue una grossa, sus papeles en Night of the Demons y Savage Streets también son imborrables.

En la remake de Night of the Demons (2009), su papel, o al menos uno parecido, creo que lo hizo Diora Baird.

EXTRAS:
The disc’s special features continue the story, and eventually fill out the 240 minutes of runtime promised on the back of the box.

- ‘They Won’t Stay Dead’ (29:40) covers the production of the utterly awful Return of the Living Dead Part II. This includes interviews with many of the same people, plus Part II actors Suzanne Snyder and Michael Kenworthy. The basic theme here is that no one wanted to do the film, and that the bulk of the original production staff resents the film, or at the very least their work in it. Discussion includes the script’s plagiarist elements (it’s almost the same movie), director Ken Wiederhorn’s ( Shock Waves) disinterest in the project, casting, the more elaborate special effects, the last minute addition of a Michael Jackson zombie, and the film’s general failure as both a comedy and a horror film. There is no footage from the original film present, or any behind the scenes footage, only still photographs, which are put to good effect.

- ‘Love Beyond the Grave’ (21:00) covers the making of the third film in the series, the aptly titled Return of the Living Dead 3. The third film is actually quite entertaining, and even moving at times, but doesn’t have a lot in common with the first two films. It’s more of an imaginative, standalone zombie feature. I do recommend seeing it, preferably in its uncut, unrated form. Some of the same interview subjects appear, but very few people crossed over into working on the third film, and the bulk of the interviews belong to director Brian Yuzna, make-up effects supervisor Steve Johnson (who married Quigley), writer John Penny, and actors J. Trevor Edmond and Brian Peck (again). Subject matter includes the writing pitches (including Kenny Myers and Brian Peck’s treatment), script development, casting, filming on sets and locations, difficulties filming the opening scene, splitting the effects throughout different effects houses, and the film’s disappointing release. There is a reasonable amount of behind the scenes footage, and production photos and illustrations, but again no footage from the film itself.

- Next up is footage from Dan O’Bannon’s final interview (28:30), a rather extensive interview that was for some reason almost entirely unused for the final film. There’s good stuff here, stuff that could’ve helped the narrative of the documentary. O’Bannon does go a bit off the topic of Return of the Living Dead, sure, but there’s plenty of usable, pertinent information, especially his discussion concerning avoiding ‘stepping on George Romero’s toes’, and direct references to some of the negative things spoken about him by the actors.

- This is followed by 14 scenes deleted from the documentary proper. There is, unfortunately no ‘play all’ option, which is annoying, but these include some amusing anecdotes. The disc also features a ‘Tonight’ by Stacy Q music video (3:20), ‘Resurrected Settings: The Filming Locations Today’ with Brian Peck and Beverly Randolph (10:00), ‘ Return of the Living Dead in Three Minutes’ (3:00), a trailer, and a trailer for Never Sleep Again.

Al igual que el otro no trae subtítulos. Se consigue en tu páginas de descarga directa amiga.

ENLACES:
http://avaxhome.ws/video/Format/documen ... D-SiC.html
Never Sleep Again: The Elm Street Legacy (2010) @ viewtopic.php?f=4&t=46067&p=608291
http://www.dvdactive.com/reviews/dvd/mo ... -dead.html
http://bon-scott.blogspot.com/2009/04/l ... grito.html
http://www.celebritybottoms.com/glamour ... uigley.htm (+18)
http://valientsvloggg.blogspot.com/2011 ... ht-of.html

Las películas de: JEAN-JACQUES BEINEIX

2011-11-27T09:53:00.000-08:00

JEAN-JACQUES BEINEIX no tiene muchos seguidores en el foro, ya que una búsqueda rápida solamente me lleva a un post de Lesmar sobre Diva (1981) en DVD y otro de fernando brichetto proponiendo a Diva (1981) como una de esas películas que jamás deberían tener una remake.

Mi relación con JEAN-JACQUES BEINEIX no comenzó con Diva (1981) sino con Betty Blue (1986) con Beatrice Dallé.
Betty Blue: El Encanto De Una Mujer @ viewtopic.php?f=4&t=24356&p=275656 por Maximiliano L.
Y Betty Blue (1986) Blu-Ray USA - Con Béatrice Dalle @ viewtopic.php?f=25&t=52206&p=681911
Recientemente me topé con otra película de JEAN-JACQUES BEINEIX, Mortal Transfer (2001) que aparentemente es su última película a la fecha.
Así que decidí, ahora que al menos conozco la mitad de sus películas de cine, armar este post para resumir un poco de que va su breve pero jugosa filmografía.

Brevísima biografía: En 1977 realiza su primer cortometraje "Le Chien de M. Michel" que ganó el premio del festival de Trouville. En 1980, Jean-Jacques Beineix realiza su primer largometraje titulado Diva, que ganó cuatro premios César. Muy premiada también fue su película Betty Blue (titulada en su versión original 37°2 le matin) con Béatrice Dalle y Jean-Hugues Anglade, película que fue nominada como mejor film de habla no inglesa en los Oscars.

Diva (1981) - Director: Jean-Jacques Beineix
La primera edición en USA fue hecha por ANCHOR BAY y no traía subtítulos en español. La re-edición a manos de LIONSGATE parece ser una joyita.

Existió también una edición de Fox Lorber, pero era peor que la de Anchor Bay. Ver: http://www.dvdbeaver.com/film/DVDCompare2/diva.htm

Sinopsis: Un joven mensajero motociclista parisino hace una copla de contrabando ilegal de su cantante de ópera favorita en un concierto en directo. Cuando la cinta es accidentalmente sustituida por una cinta de vigilancia que incrimina a unos famosos gangsters, dos asesinos psicópatas son enviados a la caza del mensajero. Debut chic y elegante de Jean-Jacques Beineix (Betty Blue) en el que destaca una inolvidable persecución de motocicletas a través de las calles y pasos subterráneos de París.
Video: Widescreen 1.66:1 Color (Anamorphic)

As for the Lions Gate image - it has obvious manipulation (see zoomed-in edge enhancement capture below) and is cropped with the Anchor Bay having significantly more information on the right edge.

Audio: FRENCH: Dolby Digital Stereo
Subtitles: English, Spanish
EXTRAS:
- Digitally Mastered Transfer Approved by Director Jean-Jacques Beineix
- Scene-Specific Audio Commentary with Jean-Jacques Beineix
- Interview with Jean-Jacques Beineix
- Interview with Director of Photography Philippe Rousselot
- Interview with Set Designer Hilton McConnico
- Additional Interviews with Cast and Crew
- Introduction to interviews by Phil Powrie, Author of Jean-Jacques Beineix

These excellent extra features include: a scene specific commentary by director Beneix (about 40 minutes worth). Director-writer Beneix speaks in French but there is a clearly audible English voiceover. There is also "Searching for Diva" which consists of the following interviews (some in English but mostly in French with English voice-overs):
- Introduction by Professor Phil Powrie & Eric Grinda (6:22)
- Vladimir Cosma (the film's composer) (10:45)
- Dominique Besnehard (Diva's casting director) (7:19)
- Frederic Andrei (plays "Jules") (5:46)
- Anny Romano (plays "Paula") & Dominique Pinon ("Le Curé") (12:01)
- Richard Bohringer (plays "Gorodish") (6:52)
- Jean-Jacques Beneix (writer-director), 2 - parts (11:00 + 8:33)
- Philippe Rousselot (the cinematographer) (6:04)
- Hilton McConnico (the film's production designer) (6:50)

DVD Review @ http://www.dvdtalk.com/reviews/33445/di ... ollection/
DVD-9 NTSC: http://www.vagos.es/showthread.php?t=822859
DVDRip: http://thepiratebay.org/torrent/4791553 / http://www.vagos.es/showthread.php?t=244392 / http://forum.foreignmoviesddl.org/viewt ... =18&t=9093
OST: http://thepiratebay.org/torrent/3932991 / http://avaxhome.ws/music/soundtrack_diva_repost.html

The Moon in the Gutter / La lune dans le caniveau (1983) - Director: Jean-Jacques Beineix

Ver: http://www.amazon.es/Lo-Specchio-Del-De ... 001IZJ52A/
TPB: http://thepiratebay.org/torrent/4631922/ | OST: http://thepiratebay.org/torrent/4236875
AVAX: http://avaxhome.ws/video/la_lune_dans_l ... _1983.html

Betty Blue: Director's Cut (1986) - Director: Jean-Jacques Beineix

Video: Widescreen 1.66:1 Color (Anamorphic)
Audio: ENGLISH: Dolby Digital Stereo / FRENCH: Dolby Digital Stereo
Subtitles: English, Spanish, French, Portuguese

37°2 Le Matin, al igual que la novela en la que está basada, en la traducción española "37,2º Al Amanecer", escrita por el novelista francés Philippe Djian sólo un año antes. El título hace referencia a la temperatura normal de una mujer embarazada al despertar. Este título fue reemplazo en la mayoría de países europeos y americanos por Betty Blue.
La película tiene dos versiones, la primera estrenada en los cines y una segunda con más metraje y un nuevo montaje del director estrenada años más tarde, llegando a superar las 3 horas de película. A principios de la década de 2000, se reedita en DVD esta versión extendida de la película en varios países europeos y en Estados Unidos. En el verano de 2009, se estrena en cines por primera vez en Estados Unidos, gracias a la distribuidora "Cinema Libre Distribution", la película en su versión del director.

DVD-9 PAL: thepiratebay.org/torrent/6727125/ | OST: http://thepiratebay.org/torrent/5069403
AVAX: http://avaxhome.ws/video/genre/Melodram ... e1986.html , http://avaxhome.ws/video/genre/Melodram ... _1986.html , http://avaxhome.ws/video/genre/drama/be ... ineix.html

El Blu-Ray de USA es la versión original de 116 minutos, NO trae subtítulos en español, es un BD-25 e incluye un extra significativo: Interview - a long and very informative interview with director Jean-Jacques Beineix conducted by Tim Rhys of MovieMaker Magazine. In English, not subtitled. (56 min, 1080i).
Fuente: http://www.blu-ray.com/movies/Betty-Blu ... 18/#Review
Blu-Ray Review: http://www.avforums.com/movies/Betty-Bl ... u-ray.html

Roselyne et les lions [Francia] (1989) - Director: Jean-Jacques Beineix

Ver: http://www.amazon.es/Roselyne-lions-Fra ... 000I2IX2C/
TPB: http://thepiratebay.org/torrent/6054331/ & http://thepiratebay.org/torrent/5119372/

Ip5, l'ile au pachydermes (1992) - Director: Jean-Jacques Beineix

Ver: http://www.amazon.fr/Ip5-lile-pachyderm ... 000I2IX2M/

Le cinema du reel : otaku ; loft paradoxe ; assigne a residence [Francia] (1994/2002) - Director: Jean-Jacques Beineix
Otaku [Alemania] (1994) - Director: Jean-Jacques Beineix

Ver: http://www.amazon.es/cinema-reel-parado ... 000I2IX40/ , http://www.amazon.es/Otaku-Alemania-Jea ... 00008VDSX/

Mortal Transfer [Alemania] (2001) - Director: Jean-Jacques Beineix

Ver: http://www.amazon.es/Mortal-Transfer-Al ... 00008SCGM/
TPB: http:://thepiratebay.org/torrent/6714683/
AVAX: http://avaxhome.ws/video/genre/thriller ... x2001.html

FILMOGRAFÍA:

Diva (1981) con Wilhelmenia Fernandez, Frédéric Andréi, Richard Bohringer y Dominique Pinon.
The Moon in the Gutter aka La lune dans le caniveau (1983) con Gerard Depardieu, Nastassja Kinski, Victoria Abril, Dominique Pinon y Milena Vukotic.
Betty Blue (1986) con Jean-Hugues Anglade, Béatrice Dalle, Consuelo De Haviland, Clémentine Célarié y Dominique Pinon.
Roselyne et les lions (1989) con Isabelle Pasco.
IP5: L'île aux pachydermes (1992) con Yves Montand, Olivier Martinez y Sekkou Sall.
Mortal Transfer aka Mortel transfert (2001) con Jean-Hugues Anglade, Hélène de Fougerolles, Valentina Sauca y Catherine Mouchet.
Beineix en AvaHome.Ws @ http://avaxsearch.com/avaxhome_search?q ... &commit=Go

Su filmografía se completa con un corto del año 1977 titulado Mr. Michel's Dog (Le chien de Monsieur Michel) y 3 documentales: Otaku (1994), Locked-in Syndrome (1997) y Loft Paradoxe (2002).

Amplio sobre las que apenas puse información básica:

La luna bajo el asfalto / The Moon in the Gutter / La lune dans le caniveau (1983) - Director: Jean-Jacques Beineix

Sinópsis: En los callejones sórdidos de una ciudad portuaria, Gérard, un estibador, busca obsesivamente el violador de su hermana, la cual, no soportando la infamia y el horror, se había suicidado. Un día él es sacudido por una bella joven (Loretta) al volante de un magnífico Ferrari rojo. Este es el punto de partida para una historia de amor imposible, en un clima de soledad, venganza y desesperación. (FILMAFFINITY)

Entre Salvajes aka Roselyne et les lions (1989) - Director: Jean-Jacques Beineix

Thierry, que dejó el colegio antes de tiempo, hace trabajos ocasionales en el zoológico local a cambio de lecciones del domador de leones Frazier. Conoce a otra, alumna Roselyne, y se enamoran. Frazier despide a Thierry por desobediencia y Roselyne se va con él. Con la ayuda de Bracquard, profesor de Inglés de Thierry, viajan a través de Francia en busca de trabajo. Se unen a un circo, pero no se les permite trabajar con los leones. Finalmente se unen al circo Koenig en Múnich. Roselyne trabajará de artista y Thierry como domador. (FILMAFFINITY)

La isla de los paquidermos aka IP5: L'île aux pachydermes (1992) - Director: Jean-Jacques Beineix

La película cuenta la historia de dos grafiteros marginales, Tonny y Jockey. Durante el coma etílico del padre de Jockey, Tony conoce a una joven enfermera, Gloria, de la que se enamora. Los dos jóvenes recorren Francia, durante el viaje y mientras roban un vehículo conocen a un anciano que viaja por Francia con una mochila y un mapa con todos los lagos rodeados de un círculo rojo. También lleva una pistola con dos balas en el cargador.

Mortal Transfer aka Mortel transfert (2001) - Director: Jean-Jacques Beineix

Michel Durand es un psicoanalista que tiene la costumbre de quedarse dormido mientras escucha a sus pacientes. Al final de una sesión la señora Kubler no se mueve. ¿Qué ha pasado? ¿Quién mató a la esposa de Max Kubler, un granuja promotor inmobiliario? ¿Por qué le duelen tanto los brazos a Michel? ¿Se puede asesinar a alguien mientras está dormido? Michel tiene que hacer algo en cualquier caso, ya que el comisario de policía está investigando y Max se está volviendo loco buscando a su mujer. (FILMAFFINITY)

Hace un par de años, Cinema Libre Distribution editó todas las películas de Beineix en DVD en USA.

Includes: Diva, Betty Blue Director's Cut, Mortal Transfer, The Moon in the Gutter, IP5, Roselyne and the Lions, Locked-In Syndrome, Otaku and Mr. Michel's Dog
Bonus Features: "Life, Passion, Cinema Featurette"
Fuente: http://store.cinemalibrestore.com/jjbcollection.html

Fred Olen Ray: Serie Z, 'bimbo pics', sangre y gamberrismo

2011-11-27T09:50:00.000-08:00

Comparto con ustedes este texto sobre FRED OLEN RAY al que decoré con algunas imágenes, videos y enlaces varios...

Fred Olen Ray: Serie Z, 'bimbo pics', sangre y gamberrismo
por Miguel Ángel Refoyo

A lo largo de tres décadas, el padre de las scream queens, Fred Olen Ray, ha acumulado una profusa e interesante obra perdida en las estanterías de los videoclubes. Aquí damos un rápido repaso a su filmografía que, por lógica, he de estar incompleta, dada su ingente producción...

Afín a la generación de cineastas desarraigados surgidos en la década de los 70 como David DeCoteau, Joseph Mercy, Grant A. Waldman, Jim Winorsky o Michael Hertz, el cineasta Fred Olen Ray ha subsistido a lo largo de tres décadas ofreciendo un cine que, si bien nadie logra situar en año y categoría, sí ha generado una horda de fanfreaks que ha hecho de su cine un objeto de culto lleno de matices nostálgicos y de gamberrismo en altas dosis visuales, tanto de forma indeliberada como delimitando el aspecto más sedicioso de su débil fondo argumental. Durante muchos años el arte de Olen Ray, desdibujado por la serie Z, ha estado perdido en las sepulcrales estanterías de los videoclubes, extraviada entre polvo de carátulas llamativas y evocando una era de apogeo electromagnético en la que sus filmes eran el lapso recreativo de una generación descendiente de la enajenación de Burroughs. Entretanto, este émulo de Ed Wood, quijotesco y eminente dinamitador del arte cinematográfico más refinado, ha permanecido escribiendo, produciendo y dirigiendo películas de carácter beneficioso no tanto para el cine como para él mismo. La revista Variety, en una ocasión, le describió como 'el especialista de la fantasía mugrienta', representando, junto a Winorsky, la alegoría del lema fructuoso de Roger Corman al aplicar las principales bases creativas a las del peor Al Adamson. Es decir, hacer de lo radicalmente barato y risible un negocio rentable. Inagotable descubridor de nuevas perspectivas analíticas de toda la globalidad del cine fantástico y de terror, Olen Ray puede considerarse como uno de los progenitores de las scream queens, del cine cutre con evocación de los filmes de los 50, de las bimbo pics voluptuosas ligeras de ropa, de los sustos en cadena o del triste monstruo de goma sujetado con hilos de pescar. Un compositor de una ironía y humildad constante que procede del puro escarnio con el que Olen Ray ha sabido impregnar sus películas. Puede que su cine sea un mal ejemplo de arte insondable y reflexivo en el epítome cinematográfico, pero hay que dignificar la pretensión de su esquema narrativo, pleno de engarzados lugares de acción y de una reacción fílmica determinada por significativos momentos de esplendidez simplista.

Catedrático del reutilizamiento, Ray ha sabido proteger en todo momento una línea fiel al fantástico, evitando contagiar sus alocadas e irregulares historias de cualquier moda transitoria con artes marciales o sexo explícito. También conocido con los pseudónimos Bill Carson, Roger Collins, Nicholas Medina o Sherman Scott, entre otros muchos, Olen Ray debutaría en el cine como asistente de maquillaje en Shock Waves (1977), de Ken Wiederhorn, una absurda historia de terror en la que los protagonistas eran unos zombies nazis submarinistas. Su opera prima es Honey Britches (1971), co-dirigida con Donn Davison, una paleta cinta de horror que sufriría varios retitulados en sus ediciones videográficas anglosajonas. Su primera película en solitario, The Brian Leeches (1977/78), es una casposa película rodada en 16 mm. que recuperaba la tradición de babosas mutantes que germinaban en la cabeza de las personas para controlar la mente humana y en donde su didactismo fue la nota predominante del rodaje, abarcando casi todas las funciones posibles en una producción. Su siguiente filme, Alien Dead (1980), perpetuó su estilo demencial, recuperando la figura en declive del Flash Gordon catódico Buster Crabbe, en la que la sobreinterpretación y unos efectos ciertamente patéticos provocaron una comedia enloquecida acicalada de un humor camp nunca buscado, aspecto éste que ha impregnado varios momentos inolvidables del cine de Olen Ray. Este insigne agitador del cine de serie Z ha fundamentado una ejemplar mezcla de géneros (a veces sin sentido) que urde sus objetivos en un campo de interés que alude, por su generalidad, al cine trash, consciente de la imposibilidad de consecución de las líneas marcadas por el cine comercial masivo. La mayor virtud del cine de Olen Ray es la intensidad creativa que infiltra su providencia, la pasión cinéfaga y el desvergonzado divertimento basado en un estilo propio que no deja títere con cabeza.

Todo ello sería la tónica de sus siguientes filmes: la obra de culto Scalps (1983), la desgarradora Biohazard (1984), Prison Ship/Star Slammer (1984), El tesoro de la tumba egipcia (The Tomb, 1985), Command Squad (1987) y la apoteósica Las Dreggs, donde el protagonismo recayó en Michelle Bauer, la musa onanística de una generación habituada a babear con Linnea Quigley, Brinke Stevens y Monique Gabrielle, las scream queens que Olen Ray lanzó (siempre en pelota picada) al éxito videográfico, al culto irrepetible. John Carradine, actor fetiche en los primeros años de la carrera de Ray afirmó en una ocasión: "Yo no sé porqué termino haciendo sus casposas películas, pero siempre me convence".

Filmes de acción, de mutantes del espacio, tramas de espionaje y pseudoproductos comerciales llenos de demencia le llevarían a realizar su gran obra maestra, Hollywood Chainsaw Hookers (1988), la cinta que marcaría el signo de un cine inolvidable lleno de hermosas y lozanas chicas sin ropa portando una motosierra, en defensa del mismísimo Gunnar Leatherface Hansen. A partir de entonces, con absurdos éxitos de taquilla y, sobre todo, en soporte videográfico, Olen Ray magnifica la caspa de su cine al amparo de la libertad creativa y la improvisación, sin seguir ninguna regla genérica y encontrando su grandeza en un ámbito del ente fílmico donde la fascinación, la emoción, el aburrimiento y el espectáculo dantesco se redimensionaban en un cúmulo de novedades y refritos de solemne casposidad. El cine de Ray, correlacionado con la fast food de la esfera culinaria, dio a lo largo de los ochenta títulos sin los que el videoclub no tendría sentido. Warlods (1988), Alienator (1989), Demon Cop (1990), Spirits (1990), Terminal Force (1990) o Bad Girls from Mars (1991) son algunas de las míticas cintas en las que un guión exiguo y temible era camuflado con las constantes de su cine: chicas desnudas, desparpajo e irreverencia artística.

Con la llegada de los 90 Ray empezaría a caer en las redes de la televisión por cable metido en thrillers policíacos subidos de tono en el que la estética cuidada enturbió sus propias tendencias, destacando de esta etapa Inner Sanctum (1991) y Over the Wire (1995). Sin perder la constante roña de su celuloide, Ray se ha unido al otro mago de la serie Z actual, Jim Winorsky, para azotar a sus fans con su medicina favorita; más tetas, mutantes, tiroteos, sangre y sustos con The Coven, Dinasour Island (1994) y la grandiosa Scream Queen Hot Tub Party (1991), con las musas ochenteras contando historias de miedo en una bañera. El cine ceremonial, disonante e irregular, áspero y en constante búsqueda de un desequilibrio que se ajusta al muzak visual que tanto atrae al público generalista, queda patente en sus recientes filmes de éxito Mamá es invisible (Invisible Mom, 1995) (con una recuperada Dee Wallace), Bikini Drive-In (1995), Inferno (1997) o El profeta (The Prophet, 1999). Fred Olen Ray continua, por ende, manteniendo su extraña dualidad de extrañeza y discontinuidad que dan como consecuencia enloquecidas paradojas visuales de cine basura, pero amparado siempre en el objetivo fundamental del género. En conclusión, cine dinámico y pretendidamente vacío que, paradójicamente, abre nuevas puertas a la profundidad abisal de un universo apasionante. Descontextualizador de los submundos eróticos, policíacos, científicos y sangrientos, Olen Ray ha conseguido con su cine, vilipendiado e insultado hasta la saciedad, la complacencia de aquellos que sólo quieren disfrutar de una buena ración de serie B, Z o trash, como queráis llamarlo...

En este siglo, sus trabajos incluyen: 15 películas con la palabra BIKINI formando parte del título y cosas como Thirteen Erotic Ghosts (2002), Teenage Cavegirl (2004) y Twilight Vamps (2010). En total tiene créditos como director de 120 películas.

¿ Blu-Ray ? Hay una.

FUENTE TEXTOS: http://www.pasadizo.com/index.php?optio ... le&id=1091
Data de algunos VHSs (3): http://www.rarovhs.com.ar/search/label/ ... Olen%20Ray
Algunas críticas del sitio fantástico: http://dimensionfantastica.blogspot.com ... olen%20ray
ENLACES ADICIONALES:
Algunos DVDRips: http://www.myduckisdead.com/search/labe ... Olen%20Ray
Honey Britches (1971) http://www.vagos.es/showthread.php?t=408568
Scalps (1983) http://thepiratebay.org/torrent/6799323 ... D-DOCUMENT
Sideshow (2000) http://www.vagos.es/showthread.php?t=424601
Bikini Airways (2003) http://thepiratebay.org/torrent/6402452 ... n_Ray_2003
Ghost in a Teeny Bikini (2006) http://thepiratebay.org/torrent/5767533 ... tsGuy_LKRG
Incredibly Strange Film Show All 12 episodes http://thepiratebay.org/torrent/6700799 ... 2_episodes

Una modesta proposición: Jonathan Swift y The Matrix

2011-11-27T09:35:00.001-08:00

Jonathan Swift fue un escritor satírico irlandés. Su obra principal es Los viajes de Gulliver, que constituye una de las críticas más amargas que se han escrito contra la sociedad y la condición humana.
Por más de 100 años, su novela ha sido adaptada en el cine y su contenido licuado para satisfacer al público infantil.

Las versiones más conocidas de esta historia son:
- Gulliver's Travels (1902) de Georges Méliès
- Gulliver's Travels (1939) versión animada de Dave Fleischer
- The 3 Worlds of Gulliver (1960) con lo efectos de Ray Harryhausen.
- Gulliver's Travels (1977) con Richard Harris.
- Gulliver's Travels (1996) con Ted Danson.
- Gulliver's Travels (2010) con Jack Black.
Y en el comic Milo Manara hizo su Gullivera para el deleite de la platea masculina.

Sátira augusta
La primera sátira destacada de Swift fue Cuento de una barrica (1703–1705), que presenta una división entre antiguos y modernos que serviría como una distinción entre el antiguo y nuevo concepto de valor. Los "modernos" buscan el comercio, la ciencia empírica, la razón del individuo por encima de la de la sociedad, mientras que los "antiguos" creían en el valor inherente e inmanente del nacimiento, y de la sociedad sobre las determinaciones individuales de lo bueno. En la sátira de Swift, los modernos parecen locos y orgullosos de su locura, y despreciativos del valor de la historia, e incapaces de entender el lenguaje figurativo porque no han ido a la escuela. La reina Ana consideró que era un ataque a la Iglesia anglicana.
En la sátira más significativa de Swift, Los viajes de Gulliver (1726), se mezclan autobiografía, alegoría, y filosofía. Es una de las sátiras más duras de la historia, bajo la apariencia de una parodia de la literatura de viajes (como la de Daniel Defoe, pero más particularmente los cuentos fantásticos y orientales que circulaban por Londres). Gulliver viaja, en primer lugar, a Liliput, un Londres figurativo acosado por un París figurado, con todas las disputas religiosas de los pequeños hombrecillos. Viaja después a una nación idealizada con un rey filósofo en Brobdingnag, donde el propio Londres de Gulliver es resumido en la expresión del rey, "No puedo sino concluir que el grueso de tus compatriotas son la más perniciosa raza de odiosas alimañas que la Naturaleza ha soportado que repten por la superficie de la Tierra." Gulliver se mueve entonces más allá del reino filosófico a la tierra de los Houyhnhnms, una sociedad de caballos regulada por la pura razón, donde la propia humanidad es representada como un grupo de "yahoos" (bárbaros) cubiertos de basura y dominados por los bajos instintos.

Pero basta de hablar de Gulliver, quería difundir un poco otra de sus obras: Una modesta proposición.

En A Modest Proposal (1729), Swift imita a un "proyectista". Las tiendas de libros estaban llenas de hojas sueltas y panfletos proponiendo panaceas económicas. Estos proyectistas escribirían lujosamente siguiendo las normas de la retórica que habrían aprendido en la escuela comentando un caso, estableciendo que no tenían interés en el resultado, y luego ofreciendo una solución antes de enumerar los beneficios del plan.
El ensayo propone resolver el problema en Irlanda de campesinos inquilinos quienes no pueden alimentar a sus hijos porque los propietarios son inflexibles sobre el arriendo. Después de discutir el problema, sugiere una solución nueva: los padres deben vender sus hijos a los terratenientes ricos para comérselos. Muchos contemporáneos de Swift no entendieron la intención satírica del ensayo de Swift y obtuvo criticas por su escrito de excepcional "mal gusto".
Hay muy poca equivocación lógica en su propuesta, pero es incuestionablemente aborrecible moralmente, y sólo puede aceptarse si uno considera a los irlandeses como ganado. La parodia de un enemigo es perfecta, y la sátira viene no de las grotescas exageraciones de estilo, sino del reino de la moralidad y la ética, ajeno a la literatura.
El objetivo del autor era enfrentar a la sociedad irlandesa, a las condiciones deplorables de los jornaleros y campesinos de su país. Su vehículo de transmisión eran el sarcasmo, la ironía y el humor negro. La obra se ha convertido en un referente indiscutible del género ensayístico. Es su sátira más salvaje.

Boneboys (2012) parece ser que va a ser la primera adaptación cinematográfica de esta historia. Será codirigida por unos tales Duane Graves y Justin Meeks y protagonizada entre otros por Marilyn Burns, la actriz de The Texas Chain Saw Massacre y Eaten Alive de Tobe Hopper.
Con un presupuesto bajísimo, dificilmente escuchemos hablar algo de este proyecto de aquí a su fecha de estreno que según imdb.com será el 1° de Enero de 2012.
Website: http://www.boneboysthemovie.com/
Imágenes: http://twitchfilm.com/news/2011/08/firs ... neboys.php
Calculo que la historia de Jonathan Swift será salvajemente canibalizada en esta propuesta cinematográfica, quedándonos tal vez como único "fiel" testimonio del "espíritu" de esa historia, lo que hicieron los hermanos Wachowsky en 1999 en The Matrix, les dejo un fragmento de un artículo muy interesante:

Multiplicar lo anónimo

En 1729, en un texto satírico y mordaz titulado "Una modesta proposición”, Jonathan Swift expuso el retrato de una sociedad que ubicaba en el exceso de nacimientos de niños pobres el origen de todos sus males.
Propuso, ante tal dificultad, una solución sumamente simple: se debía alimentar a los bebés nacidos hasta que cumplieran su primer año de vida, luego separar y conservar un número razonable y adecuado para garantizar la reproducción, y el resto –sencillamente– podría ser utilizado como alimento.
Entendemos que si una propuesta de este tipo admite ser leída con su caudal de sarcasmo, o si resulta inmediatamente rechazada por horrorosa, es porque en lo esencial esos bebés son –tanto en ese entonces como en el presente– los hijos de unos padres, un eslabón en el entramado generacional. De allí la angustia que produce imaginar la prolongación de la escena, su posible realización.

Modernamente, un breve fragmento de “The Matrix” retoma, en el ahogado escenario "de una simulación neuro–interactiva", un aspecto de esa vieja y modesta proposición: "¿Querías saber qué es la Matrix?", pregunta Morfeo a Neo, antes de conducirlo a la respuesta que ansiosamente él mismo quiere darle. "Es un mundo soñado generado por computadora... Inteligencia artificial: una conciencia única que generó toda una raza de máquinas..."
Y continúa contándole: "No sabemos quién dio el primer golpe, si ellas o nosotros... pero sabemos que nosotros destruimos el cielo... En esa época ellas usaban energía solar, y se pensaba que no podrían sobrevivir sin una fuente de energía tan abundante como el sol. A través de la historia el hombre ha dependido de máquinas para sobrevivir. El destino, aparentemente, no carece de un sentido de ironía."
Morfeo continúa su relato, pero la descripción que sigue no imita el sarcasmo de Swift: "...el cuerpo humano genera más bioelectricidad que una batería de 120 voltios, y más de 25.000 BTU de calor corporal. Eso, combinado con una forma de fusión, dio a las máquinas toda la electricidad necesaria para subsistir. Hay campos, Neo, campos sin fin donde los seres humanos ya no nacen. Somos cultivados. Durante mucho tiempo me negué a creerlo, hasta que vi los campos con mis propios ojos. Los vi licuar cadáveres para alimentar intravenosamente a los vivos... Y parado ahí, encarando esa precisión horripilante, me di cuenta de lo obvia que era la verdad."
La Matrix, dice Morfeo, es ese mundo soñado que ha sido construido para mantenernos bajo control, y que tiene por finalidad transformar un ser humano en energía. Se trata "de convertir un ser humano en esto...", insiste, mientras acerca a la mirada de Neo una pila.

Nihilismo total, el de Swift, el gran misántropo. Cuentan de Timón de Atenas que había puesto una higuera en su huerto para que se ahorcase quien quisiera, y que en su tumba dejó este epitafio: «Timón el misántropo soy. ¿Qué esperas? Maldíceme a tu gusto cuanto quieras, con tal de que te quites de delante». Muchos siglos después, el irlandés Jonathan Swift, que murió en plena demencia, habría de dejar en su testamento parte de sus bienes para fundar un manicomio; redactó su epitafio con estas palabras latinas: «Ubi saeva indignatio ulterior cor lacerare nequit», que en una traducción no el todo infiel se leerían: «A esta tierra llegó el viajero Swift, aquí donde la fiera indignación no puede ya lacerar el corazón».

O como diría Fat Bastard en Austin Powers 2: "I want my baby back baby back baby back baby back baby back baby back ribs. *Chili's* Baby back ribs"

FUENTES:
http://es.wikipedia.org/wiki/Jonathan_Swift , http://es.wikipedia.org/wiki/S%C3%A1tira_augusta
http://www.eticaycine.org/The-Matrix,144 (Re–producción de lo anónimo por Kletnicki, Armando)
http://www.ciudadseva.com/textos/otros/modesta.htm (Una modesta proposición, Sátira: Texto completo)
http://www.unav.es/noticias/opinion/op090302.html (Los viajes de Gulliver o el horror de la condición humana)
http://rs702.rapidshare.com/files/20715 ... livera.zip (Gullivera de Milo Manara)
http://drindor.free.fr/Comics/Manara/Gu ... index.html (Gullivera de Milo Manara)
http://rocamar.deviantart.com/gallery/23982425 (Lilliput)

Deadly Blessing (1981) DVD Z2 UK ARROW - Dir.: Wes Craven

2011-11-27T09:33:00.000-08:00

Alguna vez cité esta película en otro post...

<em>MartinD1</em> escribió:Deadly Blessing (1981) - Director: Wes Craven

POSTER HQ: http://www.wrongsideoftheart.com/2009/0 ... -1981-usa/
Sip, la del poster es Sharon Stone, en su segunda película como actriz.
También laburan Michael Berryman y Ernest Borgnine en esta película.
Por alguna razón que desconozco no está editada en Zona 1.
Y en España viene doblada sin subtítulos, cosa de locos. http://www.index-dvd.com/dvd-bendicion- ... 14867.html
Así que... http://www.nd-warez.info/english-movies ... d-rip.html
O bien: http://hworang.folderland.com/deadly-bl ... 981/45312/

FUENTE: Consulta - Peliculas De Sectas

Ahora ARROW VIDEO UK va a lanzar una edición de esta película como se merece...
Conocida como Extasis Mortal o Bendición Mortal según de que lado del charco estes, el argumento es el siguiente:

En una comunidad de fundamentalistas (secta religiosa que considera los adelantos técnicos como manifestaciones diabólicas), se introduce Martha, como esposa de uno de los miembros. A partir de entonces se desencadenarán una serie de acontecimientos terroríficos.

Deadly Blessing (1981) DVD Z2 UK ARROW - Director: Wes Craven

Arrow Video has announced the release of Deadly Blessing for the 14th of November, priced at around £15.99. Details of bonus material can be found below, along with the artwork.

VIDEO: Original 1.78:1 Anamorphic Aspect Ratio Presentation
AUDIO: Original Mono 1.0 Audio
SUBTITULOS: Arrow Video no subtitula sus ediciones.
EXTRAS:
- Introduction by star Michael Berryman
- Craven Images: The Horror Hits of Michael Berryman (The Hills Have Eyes Series, Cut and Run, Weird Science) - An interview with Deadly Blessing’s iconic star
- Deadly Desires: An interview with screenwriter Glenn M. Benest
- Original Trailer
- Easter Eggs
- Reversible sleeve with original and newly commissioned artwork by Rue Morgue art director Gary Pullin
- Double-sided fold-out artwork poster
- Collector’s booklet featuring brand new writing on the film by author and critic Kim Newman
- Original art by Gary Pullin

Además de Sharon Stone, Maren Jensen (escena de la bañera al estilo Wes Craven, si Hitchcock hizo la escena de la ducha, a Craven tal vez le debamos las de bañera, sino vean Slither y tantas otras), Susan Buckner y Lisa Hartman aparecen en esta película.
Maren Jensen tuvo una corta carrera. Era Athena en Battlestar Galactica (1978) y además de esta película que fue la última que hizo filmó en 1979 Beyond the Reef (1981) que tardó casi 2 años en estrenarse. Sufría del Virus de Epstein-Barr y se retiró de la actuación.
También fue la última película de Susan Buckner quien aparece en The First Nudie Musical (1976), en Grease (1978).
Por otro lado fue la primera película en donde Sharon Stone actua y no figura como en sus 2 apeles anteriores y fue la segunda película de Lisa Hartman.

CLIP / MULTIMEDIA:

ENLACES:
http://www.amazon.co.uk/Deadly-Blessing ... 005KQOVGI/
http://www.arrowfilms.co.uk/index.php?tle_id=559
http://www.dvdactive.com/news/releases/ ... ssing.html
http://www.wrongsideoftheart.com/2009/0 ... -1981-usa/ (posters HQ)
http://planetsuzy.org/showthread.php?t=480053
http://sharenxs.com/view/set.php?id=oxo ... 91-tj83rec (imágenes de Maren Jensen)
http://sonofcelluloid.blogspot.com/2011 ... -1981.html
http://www.ioffer.com/i/DEADLY-BLESSING ... -141680445 (imágenes de la película)
http://www.rarovhs.com.ar/2010/05/deadly-blessing.html

The People Vs. George Lucas (2011) DVD Z1

2011-11-27T09:28:00.000-08:00

The People Vs. George Lucas (2011) DVD Z1

Studio: Lionsgate | Release Date: 10/25/2011

“The People vs George Lucas”, nunca se dijeron tantas verdades en una hora y media.
Es una cinta documental creada por Alexandre O. Philippe con la intención de invertir la relación, generalmente unilateral, que suele darse entre creador y fans. Philippe se dedica a recopilar secuencias de los millones de fanfilms que circulan por la red, hasta ahora única forma de expresión del aficionado, y combinarlos con diversas entrevistas que repasan los puntos mas controvertidos del reciente trabajo de Lucas.

Antes de entrar en materia, vaya por delante que estas líneas las escribe un confeso e incondicional fan del universo Star Wars que ha llegado a comprar hasta cuatro versiones distintas de la trilogía, si contamos versiones VHS y DVD, y que suele poner ojitos ante (casi) cualquier producto de merchandising firmado por Lucasfilm LTD. Que nadie piense que “The People VS George Lucas” muestra a un grupo de freaks radicales cuya vida gira entorno a Star Wars y a los que la opinable calidad de las preculeas haya arruinado la vida, no es eso. El enfoque no es el de juzgar a George Lucas por crímenes contra la humanidad, ni mucho menos, simplemente se crítica el trabajo de un cineasta que generó un importante movimiento social alrededor de su obra y que posteriormente no ha sabido estar a la altura. El documental no es en esencia tendencioso, y si bien es cierto que la mayoría de entrevistas son críticas con Lucas (no en vano es la opinión mas extendida), también hay espacio para quien habla a favor de él y su libertad de acción como genio creador al margen de la opinión de los fans. Lo cierto es que la gran virtud de este documental, bajo mi punto de vista, es que refleja el sentimiento de la gran mayoría de aficionados a la saga galáctica, un balanceo constante entre la admiración y la decepción sin que ninguna de las dos pueda hacernos olvidar a la otra, por mas que lo hemos intentado.

En algo más de hora y media, estructurada en capítulos cuyos títulos parodian con inteligencia el de las propias precuelas, se enumeran con sátira y cierto veneno, tocando ahí donde más duele, cada una de las recientes decepciones sufridas por los fans de la saga. Empezamos por la edición especial, que vio la luz en 1997 y en la que se incluyeron diversas escenas generadas por ordenador que sustituyeron (en algunos casos) a las antiguas maquetas que le hicieron ganar el oscar en 1978. También se incluyeron escenas nuevas, como el encuentro entre Han Solo con Jabba the Hutt en Mos Eisley que no acabó de convencer a nadie y el reformulado duelo entre el primero y Greedo, que causó la ira de los fans a nivel mundial llegando incluso a la parición de camisetas con el texto “Han Shot First” (Han dispara primero). Por lo visto cuando se produjo el salto digital al formato DVD las “antiguas” versiones se quedaron atrás, situación que hizo a los fans organizarse para reunir firmas a favor de una versión en DVD de la trilogía que ellos consideraban “original”. Desde Lucasfilm obtuvieron una respuesta oficial argumentando que las cintas estaban “demasiado deterioradas” para poder trabajar con ellas y que la edición especial era la única que perduraba, porque mostraba la “verdadera visión” de la historia que tenia el director. Ante la indignación, hubo quien realizó de forma completamente ilegal un rip del Laser Disc (Los que tengan algunos años sabrán de que hablo) editado antes de los cambios y que constituía la única copia digital sin modificaciones de la trilogía, que empezó a distribuirse por la red.

Tras esta apoteosis la cinta se centra en el estreno de las precuelas, especialmente del esperado Episodio I que, según los medios de la época provocó ausencias masivas al trabajo en Estados Unidos. La verdad es que los que vivimos aquello recordaréis la ansiosa espera, los tráilers con cuentagotas y los disfraces en las colas del cine. Un estreno que en la mayoría de casos fue decepcionante, solo atenuado por la expectativa de que los episodios II y III fueran a mejor, ¡Que equivocados estábamos! El documental tiene cabida también para el infame especial de navidad que se emitió en Estados Unidos protagonizado por Chewaka y su familia y del cual, por lo visto, el propio Lucas se avergüenza hasta el punto de intentar eliminarlo por completo de cualquier extra o contenido, como si jamás hubiera existido. Pero no penséis que la cosa acaba con Star Wars, pues aunque menor en numero de fans, Indiana Jones es también un personaje muy querido, y cuando se trata de cagadas, lo de “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull” no tiene nombre.

En general se trata de una película absolutamente recomendable para cualquier fan de Star Wars, pues partidario o detractor de Lucas (incluso neutral si es que los hay) se sentirá identificado con muchos de los testimonios, sentimientos e ideas que se expresan. Para cerrar me quedo con dos frases de tantas que se dicen. Una de cada tendencia, para que no se diga. Por un lado uno de los molestos fans comenta:
”En realidad, los que decimos que nos gusta la primera trilogía (I,II y III) es porque realmente queremos que nos guste, nos esforzamos en hacer que nos guste porque nos resistimos a creer que no es así”.
Por otro, uno de los que sale en defensa de Lucas, no sin razón nos recuerda:
”Es cierto, George Lucas ha hecho tres películas que no nos han gustado. Pero hizo otras tres que no olvidaremos jamás”.

ENLACES:
http://avaxhome.ws/video/Format/documen ... lucas.html
http://extracine.com/2010/10/the-people ... ra-y-media

Surviving Life / Přežít svůj život (2010) - Jan Svankmajer

2011-11-27T09:20:00.001-08:00

Tercer trabajo en este siglo de uno de los más grandes animadores del Siglo XX.
Greedy Guts / Little Otik (2000) y Lunacy / Insania (2005) habían sido los anteriores.
Surviving Life, sexto largometraje de Svankmajer, el primero que realiza sin la colaboración de su esposa, une con la técnica del collage, secuencias rodadas e imágenes de animación concebidas por Martin Kublàk, Eva Jakoubkova y Jaroslav Mràzek. El resultado es asombroso. Al principio de la película, el mismo Svankmajer aparece para advertir al espectador, con ironía, que las opciones técnicas se deben a consideraciones no de estilo sino de presupuesto, que la película es “psicoanalítica” porque aparece un psicoanalista y que su intervención no es una meta-reflexión sino un añadido necesario por razones de longitud de la película.
“Nuestra sociedad no se fía de los sueños si no pueden ser capitalizados” comenta Svankmajer, pero como sugiere Georg Christoph Lichtenberg, “sólo a través de la reconciliación entre sueño y realidad puede dar a la vida humana toda su plenitud”.

Les dejo una reseña de SéptimoVicio.com:
Aproximación en clave freudiana a la infancia de un taciturno contable sumido en una inexorable crisis existencial, la última película del octogenario Jan Svankmajer, Surviving Life, se embriaga de imágenes surrealistas y bizarras así como de continuos homenajes tanto a la filmografía de Terry Gilliam (con Brazil y Monty Phython’s Flying Circus como claros referentes) o Bill Plympton (en su retrato de las relaciones de pareja) como a la suya propia (el argumento se repleta, entonces, de lenguas entrelazadas, absurdos kafkianos, comida devorada en stop-motion…), no por casualidad, fuentes y referentes, los unos de los otros, en buena parte de sus trayectorias profesionales.

Surviving Life / Přežít svůj život (2010) - Director: Jan Svankmajer

DVD9 | Czech | PAL 16:9 | 720x576 | ~8400 kbps | AC3 | ~448 kbps | 6 ch | 7.41 GB
Subs: Eng+Fre+Spa+Ita+Rus+Ger | Genre: Avant-garde Surrealism, Animation, Comedy, Fantasy

Eugene, un hombre maduro, se ve continuamente acechado por un sueño recurrente en el que se enfrenta a una extraña mujer, de nombre cambiante y apariencia seductora, vestida de rojo y repleta de servidumbres: un hijo, Peter; sendas cicatrices en sus muñecas; la constante irrupción de un marido borracho cada vez que inicia el cortejo con aquel que sueña... En su día a día, Eugene sobrevive a su rutina junto a su esposa, participando en juegos de azar, dormitando en la oficina a espaldas de sus superiores, tratando de encontrar el modo, si acaso de forma provocada, que le permita seguir disfrutando de ese sueño que, a estas alturas, ya se ha convertido en una obsesión. Aconsejado por su compañero de trabajo, recurre a los servicios de una psiquiatra que le ayude a comprender el significado de sus continuas ensoñaciones, llegando a una conclusión desoladora que, sin embargo, y a modo de expiación (que tiene tanto de herramienta autorredentora como de recuperación del tiempo perdido), no quiere dejar de lado, aún a riesgo de empeorar, de forma irreparable, no ya su relación de pareja sino su propia cordura.

Svankmajer repleta todos y cada uno de los fotogramas de los que se nutre Surviving Life (formalmente aliñados de imágenes en stop motion, sobreimpresiones fotográficas y collages: el propio Svankmajer bromea en la introducción acerca de este abuso) de suculenta imaginería psicoanalítica (ante los ojos de Eugene, las mujeres jóvenes se presentan desnudas y con rostro de gallina; las de mayor edad lo hacen con cuerpo de gallina y rostro de mujer; los hombres se dibujan, indistintamente, con cuerpo de serpiente, cabeza de perro o de cocodrilo…) gozosamente servida ante la atenta mirada de sendos cuadros de Freud y Jung (que, no por casualidad, protagonizan alguno de los momentos más divertidos de la cinta). Tal es la sobreabundancia simbólica de la que se nutre la película, que toda ella se convierte en si misma en iterativa y recurrente, incluyendo en este contexto las explicaciones dadas por la psiquiatra de marras.

No falta en un argumento trufado de referencias edípicas, la presencia de una entidad moral que enjuicia (y pone no pocas zancadillas) al protagonista; un superego representado, de forma irónica, por una mendiga arisca que transita con un carro infantil por el desolado paisaje en el que se ha convertido el subconsciente de Eugene, gritando a los cuatro vientos su condición megalómana. Ranas, melones, huevos y manos aplaudiendo completan la particular cosmogonía iconográfica de la última de las películas de Svankmajer, también la más accesible, una comedia que, como el propio autor checo admite en el prólogo (en una presentación que le emparenta, también en sus intenciones provocadoras, a William Castle), bien podía no serlo a medida que hunde su escalpelo en las entrañas subconscientes de su protagonista. Una película sesudamente imaginativa que va perdiendo su capacidad de sorpresa a medida que va revelando sus cartas, casi todas formales, pero no su condición de obra inteligente y distinta construida alrededor de la memoria y sus vacíos existenciales. Y es que nunca antes una película de indudables pretensiones terapéuticas se presentó con un acabado estético tan desbordante. No podría ser de otro modo cuando uno habla de Jan Svankmajer.

TRAILERS:

IFFR Critics' Talk: Jan Svankmajer

Robert Gray interviews the Czech filmmaker Jan Svankmajer about his latest feature Surviving Life at the International Film Festival Rotterdam 2011.

ENLACES:
http://avaxhome.ws/video/genre/Mystery/ ... r2010.html
http://www.taringa.net/posts/noticias/6 ... iler_.html
http://www.septimovicio.com/criticon/20 ... ving-life/
http://goregirl.wordpress.com/tag/jan-svankmajer/

Surviving Life, comedia psicanalítica de Svankmajer http://cineuropa.org/2011/nw.aspx?t=new ... tID=150246
Jan Švankmajer, coleccionista de sombras @ http://www.lanacion.com.ar/1345098-jan- ... de-sombras

Sea of Dust (2008) - Director: Scott Bunt - con Ingrid Pitt

2011-11-27T09:19:00.001-08:00

Homenaje al cine de la Hammer y Mario Bava

El veterano guionista Scott Bunt escribe y dirige "Sea of Dust", todo un homenaje al cine de terror de los 60, asumiendo el estilo de las producciones de la Hammer y los colores de Mario Bava en un sangriento cóctel que ya se vende como un cruce entre David Lynch y "Las Novias de Drácula".
El especialista de los FXs Tom Savini encabezaun reparto que incluye a Troy Holland, Darby Totten, Sarah Dauber, Pete Barker, Bill Timoney, Eve Blangiardo, Edward X. Young, Celina Murk, la veterana Ingrid Pitt (una auténtica leyenda del cine fantástico de los 60 y 70) o la scream queen Suzi Lorraine, nombre reconocible para los aficionados a la serie B más descacharrante y perversa.

Sinopsis:
El film se inspira en el mito de Prester John, figura imaginaria de la fantasía medieval. Descendiente de los Tres Reyes Magos y Patriarca de la Cristiandad, John gobernaba un reino cristiano perdido en Oriente entre musulmanes y paganos. Dicho reino se decía que estaba provisto de abundantes riquezas y poblado por criaturas fabulosas. Del mismo modo, en él se hallaban tesoros de la Antigüedad como la Puerta de Alexander y la Fuente de la Juventud. Este carácter fictio inspiró precisamente un personaje de la Marvel que aparecía en un cómic de "Los Cuatro Fantásticos". En la versión de Stan Lee y Jack Kirby, su reliquia más valiosa era el Ojo del Mal. Obsequiado con éste por las gentes del reino de Avalon, este artefacto le permitía dominar sin oposición este vasto territorio y viajar en el tiempo.
Savini interpreta a un Prester John contemporáneo que quiere recuperar ese reino anexo al Paraíso a costa del asesinato de mujeres hermosas que deberán ser sacrificadas con ayuda de su fiel y maquiavélica discípula Anna (Pitt). En un pequeño pueblo asediado por el mal, sólo algunos resistirán y se enfrentarán a John.

DVD EXTRAS:

Extras for this release include a teaser, two trailers and a ‘Grindhouse’ teaser for the film. Other extras include deleted scenes (3 minutes 50 seconds – anamorphic widescreen) with optional audio commentary with screenwriter / director Scott Bunt and producer Pauline Bunt, a slideshow with music from the film playing in the background and a ‘Behind the Scenes’ segment (14 minutes 40 seconds – anamorphic widescreen). This ‘Behind the Scenes’ segment features comments from the cast and crew who all discuss how they got involved in the project. The most interesting comments come from Scott Bunt who discusses how Hammer Films and Mario Bava were his main inspirations. The main extra included with this release is an audio commentary with screenwriter / director Scott Bunt and producer Pauline Bunt. The audio commentary gives a well rounded overview about the various aspects of this production. Also included with this release is a promo image gallery of titles that are available on DVD from Cinema Epoch. Overall Sea of Dust gets a first rate DVD release from Cinema Epoch.

TRAILER 720p:

Poster HQ @ http://www.bloodsprayer.com/wp-content/ ... gh-Res.jpg

ENLACES:
http://10kbullets.com/reviews/s/sea-of-dust/
http://altanima.blogspot.com/2008/04/se ... avini.html
http://www.almasoscuras.com/sea-of-dust
http://www.bloodsprayer.com/interviews/ ... cott-bunt/
http://www.mondo-digital.com/seadust.html
DVD Z1 Cinema Epoch: http://www.dvdempire.com/Exec/v4_item.a ... id=1538356
TPB: http://thepiratebay.org/torrent/6323828/ Sea_of_Dust_2008_DVDRip_Xvid_BigPerm_LKRG
WEBSITE: http://www.seaofdust.com/

The Private Afternoons Of Pamela Mann 2-Disc Special Edition

2011-11-27T09:17:00.000-08:00

El gran Radley Metzger, aka Henry Paris, recibe el tratamiento real en uno de sus títulos XXX.

Distribpix Presents Radley Metzger's The Private Afternoons Of Pamela Mann 2-Disc Special Edition 8/22/2011

Street Date: August 22,, 2011.
Video Format: 1.85.1 Anamorphic Widescreen
Audio: English Language Dolby Digital Mono
Subtitles: English

Distribpix Inc. is very proud to announce the inaugural offering in their exclusive Henry Paris series which represents definitive editions of the adult films of Radley Metzger. The Private Afternoons Of Pamela Mann, restored in high definition from the original 35mm blow up negative and completely uncut for the first time ever on DVD, arrives August 22, 2011 in a director approved two-disc special edition loaded with an unprecedented amount of supplemental material which presents the film in its proper historical context.
The film that Al Goldstein called ‘the best film of the year’ in 1974 tells the story of a private detective named Frank (Eric Edwards) who is hired by Mr. Mann (Alan Marlow) to investigate the infidelities he believes his wife, Pamela (Barbara Bourbon), to be involved in. Frank’s job takes him on a tour of New York City but also finds him becoming more and more interested in the woman he’s being paid to follow.
Made with the same flair and style that director Radley Metzger employed in established softcore classics like Score and The Image, his first adult film The Private Afternoons Of Pamela Mann, is erotica for the discerning cinema fan, a perfect blend of arthouse sensibilities and a keen eye for the sensual and the sublime. Featuring a host of top tier talent from the golden age of adult filmmaking, the film also stars Darby Lloyd Rains, Georgina Spelvin, Sonny Landham, Marc Stevens and Jamie Gillis.
In their ongoing quest to preserve the legacy of the golden age of adult movies, Distribpix has made every effort to document and explore the history of this important masterpiece of erotica, sure to appeal to adults of all ages, male and female alike. Metzger’s unique brand of erotic cinema has gone on to legendary acclaim from critics and fans alike. By focusing more on story and production values as much as on the sex itself, his filmography stands the test of time as some of the most mature and beautifully made adult motion pictures in history.

Disc One:
- All new restored HD transfer of the UNCUT hard version (83 minutes)
- Audio commentary with director Radley Metzger and adult film historian Benson Hurst
- Music commentary track detailing the history and stories behind the score
- ‘Eric Edwards: A True American Actor’ 40 minute interview/featurette
- Original theatrical trailer
Disc Two:
- All new restored HD transfer of the soft version (72 minutes)
- ‘The Legendary Georgina Spelvin’ 40 minute interview/featurette
- ‘The Locations of Pamela Mann’ now and then location comparison featurette
- ‘Metzger’s Manhattan’ featurette with never before seen location and test footage
- ‘The Cutting Floor’ collection of never before seen outtakes and rare deleted scenes
- 2011 DVD release trailer
- Ephemera Collection of vintage magazine and newspaper articles and print memorabilia
- Still gallery of color and black and white production stills from the Metzger archives

Also included inside the deluxe packaging is a full color 44-page booklet, ‘The Story Of A Classic’ which includes essays from Benson Hurst, Ian Culmell and Lawrence Cohen providing detailed insight and analysis into the history and cultural significance of this film and the people who made it. The first 1000 copies will also include a limited edition 5 x 7 photo insert of beautiful leading lady Barbara Bourbon and one of her baby tigers, reproduced from vintage 1974 ad campaign materials.
UNTIL FURTHER NOTICE THIS LIMITED EDITION IS AVAILABLE EXCLUSIVELY THROUGH VIDEOXPIX.COM.

ENLACES:
http://www.rockshockpop.com/forums/content.php?1726
https://distribpixblog.wordpress.com/
http://thepiratebay.org/search/pamela+mann/0/3/500
http://www.myarchives.net/showthread.php?10759
RADLEY METZGER en HD - POST OFICIAL DEL FORODVDMANIA @ http://www.forodvdmania.com.ar/phpBB3/v ... 25&t=53237

Esperemos que llegue a otros canales de distribución que no sean VideoPix.com muy pronto.

The Captains: A Film By William Shatner (2011) DVD Z1

2011-11-27T09:05:00.000-08:00

No hace mucho agarre una "Reunion" entre Shatner, Nimoy y los de The New Generation junto a Whoopy Goldberg.
Está en 720p y el subtítulo en español se consigue.
Star Trek: The Captain's Summit (1 of 7)

[url=http://www.phyrefile.com/image/view/1rFRr07jirCTbCde]

For the first time in Star Trek history, five of the final frontier's greatest names have been brought together for a 70-minute rare and unprecedented round table event. Filmed exclusively for the Star Trek: Original Motion Picture Collection, William Shatner, Leonard Nimoy, Patrick Stewart, Jonathan Frakes and host Whoopi Goldberg share candid insights, humourous moments, and intimate details about life on the set, working with each other and how Star Trek has affected their lives.

En Youtube pueden encontra cosas como estas:
Jonathan Frakes & Marina Sirtis - Reunion Of The Rikers / The Star Trek Cast

Ahora William Shatner armo su propio documental:
The Captains: A Film By William Shatner (2011) Film By William Shatner

Studio: E1 Entertainment | Release Date: 10/4/2011 | Length: 120 mins

Ah, y también les dejo este otro:
Star Trek: A Captains Log (2010) - Documentary

This documentary is a trip through the original series. The whole movie is composed of short fragments showing the high points of original series. Between them we can listen to comments of actors. They talk how they felt during shooting, how they feel the series now and what is the meaning of series for the mankind. The original series is full of allegories and in this documentary they are all presented to us with straight words. All leading characters are presented, described and we find out what they do really represent. In the last third the movies with original crew are presented.

ENLACES:
http://avaxhome.ws/video/Format/documen ... _2011.html
http://tehparadox.com/forum/f89/star-tr ... 4-1108071/
http://www.subdivx.com/index.php?accion ... &oxfecha=2
http://tehparadox.com/forum/f73/star-tr ... ry-752334/

Live long and prosper !!!

Thursday (1998) DVD Z1 - Director: Skip Woods

2011-11-27T09:03:00.001-08:00

Esta película no es fácil de conseguir en DVD porque la editora se fundió y distribuyó muy pocas copias.
Encima es letterbox y apenas si supera el tamaño de un DVD-5.
Así que aprovechen que volvió a aparecer en un sitio de descarga para conseguirla y tenerla.
La había comentado hace un tiempo en otro post y el enlace que había puesto creo que ya no existe.

MartinD1 escribió:El DVD de THURSDAY como ya les dije tuvo el problema que se fundió la editora y solo existen 1000 aprox.
Y si, es un DVD-5.

La escena de la Porizkova Aquí: http://forum.phun.org/showpost.php?p=4197077
Yo la había visto por cable hace tiempo y me había quedado loco con la escenita que le planta Paulina Poriskova a Thomas Jane (actor que actualmente está casado con Patricia Arquette que laburó junto a Jennifer Rubin en Pesadilla 3: Dream Warriors en donde compartía cartel entre otros como ya dije con Jennifer Rubin, otra modelo/actriz al igual que la Porizkova que está en la película Bad Dreams que recomendé más arriba).

Thursday (1998) [Director's Cut] - Director: Skip Woods

DVD5 (VIDEO_TS) | NTSC 4:3 (720x480) | 01:27:31 | 4,51 Gb
Audio: English 5.1/2.0 @ 448/192 Kbps | Subs: English
Genre: Action, Crime | 1 win | USA

También unos HDTV dando vueltas de 720p / 1080i.

ENLACES:
http://avaxhome.ws/video/genre/crime/Th ... 8_dvd.html
Consulta - Peliculas De Sectas viewtopic.php?f=4&t=47270&p=611340
http://sharingcentre.net/forum/271707-t ... kinozalhd/
http://www.rsmoviedownloads.com/MULTI-T ... GRoup.html
http://hdarena.org/f9/123836-thursday-1 ... hdtv-720p/
http://www.opensubtitles.org/en/search/ ... uageid-spa
http://www.subdivx.com/index.php?accion ... &oxfecha=2

Clip en 1080p @ http://forum.vintage-erotica-forum.com/ ... ostcount=9 (+18)
Fotos @ http://justfreepics.org/celeb.php?id=paulina+porizkova (+18)
Artículo: El antes y el después de diez supermodelos @ http://www.elnuevodia.com/elantesyeldes ... 22070.html
Paulina Porizkova: extreme beauty @ http://octopusmagnificens.blogspot.com/ ... eauty.html

Esta checa de ojoz azules es la modelo a la que más se parece para mi la actriz Olivia Wilde (House, TRON: Legacy), tiene un aire, Paulina era realmente bella en los '80s y '90s como salta a la vista.

Nightmare (1981) DVD Z1 - Director: Romano Scavolini

2011-11-27T09:02:00.000-08:00

1981 fue un año sangriento para el cine.
La fiebre roja que trajeron Halloween y Friday the 13th (Viernes 13) se extendía de manera imparable y sería una de las marcas registradas del cine de los '80s junto con las comedias estudiantiles , las "buddy movies" y el renacimiento del género musical de la mano del videoclip con ejemplos como Footloose y Flashdance a la cabeza.
Pero volvamos a la sangre, el foro es testigo.

Algunos Posts existentes:
Halloween II (1981) Blu-Ray USA - Director: Rick Rosenthal viewtopic.php?f=25&t=54468&p=720474
The Funhouse (1981) Blu-Ray UK - Director: Tobe Hooper viewtopic.php?f=25&t=54005&p=712870
Happy Birthday To Me (1981) DVD Z1 - Director: J. Lee Thompson viewtopic.php?f=4&t=44650&p=566252
Dead & Buried (1981) Blu-Ray USA - Director: Gary A. Sherman viewtopic.php?f=25&t=36072&p=443667
Friday the 13th Part 2 (1981) Blu-Ray - Dir: Steve Miner viewtopic.php?f=25&t=36068&p=443660
MY BLOODY VALENTINE (1981) DVD Z1 - Director: George Mihalka viewtopic.php?f=4&t=35042&p=429568
Lecturas: Los años 80, la década codiciosa ---> http://cineydvd.mforos.com/89932/630959 ... codiciosa/
Listado: Horror Movies of 1981 ---> http://www.horrormovies.org/horrormovie ... &year=1981

An American Werewolf in London (1981), The Beyond (1981), The Burning (1981), Cannibal Ferox (1981), Don't Go Near the Park (1981), The Dorm That Dripped Blood (1981), House by the Cemetery (1981), Just Before Dawn (1981), Madman (1981), Pieces (1981), The Prowler (1981) y por supuesto Nightmare (1981).
Dirigida por Romano Scavolini y conocida por su título largo: Nightmares in a Damaged Brain (Pesadillas de una mente enferma o Violencia se escribe con sangre) o simplemente como Blood Splash.
Si la quieren con subtítulos busquen un VHS o un Rip + Subdivx.com, si quieren la papa (2 DVD-9) vayan a AvaxHome y agradezcánselo al usuario Someonelse.

Nightmare aka Blood Splash (1981) DVD Z1 - Director: Romano Scavolini

2xDVD9 (VIDEO_TS) | NTSC 4:3/16:9 (720x480) | HQ Cover | 3x98 mins | 8,14 Gb + 7,85 Gb
Audio: English Dolby AC3, 2 ch | Subs: None
Genre: Horror, Thriller | USA

Disc 1:
- Bonus 2008 Hi-Def master 1.78:1 (16:9) created from the two best 35mm prints
- Audio Commentary with make-up artist Cleve Hall and star Baird Stafford
- Full frame coler corrected telecine (2005) approved by Romano Scavolini
- "Making of a Nightmare" interview with Baird Stafford, Cleve Hall and ex-distributor Tom Ward
- "New York Nightmare" interview with New York special effect make-up Edward French
Disc 2:
- Brand new 2011 telecine 1.78:1 (16x9) from a recently discovered slightly better 35mm print
- Uncensored 95min Italian interview from Romano Scavolini in Italian language
- 2 different NIGHTMARE trailers
- CODE RED trailers

ENLACES:
http://avaxhome.ws/video/genre/horror/N ... 1_dvd.html / http://www.codereddvd.com/product.php?id=100
http://dimensionfantastica.blogspot.com ... omano.html
http://www.hysteria-lives.co.uk/hysteri ... brain.html
http://www.vagos.es/showthread.php?t=378270 / http://www.vagos.es/showthread.php?p=1053879502

Creo que es UNCUT finalmente. Según lo que leí hay VHSs de 100 minutos, 96 minutos, 95 minutos, y de 99 minutos y 24 segundos.
El DVD dice que es UNCUT con 98 minutos y monedas en sus 3 versiones.
La diferencia de 1 o 2 minutos no sabría decirte si es real, solo vos creo que podrás notarlo.
Yo creo que nunca la ví esta película y me voy a estrenar con estos DVD-9 en su máxima calidad posible.

Información sobre censura:
Nightmare aka Schizo / Dir.: Romano Scavolini / 1981 / USA
Released on tape in the early 80's, this was reviewed by the censors in 1985. Two versions were refused running 100 and 96mins, before being passed with an R at 95mins (v). Video Classics never put this print out, but their original early 80's tape runs 99min 24sec and is uncut.
In 1987 Palace Video retitled this Schizo, cut it to 89mins (v) (89min 03sec) & were awarded an R rating. Avoid this and try and track down the original Video Classics tape.
FUENTE: http://www.refused-classification.com/F ... #nightmare

Información completa sobre los contenidos del DVD:
R0 AE America - (Code Red - 30th Anniversary Edition)

DISC ONE:
*The Film (Widescreen Version) (98:14 - NTSC) UNCUT
*The Film (Original Full Screen Version) (98:23 - NTSC) UNCUT
EXTRAS:
- Audio Commentary with actor Barid Stafford and Cleve Hall
- "Making of Nightmare" featurette
- "New York Nightmare" interview with special effects make-up artist Edward French
DISC TWO:
- *The Film (Widescreen Version from uncut composite print) (98:09 - NTSC) UNCUT
Extras:
- Interview with director Romano Scavolini (in Italian with no subtitles) (95:55)
- 2 Theatrical Trailers / Code Red Trailers

Aspect Ratio: Multi Aspect Ratio
- Disc One presents the film in both 1.78:1 anamorphic widescreen and original 1.33:1 non-anamorphic full screen.
- Disc Two presents the film in anamorphic 1.78:1 widescreen.
Picture Format: NTSC
Soundtrack(s): English Dolby Digital 2.0 Dual Mono (SIN SUBTÍTULOS DE NINGÚN TIPO)
Case type: 2-Disc Keep Case
Notes: Limited to 100,000 copies.
Disc Two's disc art resembles a DVD-R. Don't worry as this is indeed a factory-pressed DVD.

Información sobre la censura del DVD:
Code Red for the complete version of the film (with 2 widescreen versions and the original full screen version) and great set of extras. Do note, Anchor Bay UK has 5.1 and DTS mixes (along with the original mono) but only features the R-Rated version.
General Notes:
There are many different cuts of this film. Most versions are missing most of the bloody moments, but there are also longer dialogue sequences in some cut versions than in other uncut prints. The longest version that is commonly available on VHS (and now on DVD from Code Red), runs about 99 minutes.
CUTS:
R0 AE America- Code Red - 30th Anniversary Edition - No Cuts. Uncut Version.
FUENTE: http://www.dvdcompare.net/comparisons/film.php?fid=3671

DEJO CAPS CALIDAD VHS PARA COMPARAR EN ALGÚN MOMENTO CON EL DVD:

MAS CAPTURAS: http://cinematichorrorarchive.wordpress ... rain-1981/
Ediciones en VHS: http://www.rarovhs.com.ar/2011/01/night ... e-sin.html (Holandesa)
Los 4 VHS Argentinos: http://www.rarovhs.com.ar/2009/10/night ... brain.html
POST DE 19 PÁGINAS EN HORRORDVDS: http://www.horrordvds.com/vb3forum/show ... hp?t=36761
POST DE 21 PÁGINAS EN AVMANIACS: http://www.avmaniacs.com/forums/showthread.php?t=45997
POST DE 46 PÁGINAS EL CULT-LABS: http://www.cult-labs.com/forums/us-horr ... lease.html

CAPTURAS DEL DVD (VERSIÓN 4:3):

Más: http://www.horrordvds.com/vb3forum/show ... tcount=236
VERSIONES 16:9: http://www.horrordvds.com/vb3forum/show ... tcount=244

Sonny and Jed (1972) - Director: Sergio Corbucci

2011-07-07T14:26:00.001-07:00

Siguiendo con la filmografía de Sergio Corbucci...

Los hijos del día y de la noche aka Sonny and Jed (1972) - Director: Sergio Corbucci
La Banda J.S.: Cronaca criminale del Far West

Los hijos del día y de la noche, coproducción italo-hispano-alemana dirigida en 1972 por Sergio Corbucci.
Sergio Corbucci, como otros muchos directores, también ha realizado películas estilo western. La idea nace del film Bonnie y Clyde (1967). Esta idea es aprovechada por Corbucci para sitúar la historia en el Oeste, con dos arrogantes y temerarios protagonistas, un hombre y una mujer. La película es un compendio de acción y aventura.
Sinopsis: Jed es un bandido mexicano que solo roba a los ricos. Él y su banda han realizado varios robos, por eso los persigue el sheriff Franciscus. Un día Jed y Sonny se conocen y ambos cometen muchos robos juntos, haciendose muy famosos en todo el Far West. El sheriff que va tras los pasos de Jed finalmente le hiere y le captura. Sonny, que ahora es la esposa de Jed, lo libera. Una vez libre, Sonny que está celosa por una antigua traición lo mantiene como a un esclavo.
Esta película se ha editado en DVD en España en formato 4:3 lamentablemente.

Existe en Widescreen en Francia y USA como se puede ver en esta comparación gráfica.

WildSide FR PAL DVD Vs. Cultcine NTSC DVD

The French DVD looks really dark and colors are dull.

Trailer y clips de la banda sonora de Ennio Morricone:

ENLACES:
http://es.wikipedia.org/wiki/Los_hijos_ ... e_la_noche (que haríamos sin Wiki para lo básico)
http://800spaghettiwesterns.blogspot.co ... noche.html
http://www.spaghetti-western.net/forum/ ... pic=1909.0
http://www.zonadvd.com/modules.php?name ... &sid=11214
http://pecksspetrips.blogspot.com/2008/ ... -1972.html
http://forum.tntvillage.scambioetico.or ... pic=214294

OTROS POSTS DEL FORO sobre SERGIO CORBUCCI:
DJANGO (1966) Blu-Ray USA - Director: Sergio Corbucci @ viewtopic.php?f=25&t=44711&p=604754
Il Mercenario (1968) DVD Z4 ARG - Director: Sergio Corbucci @ viewtopic.php?f=4&t=54202&p=722360
Il Grande Silenzio (1968) DVD Z4 ARG - Dir.: Sergio Corbucci @ viewtopic.php?f=4&t=54593&p=722399

OFF-TOPIC sobre SUSAN GEORGE en DVD/Blu-Ray:

Si buscan otras película de SUSAN GEORGE, hace poco salió en Blu-Ray la película Mandingo (1975).

Perros de Paja fue anunciada en Blu-Ray en UK y cancelada.
Capturas de Mandingo sacadas del Blu-Ray USA @ http://www.vintage-erotica-forum.com/sh ... stcount=36 (+18)
Ah, y no dejen de mirar Die Screaming Marianne (1970) y Fright (1971) de Pete Walker. Y Tintorera (1977) es una "carnicería" de las buenas.

Les dejo una más: Twinky (1970) con Susan George y Charles Bronson, dirigida por Richard Donner. Ver: http://www.vagos.es/showthread.php?t=1358465